Mangaverse, 18 ans (Souvenirs en images…)

Souvenirs photographiques

Les communautés Internet sont, sous certains aspects, fascinantes. Celle de Mangaverse, issue d’un site personnel donc non collectif, ne l’est pas moins. Qu’est-ce qui peut faire qu’à partir d’un thème, ici les mangas (ces fameuses bandes dessinés japonaises), tout un groupe de personnes ne se connaissant pas, n’habitant pas au même endroit, ni dans le même pays, arrivent à échanger puis à se rencontrer réellement (IRL, dans la « vraie vie » comme on dit) ? Surtout que la lecture est une occupation essentiellement solitaire. Répondre à cette question demanderait qu’un ouvrage lui soit consacré, non ?

Le site www.mangaverse.net est né en mai 2001 sous la forme d’un simple site personnel. C’est en avril 2002 qu’il est devenu un « véritable » site, avec son propre nom de domaine. Un forum s’est rapidement greffé au site afin d’offrir un espace de dialogue pratique. Ce dernier s’est développé au point de prendre une certaine indépendance au fil du temps.

C’est autour de ces deux espaces que s’est donc structurée une petite communauté, de quelques centaines de personnes pour sa partie virtuelle, de quelques dizaines pour sa partie réelle. Ce développement s’est principalement effectué durant les années 2003 à 2005, en même temps que le manga gagnait en popularité.

Certes, cela ne représente pas beaucoup de monde comparé à des « monstres » comme jeuxvideo.com ou même bdgest.com mais mangaverse.net a eu une certaine influence sur le petit monde des fans et des sites de mangas, notamment en étant fréquenté par un certain nombre de professionnels de l’édition.

Votre serviteur est arrivé en avril 2002 après avoir repris la lecture de mangas quelques mois auparavant par le biais de Maison Ikkoku, de Rumiko Takahashi, édité par Tonkam, un éditeur à l’époque au meilleur de sa forme éditoriale.

Ayant nettement plus de temps à passer sur Internet pour des raisons que l’on va dire… personnelles, je me suis investi dans cette communauté, attiré par la qualité des messages d’un certain nombre d’intervenant·e·s, ce qui tranchait pas mal avec d’autres forums et sites spécialisés dans la bande dessinée japonaise.

Le public de Mangaverse étant assez âgé (entre la vingtaine et la trentaine) et plutôt éduqué, des discussions assez développées, dépassant souvent le simple avis de lecture, se sont multipliées au fil du temps.

Surtout, certaines personnes n’ont pas hésité à aborder d’autres thèmes culturels sur le forum. C’est ainsi que, pour en rester à la bande dessinée (européenne, américaine, asiatique), de nombreux titres, parfois exigeants, ont été proposés à la lecture des plus curieuses et des plus curieux d’entre nous. La curiosité n’est pas un défaut, n’est-ce pas ? Les suggestions, les discussions ont débordé aussi sur d’autres genres comme la musique, le cinéma et l’animation (notamment par le biais du festival d’animation d’Annecy).

En ce qui me concerne, cet élargissement, hors BD, s’est fait vers la photographie et l’art (principalement pictural et moderne). Il est étrange (et amusant) d’observer l’évolution d’un passe-temps virtuel, qui est devenu au fil du temps de plus en plus réel. Si la photographie m’avait intéressé par le passé, ce n’avais jamais été réellement le cas des Beaux-Arts.

Il y a quelques années, j’avais réalisé un mini-site reprenant dix années de photographies consacrées à Mangaverse. Très rapidement, j’avais remarqué qu’il y avait un problème assez insurmontable : comment illustrer le virtuel, comment présenter des photos ayant un minimum de qualité artistique et d’intérêt pour une personne extérieure à cette communauté ? Il m’a toujours semblé que c’est impossible, mais cela ne m’a pas empêché de remettre ça cette année.

Une autre difficulté est celle de la représentation de ces rencontres. Il s’agit de rencontres privées, ce qui implique un respect assez rigoureux du droit à l’image. Impossible pour moi de représenter une rencontre lors d’un repas, avec des dizaines de personnes présentes, dont la plupart ne sont plus joignables et n’ont donc pas pu donner leur accord pour se retrouver affichées.

Cependant, cette contrainte n’est pas inintéressante. C’est ainsi que les photographies présentées tout au long des lignes suivantes ont un lien parfois assez ténu avec le manga et Mangaverse. Néanmoins, ces images n’existeraient pas si Mangaverse ne m’avait pas accueilli il y a pratiquement dix-huit années de cela.

Il ne me reste plus qu’à vous souhaiter une bonne lecture et un bon visionnage !

Les conventions et festivals

Les conventions et les festivals sont des lieux incontournables pour toute communauté. En effet, il est possible de dépasser les limites du virtuel pour vivre sa passion dans un monde qui n’est, en réalité, pas plus en prise avec le réel même s’il est plus matériel. En effet, passer plusieurs journées dans un festival comme celui d’Angoulême ou dans une convention comme Japan Expo, fait que l’on se retrouve plongé dans une bulle coupée de la réalité extérieure. Certes, le virtuel a disparu, mais ici au profit d’une autre irréalité. Toutefois, les relations humaines sont totalement différentes…

Je vous propose ici de faire une première séquence souvenir, de la convention où des mangaversien·ne·s se sont rencontré·e·s pour la première fois au dernier festival d’Angoulême, où seulement une petite poignée d’habitué·e·s se sont retrouvé·e·s.

Le souci avec mes plus anciennes photos est double : un manque de qualités techniques (les APN n’avaient pas les performances actuelles) et un manque de qualité artistique (je n’avais aucune maîtrise des techniques photographiques… Je n’ai toujours aucun sens artistique, mais cela est un autre problème). Ainsi, il s’agit là de photos relevant plutôt du domaine du reportage, et c’est leur simple valeur de témoignage qu’il faut prendre compte, n’est-ce pas ?

Si Japan Expo est, de loin, la plus importante conventions pour les fans de mangas, et si des mangaversien·ne·s y ont fait acte de présence plus ou moins déclaré entre 2003 et 2015 (notre webmistress y allant même à plusieurs reprises entre 2006 et 2013), elle n’a pas été la seule manifestation pouvant nous intéresser, loin de là.

Le Festival International du Film d’Animation d’Annecy a été l’occasion d’organiser plusieurs rencontres dans la «vie réelle» avec divers·es «invité·e·s» entre 2003 et 2010 (je n’y vais plus depuis). Le site Mangaverse propose son compte-rendu annuel sans faillir depuis 2002.

N’oublions pas le Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême, moment fort pour une petite équipe (de quatre à sept personnes selon les éditions) de mangaversien·ne·s, et ce, depuis 2005.

Enfin, nous allons voir les expositions du Pulp Festival (entre autres) depuis sa création en 2014 et n’hésitons pas à aller ici ou là, à partir du moment où la bande dessinée, quel que soit son origine, est mise à l’honneur.

Les repas

Les rencontres non-virtuelles se font aussi (et peut-être surtout) autour d’un repas, généralement dans un restaurant parisien. En effet, même si une majorité mangaversien·ne·s pourraient être situés hors d’Île-de-France, la position de Paris en fait un lieu qui s’impose de lui-même.

C’est ainsi que le tout premier repas Mangaverse a eu lieu en novembre 2002 à l’occasion de l’édition parisienne du Cartoonist (une convention toulonnaise à l’origine). Pour une première, c’était une belle première, avec pratiquement une trentaine de participant·e·s, établissant ainsi dès le début un record jamais battu, et à peine approché.

Néanmoins, la situation géographique du site (disons, du PC source qui est situé en Rhône-Alpes) a permis d’organiser en mai 2003 un repas « anniversaire » à Lyon avec une quinzaine de convives.

Le plus mémorable, peut-être, des repas mangaversiens est celui qui a eu lieu en février 2005 avec vingt-deux personnes présentes. Totalement déconnecté de toute manifestation en rapport avec le manga, situé un endroit totalement excentré de Paris (les Buttes Chaumont), il reste, à mon sens, la concrétisation de la popularité de Mangaverse à cette époque. Mine de rien, plus d’un quart des participant·e·s de l’époque sont encore, presque quinze années après, encore présent·e·s (au moins virtuellement) dans la petite communauté mangaversienne.

La venue sur Paris d’un·e mangaversien·ne provincial·e a été, durant des années, l’occasion d’organiser des repas. Certains étaient annoncés publiquement sur le forum, d’autres, de plus en plus souvent, restaient limités à un petit comité d’invités. Japan Expo a permis la tenue de repas mangaversiens jusqu’en 2015 (2010 en ce qui concerne la présence de notre webmistress) et la venue d’un·e mangaversien·ne, jusqu’en 2017.

Dès 2005, mais surtout à partir de 2008, les diners se sont transformés en déjeuners suivants (ou précédents) des visites d’expositions, pour devenir la seule façon de se rencontrer autour d’un plat. Preuve de l’embourgeoisement des mangaverisien·ne·s parisien·ne·s, les restaurants fréquentés sont petit à petit montés en gamme (et en prix).

Il y a peu de photos à présenter dans cette partie, soit il y a trop de monde de visible, soit il s’agit de photos de plats, comme on en voit tant sur Instagram.

Les activités culturelles

Un petit groupe de mangaverisien·ne·s parisien·ne·s s’est mis assez tôt à faire des sorties débordant le strict cadre des mangas pour s’intéresser à d’autres formes d’art. Bien entendu, les premières activités étaient plutôt liées au Japon et ses traditions picturales.

C’est ainsi qu’en décembre 2004, quelques mangaverisien·ne·s disponibles ont accompagné notre webmistress à l’exposition Images du Monde flottant au Grand Palais à l’occasion d’un de ses (rares) passages à Paris. Ensuite, certain·e·s d’entre nous sont allés à l’exposition Miyazaki-Mœbius à la Monnaie de Paris en février 2005. La « mode » était lancée !

Ensuite, les thèmes se sont diversifiés pour s’intéresser aux autres arts, les «beaux» mais aussi le 7e et le 9e, quelque-soit leur pays d’origine. C’est ainsi que l’Asie, la bande dessinée (en général), la peinture moderne européenne et l’art contemporain sont devenus nos principaux centres d’intérêts culturels. Ceux-ci sont toutefois liés au manga et aux bandes dessinées de toutes origines, tant l’art a influencé nombre d’auteur·e·s et que de connaître le travail des principaux artistes des deux siècles passés permet de mieux comprendre et apprécier nos lectures présentes.

Je n’ai malheureusement que très peu de photos correctes des premières années, ce n’est qu’à partir de 2010 que j’ai réellement cherché à photographier les œuvres et (aussi) les mangaversien·ne·s, au point d’en abuser maintenant. Si en plus, nous combinons droit à l’image et droit de reproduction (sans oublier les fréquentes interdictions de photographier), vous comprendrez aisément pourquoi la présente section est si courte alors qu’il s’agit d’une part très importante de mes activités photographiques.

Les visites d’expositions sont les seules activités que l’on peut rattacher à Mangaverse. Les concerts ont toujours concernés qu’un très petit nombre de personnes et ne peuvent pas être considérés comme des activités mangaversiennes, peut-être à l’exception d’une édition du festival Rock en Seine, en juin 2005. Il en est de même pour les sorties au théâtre ou à des spectacles. Il y en a eu quelques-unes mais ne regroupant jamais plus de quatre mangaverisien·ne·s et restant très « privatives ».

Tourisme mangaversien

Internet est un lieu sans frontière, mais les mangaverisien·ne·s habitent quelque part. C’est ainsi que j’ai pu me promener ici où là dans l’Europe francophone, c’est-à-dire la Suisse, la Belgique mais aussi la France, (y compris Paris).

Bien entendu, la région Rhône-Alpes a été la première destination, mes voyages dans l’Est incluant rapidement la Suisse, plus précisément Genève. La Belgique, Bruxelles en fait, a aussi été rapidement un lieu de rencontres mangaversiennes.

À l’inverses, la venue de certain·e·s mangaverisien·ne·s sur Paris a été l’occasion de faire du tourisme dans la capitale française. Ces différentes pérégrinations ont débouché sur un certain nombre de photos dont la qualité s’est améliorée en même temps que les voyages se raréfiaient, ceux-ci s’étant principalement effectués entre 2004 et 2011.

Portraits

La photographie n’a semblé intéresser qu’un tout petit nombre de mangaverisien·ne·s. Allez, sur ces dix-huit années, on va dire six ou sept : moi, manu_fred, Minh, Pitite_Kourai, beanie_xz, Sakumoyo et éventuellement Shermane. Exercice essentiellement solitaire, il y a eu, entre autres, une sortie photo organisée au Père Lachaise en 2005, sans oublier un marathon photo organisé par la FNAC à Versailles en 2010 qui a regroupé certaines des personnes citées ci-avant. Les Journées du patrimoine ont été aussi l’occasion de réaliser quelques œuvres.

Capturer des images est devenu un de mes principaux passe-temps (pensez aux heures passées lors du post-traitement sous Photoshop) et, au fil des années, j’ai accumulé plusieurs dizaines de milliers de photos (au grand dam de certaines), plus ou moins liées à Mangaverse.

J’aime beaucoup photographier les mangaverisien·ne·s (surtout les mangaversiennes) même si la plupart du temps, mes sujets ne sont pas enchantés par l’exercice. Une personne est particulièrement victime de cet attrait, ayons donc une pensée pour cette pauvre « persécutée », parfois si patiente avec moi…

J’ai une nette préférence pour les photos prises sur le vif que celles posées. Il faut dire que, personnellement, je ne suis pas capable d’être naturel lorsque je pose pour quelqu’un d’autre. Par contre, je n’ai pas de problème avec mon image, ce qui fait que j’ai toujours un peu de mal à comprendre que l’on ne supporte pas d’être fixé·e sur « pellicule » numérique.

J’ai toutefois eu un petit succès avec un portrait d’Hiroshi Hirata, un auteur de manga, qui a été utilisé par le magazine Animeland et par le festival d’Angoulême pour une exposition dédiée au mangaka.

Je retravaille assez peu mes photos sous Photoshop, cela consiste principalement à améliorer le micro-contraste, mettre une courbe en S pour dynamiser l’ensemble, redresser les lignes, retravailler un peu les couleurs pour avoir une colorimétrie plus ou moins « naturelle », éventuellement passer la photo en monochrome. Pour les portraits, tout au plus, je me permets aussi de nettoyer légèrement la peau pour supprimer tel ou tel bouton un peu malvenu quand cela s’avère nécessaire.

Et maintenant, la fin ?

Objectivement, il est tout à fait possible d’estimer que la petite communauté de Mangaverse n’existe plus, et ce depuis plusieurs années. En effet, il y a la combinaison de l’arrêt du site principal en avril 2013, après pratiquement 12 années de bons et loyaux services (pour laisser la place à un autre site nommé After-Mangaverse), avec les derniers « vrai » repas Mangaverse durant l’été 2014, sans oublier la chute de la fréquentation et du nombre de messages sur le forum.

À titre plus personnel, la participation de plus en plus faible aux visites d’expositions depuis 2018 est un nouveau signe de la disparition de la communauté mangaversienne. Dorénavant, lorsqu’on arrive à former un groupe de cinq personnes, c’est un petit exploit… Pour citer Michel Berger dans une célèbre chanson interprétée par France Gall : « C’est peut être un détail pour vous, mais pour moi ça veut dire beaucoup », même si les contextes sont totalement différents.

Néanmoins, techniquement, le site existe toujours, le forum aussi (au moins jusqu’en juillet 2019), et la création en janvier 2019 d’un Discord dédié à Mangaverse (avec l’arrivée rapide d’une trentaine de membres) par Key, un des membres les plus anciens et coadministrateur du forum (même s’il n’y va pratiquement plus depuis des années), a montré que tout n’était pas terminé. Cependant, l’activité y a chuté quelques semaines après sa mise en service, et là aussi, ça veut dire beaucoup…

Il reste de ces dix-huit années une belle aventure humaine, à l’origine de nombreuses rencontres débouchant même sur des mariages et des enfants (dans au moins deux cas). La communauté mangaversienne est issue du Web 1.0, et elle s’est pas adaptée aux changements du Web 2.0 avec l’omniprésence (si néfaste) des réseaux sociaux (nous n’avons pas créé de groupe Facebook, par exemple), du recul de l’écrit devant la vidéo, de la disparition de la réflexion au « profit » de l’émotion.

Pour conclure, je citerai un ancien mangaversien (skyzik) pour qui le site a eu, je pense, une certaine importance et qui a laissé cette phrase pleine de justesse et de bon sens dans un commentaire à l’annonce de l’arrêt de mangaverse.net par sa webmistress : « Ça collait bien dans le contexte de l’époque, mais maintenant, c’est plus une contrainte qu’autre chose, y’a plus le feu sacré, la passion… C’est la vie, et aussi le début d’une nouvelle histoire ! ».

En effet, il faut savoir passer à autre chose et à ne pas vivre dans le passé, quoique je me voie bien fêter les vingt ans de Mangaverse…

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Les téléphones mobiles et moi…

Alors que j’ai dû changer en urgence de téléphone il y a une semaine, cet événement (je n’en change pas si souvent) m’a inspiré un billet sur un sujet sur lequel personne ne devait m’attendre, celui des téléphones mobiles, devenu des smartphones ou ordiphones. En effet, je suis connu auprès de mon entourage pour détester ces derniers, les pratiques qui se sont développées auprès de la majeure partir de la population. Pourtant, mon histoire avec les « téléphones intelligents » est ancienne.

Cette détestation ne m’est venue qu’avec le tactile et le développement des usages mobiles liés au Web 2.0, sans oublier la fascination que les petits écrans semble exercer sur une grande partie de la population. Ceci ne va pas changer avec la panne de mon BlackBerry Q10, ce qui m’a amené à acheter un KEY2 dans la foulée et passer ainsi d’un OS fermé et abandonné à l’écosystème Android. Ceci dit, je suis resté fidèle à la marque canadienne (les téléphones sont désormais hongkongais car conçus et fabriqués par TCL) et à ses claviers physiques, prolongeant une bonne vieille habitude.

J’ai eu très tôt un téléphone GSM, dès 1994 (si je me souviens bien), un Lisa P 9041 (en réalité, un Ericsson 1523 ou GF198) avec son clapet et son antenne rotative accompagné d’un abonnement au réseau Itineris (devenu Orange quand France Telecom a fusionné toutes ses marques et ses services, réseau auquel je suis resté abonné tout le temps). Je suis d’ailleurs resté globalement fidèle à la marque Ericsson (même si j’ai eu un Nokia et un Alcatel à un moment donné) puisque j’ai utilisé un GA628 puis un T68i (un Sony-Ericsson) durant la première moitié des années 2000. De même, mon premier « smartphone » a été un autre Sony-Ericsson : le K600i. Ce modèle, je l’ai eu début 2006 (en mars si mes estimations ne sont pas trop mauvaises).

Après avoir utilisé durant deux années (entre 2009 et début 2011) l’ultra plat (je passais mon temps à le chercher caché entre deux feuilles de papier) C902 , j’ai découvert l’univers BlackBerry quand j’ai dû changer de téléphone pour cause (habituelle) de batterie défaillante. Un client m’avait donné son ancien Bold 9000 que j’ai utilisé très brièvement avant de passer au Bold 9780 en avril 2011. J’ai ainsi pu me passer (pour les SMS) du T9 avec lequel j’étais une buse, ce qui faisait que certaines personnes se moquaient fort justement de moi (n’est-ce pas Cosmos/TongRaider ? ☺) et que j’étais stupéfait par la dextérité de certaines personnes (a-yin pour donner un exemple). Il y avait enfin un vrai clavier, avec toutes les lettres de l’alphabet, et même plus !

Je suis ensuite passé au Q10 et au tactile (partiel du fait de son clavier physique) en avril 2014 après de nombreuses années de résistance. C’est le téléphone que j’ai utilisé le plus longtemps, quasiment cinq ans, les batteries des précédents ne tenant généralement que trois années (nettement moins dans le cas de l’ultra-fin C902). D’ailleurs, ce n’est pas la batterie qui m’a fait changer (elle tenait encore facilement une journée et demi) mais la panne de la connectique USB, interdisant toute recharge ou connexion à un PC. J’espère que le nouvellement acquis KEY2 durera autant que le Q10, surtout vu son prix prohibitif pour des caractéristiques assez moyennes, tout bien considéré.

Ce bref historique de mes différents téléphones mobiles montre bien comment d’utilisateur éclairé je suis passé au fil des années à la position d’utilisateur conservateur. Le tournant s’est effectué en partie en 2009 lorsque j’ai remplacé mon smartphone K600i pour un C902 alors que les écrans tactiles avaient fait leur apparition depuis quelques temps. Tout comme Sony-Ericsson, j’ai « raté » le virage du tactile, tout en ne le regrettant pas. De même, je ne me suis jamais intéressé au côté « smart » de mes « phones » même si j’en ai eu assez tôt avec une connexion 3G (nécessaire pour connecter mon ordinateur portable à Internet où que je sois). Je ne me suis jamais passionné pour les PDA (Personal Digital Assistant), préférant les PC portables, plus polyvalents et complets. Je me souviens pourtant assez bien des Psion Series 3 et du Nokia 9000 Communicator, mais en tant que simple observateur, pas en tant qu’utilisateur.

En 2011, j’ai récidivé, cette fois avec les BlackBerry, en préférant le Bold 9780 à un modèle de la série Storm ou Torch. Le passage au Q10 a été « douloureux » avec la perte du stick au profit du tactile, heureusement qu’il restait le clavier physique. Ne voulant pas me passer de ce dernier, je suis donc passé au KEY2 (la version LE rogne un peu trop sur tout à mon goût, surtout pour un modèle qui reste assez cher). J’ai au moins gagné un écran nettement plus confortable, tant celui du Q10 était minuscule selon les normes des années 2010. Mais au prix d’un encombrement notable, surtout une fois placé dans son étui portefeuille… Reste à espérer que la partie « téléphone » soit au niveau attendu car ce que je demande en premier à un smartphone, c’est d’être un bon téléphone (ce que n’ont jamais été les iPhones par exemple). Ensuite, c’est de pouvoir échanger par SMS et e-mails.

Cette détestation du tactile s’est étendue aux PC Netbook, ou aux touchpads multi-points (et éventuellement à pression). J’utilise très peu ma tablette transformable PC Acer Switch (sauf pour lire des BD en PDF presse) et je ne supporte pas les nouvelles générations de pavés tactiles, trop tactiles justement. Il faut dire que dans le monde de l’ordinateur de bureau ou portable, le tactile ressort plus du gadget que du pratique. C’est certainement lié aux habitudes prises, mais pour l’instant, rien ne vaut une simple souris pour utiliser Windows (sauf un stylet peut-être). Il est permis de penser que ce n’est plus le cas pour de nombreux enfants. Cependant, essayez de faire une sélection précise avec Photoshop avec un écran tactile ou un touchpad et vous reviendrez m’en parler !

Pour en revenir aux téléphones, n’étant jamais (jusqu’ici) passé à iOS (jamais de la vie) ou à Android (bien obligé), je suis resté à l’écart des usages devenu habituels des smartphones : les réseaux sociaux, les jeux et les vidéos. Il faut dire qu’à l’instar de la téléphonie, mon usage d’Internet est passé de « plutôt précurseur » (milieu des années 1990) à « ringard » regrettant l’évolution 2.0 qui a vu les réseaux sociaux remplacer les forums, les blogs remplacer les sites web statiques et les échanges s’appauvrir considérablement. Je déteste ce qu’est devenu Internet, je ne comprends pas les gens qui passent leur vie accrochés à leur téléphone, discutant en marchant ou en conduisant, tapant des messages dans les transports ou en conduisant, jouant à des jeux sans intérêt ou regardant des vidéos débilitantes…

Je déteste donc les réseaux sociaux, à commencer par Twitter et Facebook, de grands pourvoyeurs de mensonges, de manipulations et de stupidités, je suis atterré par la médiocrité des vidéos à succès sur YouTube, etc. Je me suis d’ailleurs accroché avec un copain (coucou, Key ☺) sur le Discord de Mangaverse à ce sujet, ce cher Key n’ayant pas la même position que moi, et l’un n’arrivant pas à comprendre l’autre. Certes, il y a des aspects positifs dans les réseaux sociaux, mais ils sont tellement noyés par ceux, innombrables, qui sont négatifs. Il y aurait de quoi faire un billet, d’ailleurs… Or, pour moi, ce sont les smartphones (par leur usage massif) qui ont amplifié ce mouvement et tiré encore plus vers le bas le contenu d’Internet jusqu’à en arriver à ce point de non-retour. Pourtant, même si je déteste les smartphones, même si je ne suis pas resté plus de 24 heures sans en avoir. Paradoxe, quand tu nous tiens…

Le manfra (4/4)

Voici le dernier texte du cycle de quatre conférences sur le manga donné au C.D.I. du Lycée Jean Monnet entre octobre 2018 et mars 2019, celle-ci étant consacrée à un type de bande dessinée francophone qui ressemble, souvent à s’y méprendre, à son homologue japonaise, c’est-à-dire le manga. Il s’agit d’une version raccourcie de la conférence que j’ai donné au Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême 2019, durant moins d’une heure au lieu de l’heure trente d’origine. Une version complète (et même développée) est prévue pour fin mars sur le site du9.

En effet, cela fait longtemps que des auteur·e·s veulent créer des « mangas à la française ». Dès le milieu des années 1990, on pouvait trouver en kiosque des œuvres ressemblant à la bande dessinée japonaise, malheureusement au graphisme et aux récits non maîtrisés, dans un magazine comme Yoko. Toutefois, ce n’est que récemment que le mouvement a pris de l’ampleur, avec des titres qui trouvent un certain succès public, avec des maisons d’éditions dédiées et donc une professionnalisation des « manfrakas ». C’est à type d’ouvrages que nous allons parler aujourd’hui.

Avant de revenir sur l’histoire de ce que nous appelons ici « manfra » et d’en étudier les différents aspects, il est nécessaire d’en établir une définition, ce qui permet de borner le champ de cette conférence. Pour moi, est du manfra toute œuvre édité originellement en francophonie et qui veut ressembler à du manga, ce qui peut aller jusqu’à l’utilisation d’un sens de lecture de droite à gauche. Il s’agit ici d’écarter les bandes dessinées dites « hybrides » (pour ce que ça peut vouloir signifier) comme L’Immeuble d’en face de Vanyda, La Rose écarlate de Patricia Lyfoung ou L’Extrabouriffante aventure des Super Deltas d’Edouard Court. Par bande dessinée hybride, j’entends les BD qui empruntent différents éléments narratifs aussi bien au manga qu’au Franco-belge (sans oublier les comics) et qui ne sont pas au format « manga ».

Pour cela, nous devons faire ressortir ce qui, pour le grand public, compose les principales caractéristiques du manga. Tout d’abord, c’est le N&B, même s’il existe de nombreuses œuvres en franco-belge ou de comics books qui ne sont pas en couleur et ce, depuis des décennies. Il faut aussi un nombre élevé de pages (environ 200). Ensuite, c’est le format : le manfra, sauf exception, se doit d’être du format B6 (125 × 176 mm), voire A6 (105 × 148 mm), jusqu’au A5 (148 × 210 mm). La présence d’une jaquette est un plus indéniable, tout comme le sens de lecture « à la japonaise ». Voilà pour la forme.

Pour le fond, un graphisme plus ou moins copié des mangas shônen ou des shôjo grand public est plus ou moins inévitable (alors que le manga propose une très grande diversité graphique). C’est ainsi que nous rencontrons surtout un dessin que j’appelle semi-réaliste néoténique (avec des – plus ou moins – grands yeux) ou alors comique de type SD (Super Déformé). La narration, grâce à la pagination de l’ouvrage, est aussi d’inspiration manga, c’est-à-dire avec peu d’ellipses et la présence régulière d’enchainements de point de vue à point de vue (d’après l’analyse de Scott Mc Cloud).

Il y a donc une volonté manifeste des auteur·e·s de faire du manfra. Cependant, il semble que nombre de manfras n’arrivent pas à de débarrasser d’une certaine tendance à être trop verbeux. Outre l’influence des bandes dessinées dites « classiques », il y a la nécessité de faire passer un certain nombre d’informations en relativement peu de pages, car les séries font rarement plus de trois ou quatre tomes.

Enfin, il faut aussi la volonté de l’éditeur d’utiliser (au moins en partie) le canal de diffusion des mangas pour vendre ses manfras (diffuseur-distributeur / communication / disponibilité en rayon spécialisé). Ce dernier point est important. Si la prépublication dans une revue spécialisée (papier) ou sur un site web n’est pas indispensable, il faut une démarche « professionnelle » et commerciale effectuée par une structure éditoriale. Néanmoins, il y a toujours des cas discutables. Par exemple, je considère que Cédric Tchao fait du manfra même si Le Grand pélican a été commercialisé par un éditeur généraliste. Cependant, on se situe là aux limites de la présente définition.

J’ai ainsi écarté de ma définition du manfra les œuvres que l’on peut trouver dans le domaine du yaoi car si de nombreuses publications sont créées par des auteur·e·s francophones, comme on peut le constater lorsqu’on va à la convention Y/CON, il s’agit quasi-exclusivement d’autoédition ou de structures non-professionnelles. De plus, il s’agit d’un « monde » qui mérite un thème dédié (d’ailleurs abordé dans un des numéros de la revue Manga 10 000 images).

Intéressons-nous maintenant à la jeune histoire du manfra. On en trouve les prémisses dans les années 1990 (juillet 1994 pour être précis) dans les petits suppléments de Kameha, la revue de prépublication et de rédactionnel sur le manga des éditions Glénat. Cela s’appelait Kameha Kids et proposait de très courtes histoires dessinées dans un « style manga ». Il y a eu aussi le magazine Yoko, proposant à partir de décembre 1995 et jusqu’à fin 1997 des bandes dessinées plus ou moins travaillées à l’influence manga plus qu’évidente (y compris dans sa facette hentai). Ceci dit, surtout dans le cas de Kameha Kids, on était plus dans le fanzinat que dans de la véritable publication professionnelle.

Je date la naissance du manfra à avril 2005 lorsque Pika Éditions prépublie Dys de Moonkey, suivi de près par Dreamland de Reno Lemaire dans son magazine Shônen Collection. Les premiers tomes reliés des deux séries sortent en janvier 2006. Il y a aussi le cas du tome 1 de Dofus qui est sorti chez Ankama en octobre 2005. Ce titre est le produit dérivé d’un jeu vidéo, il n’est pas très manga dans son dessin et sa narration, cependant, il est en petit format et en N&B. Surtout, il est revendiqué comme étant du « manga » aussi bien par ses auteurs (Ancestral Z et Tot) que par l’éditeur.

Pink Diary, de Jenny, sort avec succès en avril 2006 chez Delcourt, mais pas dans sa collection manga qui est dirigée à l’époque par Akata. Une distinction qui doit vraisemblablement plus à cette externalisation qu’à la volonté de Delcourt de séparer manga et manfra.
Pika continue à creuser le sillon du manfra avec Vis-à-vis de Miya (2007) puis Catacombes de de Vald (2008). Ankama développe sa collection Dofus avec des séries dérivées : Dofus Arena (2007) et Dofus Monster (2007). L’éditeur roubaisien cible ensuite sans réel succès un public féminin avec Kuma Kuma (2008).
Kana se lance dans le manfra via sa collection Made In qui est consacrée aux bandes dessinées asiatiques avec IO Memories de Chris Lamquet en juillet 2007. Si l’auteur voulait faire du manga, cela ne ressent pas dans le graphisme ni dans la narration qui restent très personnels.

Cependant, c’est du côté des Humanos que le manfra prend une toute autre dimension. Avec la volonté affichée de faire du manga à l’européenne, de mettre en place une prépublication avant de sortir les récits en tomes reliés et surtout un grand nombre de titres proposés en même temps. Le premier numéro de Shogun Mag sort en octobre 2006. Il s’agit donc d’un magazine mensuel de près de 350 pages et contenant une dizaine de séries réalisées sous forme de chapitres à suivre.

Certains titres sortent tous les mois mais tout le monde n’arrive pas à suivre le rythme. Cela permet un roulement et l’arrivée de nouvelles séries (exemple : Kairi dans le numéro 3 de décembre 2006). Dès avril 2007, les difficultés de trouver un public (et donc de faire des ventes suffisantes) apparaissent au grand jour car il faut attendre deux mois le numéro suivant qui est alors proposé sous une nouvelle formule : Shogun Shonen d’un côté et Shogun Seinen de l’autre (pour les deux, environ 280 pages, 8 séries dont plusieurs nouvelles). Une tentative Shogun Life (plutôt axée vers un public féminin) a lieu en novembre 2007, sans suite. En 2008, les deux magazines sortent en alternance tous les mois : Shogun Seinen en janvier pour le numéro 4 et, ce qui se révèle être par la suite le chant du cygne, le numéro 12 (la numérotation du magazine originel étant ici suivie) de Shogun Shonen sort en février. Il faut se souvenir que l’éditeur fait faillite à cette période et se retrouve de longs mois en redressement judiciaire.

Pratiquement un an plus tard, en février 2009, le magazine réapparait en ligne avec une formule bimensuelle et en lecture gratuite. Avec environ 350 pages virtuelles, ce ne sont pas moins de 16 séries qui sont proposées. Le premier numéro ne contient que des rééditions de premiers chapitres de séries en cours, certainement pour toucher un nouveau public, de nouveaux titres étant promis dès le deuxième numéros. La nouvelle tentative tourne rapidement court puisque fin avril, c’est l’arrêt définitif avec le cinquième opus.

Je vois cinq explications aux échecs qu’ont connus Pika et surtout Les Humanoïdes associés : La période 2008-2012 est une période de retournement de marché pour le manga avec un recul important des ventes. Les titres sont de qualité variable, pour ne pas dire quasiment amateurs dans certains cas, surtout au niveau du dessin, ce qui est compréhensible, les auteur·e·s étant quasiment toutes et tous débutant·e·s. Trop de séries visent un public un peu âgé avec des thèmes parlant surtout à des jeunes adultes. La réussite de Dreamland, là tous les autres (ou presque) échouent, s’explique sûrement, outre par des qualités intrinsèques, par le fait que c’est du « pur » shônen-like. N’oublions pas que le public manga, à cette époque, était assez sectaire : seuls les titres d’origine japonaise trouvaient grâce à ses yeux. Enfin, il y a surproduction à cause de Shogun mag et de différentes tentatives de global manga (c’est-à-dire toute bande dessinée occidentale s’inspirant du manga, le manfra étant une sous-division linguistique du global manga), par exemple chez Akileos ou Soleil Manga. C’est ainsi que le manfra connaît le même destin que le manhua : arrêts des séries en cours et arrêts de commercialisation.

La prépublication étant définitivement morte, vive la publication directement en volume relié. C’est la société roubaisienne Ankama qui relance le manfra en 2012-2013 par le biais de sa branche édition. L’éditeur était certes précurseur avec Dofus mais il s’agit là d’un cas particulier, c’est-à-dire l’adaptation du jeu vidéo éponyme. Il y a eu aussi Debaser (9 tomes entre 2008-2014, en pause) qui a tous les ingrédients du manfra même si l’œuvre de Raf est éditée dans la collection 619 consacrée aux bandes dessinées dérivées des cultures urbaines et des comics actuels.

Ankama récidive avec Wakfu, ou plutôt avec sa version manga, une version BD existant déjà depuis plusieurs années. Comme il s’agit là de l’adaptation de l’autre jeu vidéo à succès de l’éditeur (lui-même issu d’une série d’animation), ce sont les succès de City Hall et surtout de Radiant qui montrent que l’on peut faire du manga à la française et en vivre. Pourtant (ou heureusement), ces deux séries ne sont pas intégrées à la collection manga créée en 2011 et dirigée par JD Morvan. Comprenant (notamment) les mangas Soil, Hitman, La Paire et le sabre, Togainu no Chi, le manfra Appartement 44 et le global manga adaptant le film Le dernier maître de l’air, la collection Kuri n’existe qu’entre 2010 et 2013. Notons aussi qu’Ankama a proposé en 2011 un magazine de prépublication de mangas originaux : Akiba (janvier 2011 – août 2011).

City Hall et Radiant ne devaient faire que trois tomes à l’origine. Le succès ayant été au rendez-vous, les deux séries se sont vues prolongées, City Hall atteignant un total de sept volumes (le septième clôturant le deuxième cycle) alors que Radiant est toujours en cours avec un onzième tome sorti en février 2019. City Hall a été décliné en Jeux de Rôle plateau et Grandeur Nature. Il a même inspiré une recette de cuisine, preuve de son impact hors du petit monde de la bande dessinée. Quant à Radiant, traduit en japonais dans un magazine confidentiel, il a réussi l’exploit d’être décliné en animé au Japon dans une version s’adressant à un plus jeune public qu’à l’origine.

Nul ne doute que l’appétit des différents éditeurs francophones a été aiguisé, surtout avec la réussite commerciale de l’adaptation en manfra du jeu social en ligne Amour Sucré, un jackpot pour l’éditeur Akileos qui avait tenté l’aventure du global manga avant d’arrêter très rapidement devant les ventes catastrophiques de ses premiers titres. Il y a par exemple Glénat qui se met à investir depuis quelques années sur la création française de manfra, notamment avec VanRah, une autodidacte passionnée par le dessin et extrêmement douée, ainsi qu’avec Izu, pseudonyme de Guillaume Dorison, ancien directeur de collection du magazine Shogun mag et scénariste de plusieurs manfra et BD (sous son nom) chez différents éditeurs. Ce n’est pas pour autant qu’Izu, avec Shonen, dessinateur de plus en plus confirmé, réussi à trouver à chaque fois le succès, à l’exemple de Lords of Kaos, titre publié par Pika et interrompu au bout de deux tomes. L’éditeur peine toujours à renouveler le succès de Dreamland mais ne désespère pas d’y arriver avec Everdark.

C’est autour du mitant des années 2010 que l’on voit arriver une nouvelle vague d’œuvres relevant du manfra. Dara, connu pour son Appartement 44 chez Ankama, réussi à placer une série chez un des plus importants éditeurs BD, Casterman, en dehors de la collection manga de ce dernier. Ki-oon, l’éditeur de manga indépendant bien connu pour la qualité de son travail se lance dans la création française avec le professionnalisme qui le caractérise. C’est ainsi que Shonen montre ses remarquables progrès en matière de dessin dans sa série Outlaw Players (toujours en cours, 7 tomes depuis 2016). Cependant, le nouveau succès du moment est Ki & Hi qui réussit l’exploit de rejoindre les plus gros succès en manga. Avec 190 000 exemplaires des tomes 1 et 2 vendus en 2017, le titre est aux portes du top 10 annuel manga, mais avec seulement deux volumes. Le record d’Amour sucré est très largement battu. Toute la puissance des réseaux sociaux, et notamment de YouTube, s’exprime ici car ce n’est pas la qualité de l’œuvre – très relative – qui a pu être le moteur principal des ventes. À l’inverse, c’est un flop commercial absolu que connait Akata avec Les Torches d’Arkylon, série immédiatement stoppée après un seul tome et disponible en autoédition par son auteur pour la suite.

Cette vague s’amplifie tout naturellement avec l’arrivée sur le marché du manfra de nouveaux éditeurs, créés ex nihilo pour commercialiser des titres à la qualité variable. Si H2T et E.D Édition ont une démarche professionnelle, manifestement réfléchie, en proposant une prépublication en ligne (en partie gratuite) débouchant ensuite sur une sortie imprimée de qualité distribuée en librairie spécialisée, les éditions Olydri et Yüreka montrent plus d’amateurisme pour leur manfra, ce qui ne doit pas préjuger de l’avenir, étant donné qu’il est toujours difficile de se lancer, surtout lorsque l’on vient du monde de la vidéo communautaire en ligne comme c’est le cas pour Olydri.

E.D Édition a été créé en 2011 pour publier le travail d’Emeric et Damien Chazal, deux frères passionnés de mangas n’ayant pas pu percer au Japon comme ils l’espéraient. Head-Trick rencontre un certain succès sur Internet, ce qui leur permet de se lancer dans l’aventure de l’édition. Le succès des ventes papier (plus de 15 000 exemplaires de la série ont été vendus entre 2011 et 2013) a permis de décliner l’univers de la série en plusieurs produits dérivés, ce qui permet de rentabiliser encore plus l’ensemble.

La maison d’édition H2T (Hydre à 2 Têtes) est créée en mars 2016 par Ludivine Gouhier et Mahmoud Larguem (de retour en France après avoir tenu durant 7 ans un manga café à Montréal) en ayant pour but de proposer des créations originales sur un site dédié où chaque chapitre peut être lu pour une somme modique. Une fois qu’il y a suffisamment de pages, un tome peut être alors imprimé et diffusé en librairie. Proposant du manfra, du global manga mais aussi du manga, sans oublier du simili franco-belge, l’éditeur a basé son modèle économique sur une sorte de micro réseau social entre les auteur·e·s et leur lectorat reposant sur un site et des rencontres sur des salons et conventions. Leur capacité à proposer des séries de qualité a éveillé l’intérêt de Hachette qui en a fait un label adossé à Pika Édition en mai 2018, certainement pour rattraper le retard pris par sa branche manga dans la création francophone (ce qui est un comble pour un précurseur).

L’année 2018 voit s’amplifier le mouvement du manfra, notamment sous l’impulsion de Glénat qui continue à proposer de nouveaux titres. Avec quatre lancements l’année dernière dont Versus Fighting Story sur un scénario de l’incontournable Izu, Mortician de l’auteure maison VanRah et surtout de Tinta Run de Christophe Cointault, l’éditeur grenoblois a passé la vitesse supérieure. De son côté, outre son développement dans le manfra grâce au rachat de H2T, Pika espère beaucoup du frère cousin de Reno avec Everdark de Romain Lemaire qui vient juste de débuter. Ankama, qui n’a jamais quitté le domaine, même après l’arrêt de sa collection manga et de son magazine de prépublication, lance en février 2018 Talli, fille de la lune, un manfra de Sourya Sihachakr, déjà dessinateur pour une série du label 619. Prévue en cinq tomes, il s’agit d’une œuvre assez éloignée de ce que publie l’éditeur roubaisien. L’élan pris en 2018 concerne aussi les régions d’outre-mer. Il y avait bien eu Caraïbéditions il y a une dizaine d’année : deux tentatives pour autant d’échecs. Il y a surtout Redskin de Staark, édité par Des bulles dans l’océan, un éditeur-libraire basé à Saint-Denis sur l’île de La Réunion. Le manga y rencontre un grand succès, ce qui rend viable le projet de Staark qui a même pu engager deux assistants pour pouvoir sortir plus rapidement sa série.

Une caractéristique du manfra, qui n’apparait pas clairement dans cette conférence, est la diversité des profils, avec une présence accrue des femmes, ainsi que des jeunes issus de l’immigration. Cela change agréablement de la bande dessinée franco-belge où la diversité ne règne pas en maitre, c’est le moins que l’on puisse dire. En effet, derrière les nombreux pseudonymes et label exerçant dans le manfra, nous pouvons trouver autant de profils différents, d’origines variées qu’il y a d’auteur·e·s mais aussi de responsables éditoriaux.

Si la grande majorité des auteur·e·s de manfra sont plus ou moins autodidactes ou viennent de la bande dessinée franco-belge, il y en a (peu) qui ont fait des écoles spécialisées ou des écoles d’art. Ces dernières sont d’ailleurs à privilégier tant la diversité de leurs formations permet d’acquérir de nombreuses techniques et connaissances en art plastique en plus du dessin. En Belgique, les plus connues sont l’Institut Saint-Luc de Bruxelles (par laquelle de nombreux auteurs de BD sont passés) ainsi que l’Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles (mais la bande dessinée n’y est pas enseignée). En France, l’École des Gobelins est la voie royale grâce à un enseignement d’une très grande valeur (toutefois l’animation et le jeu vidéo sont privilégiés à la bande dessinée). Cependant, il y a de nombreuses écoles de qualité en province, telles que l’EESI à Angoulême / Poitiers, l’École Émile Cohl à Lyon, ainsi que L’Iconograf à Strasbourg, la Haute école des Arts du Rhin à Mulhouse / Strasbourg ou l’École Pivaut à Nantes / Rennes, l’EIMA à Toulouse. Cette liste n’est pas exhaustive, bien entendu. De plus, il existe des écoles privées spécialisées dans l’apprentissage du manga. Il y a par exemple Eurasiam à Paris et Human Academy à Angoulême. Une liste très complète de ces écoles publiques et privées est disponible sur le site de la Cité Internationale de la Bande Dessinée et de l’Image d’Angoulême.

Angoulême 2019, un petit bilan personnel

Deux semaines après la fin de la quarante-sixième édition du Festival International de la Bande Dessinée, il est temps d’en tirer un bilan. Celui-ci est excellent, cette année ayant réussi l’exploit d’être bien meilleure et plus riche que la précédente, qui avait pourtant remonté la barre de façon spectaculaire depuis que Stéphane Beaujean se retrouve seul directeur artistique. Ceci dit, tout le monde ne doit pas penser la même chose tant il a donné de l’importance à la bande dessinée venue du Japon ou à celle venue des USA. Il nous a fallu cinq journées (déplacements aller-retour compris) pour suivre le programme proposé et, comme toujours, sans pouvoir tout faire.

Manga City, le jeudi en fin d’après-midi

Dans la distribution des bons et mauvais points, commençons par Manga City. Le nouvel espace dédié aux bandes dessinées asiatiques se retrouve excentré par rapport aux années précédentes en passant du plateau au terrain de sport situé derrière les chais, mais il faut reconnaître que le gain de place (et donc de confort) valait ce petit désagrément, surtout que la navette Manga City a bien fonctionné et s’est révélée être très efficace, au point de ne jamais avoir besoin d’utiliser les bus BD pour passer du bas au plateau d’Angoulême.

L’abribus près du CGR, le vendredi matin

Cette année, nous avions un véritable espace d’animation avec un cycle de rencontres et de tables rondes bien plus intéressant que les années précédentes. S’appuyant sur une partie de l’équipe éditoriale (enfin, surtout sur Fausto Fasulo, le rédacteur en chef, qui s’est révélé être un bon animateur) de la revue ATOM, donc un gage de qualité, il y a eu de nombreuses rencontres et tables rondes intéressantes, la plus intéressante à nos yeux étant celle avec Taiyô Matsumoto proposée le dimanche en début d’après-midi.

La table ronde sur le shôjo manga, animée par Fausto Fasulo, le vendredi soir

Stéphane Ferrand, le remplaçant des Nicolas Finet et Erwan Le Verger qui avaient incroyablement tiré vers le bas (à leur décharge, ils manquaient peut-être de moyens et de place) la partie manga du festival (ce qui nous faisait regretter chaque année le Manga Building à l’Espace Franquin), a réussi à nous proposer un lieu donnant envie de venir et de revenir. Il faut dire que nous pouvions circuler sans difficulté, que plusieurs stands éditeurs (Kana, Pika, Ki-oon et Glénat) étaient « pro » quoique pas très grands (ce n’est pas Japan Expo), que les espaces de Taïwan, Hong-Kong et de Corée étaient comme d’habitude de qualité, que le lieu n’était pas envahi de vendeurs de goodies et autres produits dérivés, qu’il y avait un bar à sushi très correct pour y manger le midi, etc.

Le co-commissaire de l’exposition Dessiner l’enfance la présentant, le jeudi matin

L’autre excellent point du festival concerne les expositions. Certes, nous ne les avons pas toutes faites mais à part celles consacrées à Rutu Modan et Jean Harambat, plutôt décevantes, elles se sont révélées être d’un très haut niveau, comme souvent avec 9e Art+. Mention spéciales aux expositions « Batman 80 ans », « Taiyô Matsumoto, dessiner l’enfance » et « Richard Corben, donner corps à l’imaginaire », vraiment très réussies au niveau de la scénographie et des cartels.

L’exposition Batman 80 ans, le mercredi soir

« Batman 80 ans », très spectaculaire, réussissait l’exploit de pouvoir s’adresser à la fois au grand public et aux connaisseuses et connaisseurs. Son succès public a dû dépasser les espérances, j’ai entendu parler de plus de trois heures d’attente pour pouvoir y accéder le samedi. Dommage qu’elle ne durait que cinq jours (nous y sommes allés le mercredi, journée pro). Les expositions « Tsutomu Nihei, l’arpenteur du futur », « Tom-Tom et Nana présentent tout Bernadette Després » et « Manara, itinéraire d’un maestro » étaient à ne pas rater.

Le Conservatoire, le samedi midi

Du coup, nous n’avons pas passé énormément de temps au Conservatoire pour suivre les conférences et rencontres qui y étaient programmées, à la différence des années précédentes. La faute à un programme trop concentré sur le vendredi et le samedi, entre la fin de matinée et le début d’après-midi, obligeant à faire des choix cornéliens. C’est d’ailleurs, et ce n’est pas nouveau, un des points noirs de cette édition. Ce qui nous intéressait le plus tombait trop souvent en même temps, sur des sites assez éloignés les uns des autres. Un meilleur étalement des activités en rapport au manga serait une bon idée, en ce qui nous concerne. Le samedi, soit nous assistions à la masterclass de Taiyô Matsumoto, soit nous assistions aux rencontres avec Shinichi Ishizuka (Blue Giant chez Glénat) puis avec Paru Itagaki (Beastars chez Ki-oon). Le soucis est que tous les ans, il y a aussi plusieurs conférences sur les bandes dessinées étrangères qui nous intéressent et qui entrent en conflit avec le reste du programme du festival. Les années précédentes, cela n’était pas un tel soucis, vu la faible qualité des animations de l’espace manga, mais cette année, ça a été une grande source de frustration.

La fameuse masterclass du samedi après-midi

Le grand raté de cette édition est, pour nous, la masterclass de Taiyô Matsumoto. Comme je le craignais, Lloyd Chéry l’animateur, n’a pas été au niveau. Ce n’est pas qu’il n’avait pas préparé la rencontre, il l’avait manifestement travaillée. C’est surtout que ça correspondait à une présentation de l’auteur, de son œuvre et à destination du grand public, des personnes ne connaissant pas Taiyô Matsumoto. Malheureusement, c’était une masterclass, et, pour moi, ça doit être une rencontre technique, abordant la manière de travailler, parlant du processus de création, montrant comment le mangaka dessine. Il n’y a rien eu de tout ça, juste une présentation des principales séries disponibles en français. Bon, il ne faut pas regretter d’y être allé, la présence en France de Taiyô Matsumoto est si rare… D’autant plus que la rencontre internationale à Manga City du dimanche matin, animée par Xavier Guilbert et Stéphane Beaujean (deux vrais connaisseurs du travail de l’auteur) était vraiment réussie, ce qui compense la déception de la masterclass. En fait, il aurait fallu inverser les deux rencontres…

Dédicace T. Matsumoto, le jeudi soir

Je retiens aussi, dans les bons points, l’organisation par Kana des dédicaces de Taiyô Matsumoto. Tirage au sort limité à 100 tickets par jour, une chance sur deux de gagner, quatre jours de dédicaces, achat nécessaire seulement pour valider le ticket gagnant avec la possibilité d’avoir la dédicace sur une autre œuvre du mangaka, c’était bien organisé… du moins, pour les francophones. Heureusement pour les délégations hongkongaises et taïwanaises qu’a-yin était là pour leur expliquer en cantonais puis en une sorte d’anglo-mandarin le système, cela aura permis à quelques Chinois·e·s amatrices et amateurs de Taiyô Matsumoto de pouvoir le rencontrer en dédicace. En plus, le jeudi, nous n’étions qu’une cinquantaine, ce qui fait que tout le monde a été servi en ticket gagnant.

L’au-revoir à Manga City, le dimanche après-midi

À l’arrivée, cette quarante-sixième édition s’est révélée être une des meilleures que j’ai pu suivre (j’en suis à ma seizième, cela commence à compter) et que j’attends avec une certaine impatience (déjà) la prochaine avec Rumiko Takahashi en présidente. Malheureusement, a-yin, ma compère d’Angougou, va avoir sa visite compliquée par le nouvel an chinois 2020 (le réveillon tombe le vendredi soir). Une petite ombre que l’annonce de l’exposition Tsuge ne peut suffire à éclaircir… Bah, on verra bien d’ici là !

Angoulême 2019, le programme manga

Demain, le 46e FIBD commence pour les « pros » (et jeudi pour tout le monde). Cette année, la venue de Taiyou Matsumoto a motivé les foules et c’est une importante délégation mangaversienne qui sera sur place jusqu’à dimanche. Avant de partir demain matin, je présente ici une synthèse des événements qui concernent le manga (au sens large). Voici donc le programme manga du Festival d’Angoulême :

Jeudi 24 janvier

Jeudi 11h00
Atelier – Manga City (Durée : 1h30)
Dessine-moi un yokai
Avec Camille Moulin-Dupré
Animé par Fausto Fasulo

Jeudi 12h30
Atelier – Manga City (Durée : 1h30)
Le style Chibi
Avec Art-of-K , Caly

Jeudi 14h15
Performance graphique – Manga City (Durée : 1h15)
Live drawing
Avec Tony Valente

Jeudi 15h45
Rencontre Manga – Manga City (Durée : 1h30)
Fairy Tail : Happy no Daiboken et Buster Keel! En partenariat avec la Human Academy.
Avec Kenshiro Sakamoto (Japon)

Jeudi 16h00
Présentation de books – Pavillon Jeunes Talents® – Espace Rencontres (Durée : 2h)
Mahmoud Larguem et Ludivine Gouhier – Éditions H2T (sur réservation à partir de 10h)

Jeudi 17h30
Performance graphique
Live drawing « Révisons nos classiques »
Avec Reno Lemaire, Romain Lemaire

Vendredi 25

Vendredi 10h30
Rencontre Manga – Manga City (Durée : 1h)
Yoshiharu Tsuge : un auteur d’exception
Avec Berliac (Argentine), Jean-Louis Gauthey, Daniel Pellegrino
Animé par Xavier Guilbert

Vendredi 11h45
Table Ronde – Manga City (Durée : 1h)
Le shojo, un genre uniquement pour les filles ?

Avec Art-of-K , Caly
Animé par Ludivine Gouhier, Bruno Pham

Vendredi 13h00
Rencontre – Conservatoire – Salle Gerschwin (Durée : 1h30)
Les Maîtres du manga : Taiyo Matsumoto
Avec Gwenaël Jacquet
et
Rencontre internationale – Manga City (Durée : 1h30)
Magical Girl of the End, Akata
Avec Kentaro Sato (Japon)
Animé par Frederico Anzalone

Vendredi 15h00
Rencontre – Manga City (Durée : 1h30)
Bolchoi Arena, une oeuvre sous influence
Avec ASEYN, Boulet
Animé par Marius Chapuis

Vendredi 16h00
Présentation de books – Pavillon Jeunes Talents® – Espace Rencontres (Durée : 2h)
Mahmoud Larguem et Ludivine Gouhier – Éditions H2T (sur réservation à partir de 10h)

Vendredi 17h00
Remise de Prix – Manga City (Durée : 0h30)
Remise du Prix Konishi pour la traduction de manga japonais en français

Vendredi 17h30
Table Ronde – Manga City (Durée : 1h)
La traduction de manga en français

Samedi 26

Samedi 10h30
Performance graphique
La rapsodie de Taïwan
Composition de performances graphiques
Avec morning anxiety, Huang Hsia-Chia, Ho Hush-Yi, Chen Jian, Ou Ling, Pam-Pam Liu, Li Lung-Chieh
et
Rencontre Jeunesse – Musée de la BD – Auditorium (Durée : 1h)
Marblegen, Pika (sur réservation)
Avec Sylvain Dos Santos, Grelin
Animé par Juliette Salin

Samedi 12h00
Rencontre – Conservatoire – Salle Brassens (Durée : 1h30)
Le Manfra, tour d’horizon du manga francophone
Avec Hervé Brient

Samedi 13h00
Rencontre internationale – Manga City (Durée : 1h30)
Blue Giant, Glénat
Avec Shinichi Ishizuka (Japon)
Animé par Frederico Anzalone

Samedi 14h00
Masterclass – Cinéma CGR – Salle 1 (Durée : 2h)
Taiyo Matsumoto (payant)
Avec Taiyo Matsumoto (Japon)
Animé par Lloyd Chéry

Samedi 15h00
Rencontre internationale – Manga City (Durée : 1h30)
Beastars, Ki-oon
Avec Paru Itagaki (Japon)

Samedi 17h00
Masterclass – Espace Franquin – Salle Buñuel (Durée : 1h30)
Live Drawing
Avec Tsutomu Nihei (Japon)
Animé par Fausto Fasulo

Samedi 18h00
Animation – Cinéma CGR – Salle 1 (Durée : 1h)
Cosplay avec l’association du Festival

Dimanche 27

Dimanche 10h30
Rencontre internationale – Manga City (Durée : 1h30)
Autour de Chiisakobe, Le Lézard Noir
Avec Minetaro Mochizuki (Japon)
Animé par Xavier Guilbert

Dimanche 12h15
Rencontre – Manga City (Durée : 1h)
Légende de Chen Uen
Avec Cheng Chi-Yu (Taiwan), Rex How (Taiwan)
Animé par Didier Pasamonik

Dimanche 13h30
Rencontre internationale – Manga City (Durée : 1h30)
Dessiner l’enfance
Avec Taiyo Matsumoto (Japon)
Animé par Stéphane Beaujean et Xavier Guilbert

Manga City

Cette année, l’espace manga a été réorganisé et surtout il a déménagé. Devenu Manga City, il se trouve maintenant derrière les chais (le Musée de la BD), sur un petit stade de football en stabilisé. Ce n’est pas encore Japan Expo, mais il y a 7 éditeurs spécialisés de présents. En voici la liste :
– Akata : MC13
– Glénat : MC18
– Kana : MC14
– Ki-oon : MC17
– Kurokawa : MC5
– Ototo : MC29
– Pika : PC10

Il y aura aussi un stand Atom, l’équipe du magazine étant responsable de l’animation, et les incontournables pavillons coréens, hongkongais, taïwanais ainsi qu’une délégation de Chine continentale. Il y aura aussi des trucs qui n’ont rien à voir avec la BD asiatique, preuve qu’il y a encore du travail à faire pour attirer plus d’éditeurs, notamment Kazé.

Les expositions

Concernant les expositions, il y en a deux qui concernent le manga : celle sur Taiyou Matsumoto (au Musée d’Angoulême, commissariat de Stéphane Beaujean et Xavier Guilbert) qui va nous parler de l’enfance et celle sur Tsutomu Nihei (à l’Espace Franquin, dans la petite salle du RDC, commissariat de Stéphane Ferrand) qui va nous arpenter sa vision du futur. Nous ne les raterons pas, bien entendu !

En conclusion

Si on ajoute à cela toutes les animations concernant le reste du monde de la bande dessinée (sans oublier tous les stands d’éditeurs à voir), il y une richesse de programmation réellement époustouflante cette année encore ! Je vous donne rendez-vous sur place ou dans quelques semaines, lorsque mon habituel compte-rendu photographique sera en ligne sur Des mangaversien·e·s à… à moins que je n’ai le courage de faire un compte-rendu détaillé ici, comme celui que j’avais fait l’année dernière…

Une année de bandes dessinées…

Sans être mauvaise, l’année 2018 n’a pas été excellente en termes de lectures BD en ce qui me concerne. La période voulant ça, voici un petit retour sur un an de lectures d’images qui ne bougent pas.

Mon année BD 2018

2018, année morose ? Année de recul, à tout le moins. En effet, après un léger rebond en 2017, la courbe annuelle de mes lectures est repartie à la baisse. Cela est dû surtout, je pense, à mes emprunts en bibliothèque qui ont chuté. J’ai fait un peu le tour de mon lieu habituel et j’ai aussi manqué de temps (et de courage) pour aller régulièrement un peu plus loin, où il y a malheureusement moins de choix (les deux bibliothèques étant tout de même dans les environs des Gobelins, mon point de chute habituel à Paris). Pire, cela fait quatre mois que je n’ai rien emprunté et je n’ai pas encore renouvelé ma carte… De plus, ce ne sont pas les PDF de presse qui ont pris le relais, Kana n’en mettant plus en ligne depuis cet été (changement de stagiaire ?). Quant à ceux que je récupère auprès des autres éditeurs, ils s’accumulent (pour la plupart) sur mon disque dur sans que je les lise.

Car il y a un autre problème, celui de mon enthousiasme. En me basant sur mes bullenotes, je constate qu’il y a peu de sorties qui ont réussi à obtenir des « petits cœurs » en 2018. Pour ce qui est de la BD franco-belge (et assimilée), il y en a quatre dont deux seulement sont des sorties de 2018. Pour les comics books, quatre aussi, pour une seule sortie en 2018. Enfin, onze pour le manga qui me procure le gros de mes lectures BD. Dans ces onze, il y a deux séries (Après la pluie, soit quatre tomes, et March comes in like a lion, pour trois tomes), ce qui fait qu’il n’y a que six titres en réalité. Tout ceci est bien peu.

Par contre, j’ai passé trois excellentes journées au Festival d’Angoulême en janvier et deux très bonnes demi-journées au SoBD. Tout ceci vient atténuer un peu cette impression de lassitude (ce n’est pas la première fois) qui me reste à l’issue de l’analyse de cette année passée. J’avoue que je place beaucoup (trop ?) d’espoirs dans l’édition 2019 pour trouver un nouveau souffle, un nouvel enthousiasme envers le 9e art.

Petit zoom sur mes titres les plus marquants en 2018

Voici en quelques mots les titres qui m’ont le plus marqué durant cette année 2018 :

March comes in like a lion et Après la pluie

Ce sont vraiment les deux titres qui me font le plus vibrer, et de loin, effet amplifié par l’aspect feuilletonnesque habituel des séries mangas. La première se terminera en 2019 alors que la seconde va ralentir pour cause de parution originale rattrapée, sniff…

Kamakura Diary

Il n’y a eu qu’un tome en 2018 mais je ne vais pas me plaindre du fait de l’absence de sortie en 2017. La série s’étant achevée en aout 2018 au Japon (le dernier tankobon est paru en décembre), nous devrions pouvoir lire la fin en 2019. Bref, de mes trois coups de cœurs de l’année, il n’en restera plus qu’un seul à fin 2019, avec un rythme de sortie ralenti. J’ai intérêt à profiter de l’année prochaine car 2020 ne s’annonce pas sous les meilleurs auspices.

Holiday Junction

Pour qu’un recueil de nouvelles ait des « petits cœurs », il faut qu’il soit excellent de bout en bout, ce qui est le cas ici. Bravo au Lézard Noir pour nous avoir fait découvrir un aussi talentueux auteur.

Le Maître des livres

Le dernier tome est une belle réussite, même si tout se termine un peu trop bien et un peu trop facilement. Néanmoins, les « petits cœurs » sont mérités pour l’ensemble de la série.

On peut constater qu’il n’y a aucun manga d’action, de sport ou d’aventure, pas de SF, pas de fantastique, pas d’historique, rien que de la vie de tous les jours (certes, romancée). Ce n’est pas qu’un Zéro, un Sky-High Survival, un Pavillon des hommes, un Peleliu ou un Sunny Sunny Ann! ne soit pas bon, mais il a manqué à tous ces titres (et bien d’autres) un petit quelque chose.

Dernier point, on peut remarquer qu’en matière de manga, Kana est de loin l’éditeur qui m’intéresse le plus. Sur 78 titres avec une bullenote de 4 ou 5 (sur 5), il y a 33 Kana pour 7 Akata (+9 si on rajoute Princess Jellyfish chez Delcourt) et 6 Lézard Noir. Les autres sont à 2 ou 1.

Cul de Sac

Il s’agit de la seule bande dessinée américaine publiée en 2018 qui m’ait vraiment emballée, sans surprise puisque c’était aussi les « petits cœurs » pour les deux premiers tomes. Et comme l’intégrale est terminée, il faudra trouver autre chose en 2019.

The Shadow Hero, Far Arden et Bêtes de somme

Trois rattrapages qui se sont révélés être plus qu’excellents. Mais entre un one-shot, deux séries en pause (quoique ça bouge un peu aux USA pour Bêtes de somme), ce sont des coups de cœurs sans lendemain. J’ai eu aussi de bonnes surprises avec Étoile du Chagrin (encore un titre en pause), American Born Chinese, Louis Riel – L’Insurgé (des one-shots). Sans la nouveauté Motor Girl (un dernier one-shot pour la route ?), il n’y aurait eu que des « vieilleries ».

Ralph Azham et Tyler Cross  Miami

Année 2018 nettement en recul par rapport à 2017 où cinq nouveautés avaient eu les « bullepetits cœurs » (pour un total de onze). Deux séries très efficaces (un tome 11 et un tome 3) ont donc sauvé une année morose sur le plan de la bande dessinée franco-belge (et assimilée).

La mémoire dans les poches et Le Fantôme de Gaudí

Deux rattrapages (le premier, un tome 3, date de 2017 et l’autre, un tome unique, de 2016). Tout cela fait vraiment peu. J’avais fondé de grands espoirs dans Malaterre, L’Espoir malgré tout et La Princesse et l’Archiduc, mais il a manqué un petit quelque chose à ces trois nouveautés. J’ai par contre été agréablement surpris par deux titres de la collection Sociorama (La Petite mosquée dans la cité et Vacances au Bled), ainsi que par Féministes – Récits militants sur la cause des femmes. Concernant ce recueil, en général je ne suis pas client des publications « militantes », les trouvant assez faibles en intérêt. Ce n’a pas été le cas ici et c’est remarquable. Dans un autre genre (mais alors, vraiment différent), j’ai beaucoup aimé Héroïque fantaisie.

Voilà, on a déjà fait le tour de mes lectures les plus marquantes en 2018. J’avoue ne pas être particulièrement optimiste en 2019, mais on verra bien. En tout cas, ça ne m’empêchera pas d’apprécier la prochaine édition du Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême, tant j’ai hâte d’y être étant donné le programme annoncé et la certitude de ne pas être déçu.

300 expositions – 15 ans !

Ayant atteint ce dimanche ma 300ème exposition (en réalité, j’en ai fait deux ou trois de plus mais elles ne sont pas référencées, n’ayant aucune photo me permettant de les dater précisément), je me suis dit qu’il fallait marquer le coup par un petit retour en arrière avec un instant « nostalgie ».

Pour commencer, je ne comptabilise que les expositions artistiques (au sens large) temporaires (ce qui élimine toutes les expositions / collections permanentes) qui durent plus longtemps que le festival auxquelles elles peuvent être rattachées (comme au Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême ou à Quai des bulles). C’est ainsi que cette année, j’ai pris en compte l’exposition Tezuka au Musée d’Angoulême (qui durait plus longtemps que le festival) mais pas celle de Naoki Urasawa à l’Espace Franquin (qui ne durait que les 4 jours de la manifestation). Par contre, cette même exposition a été comptabilisée lorsque nous sommes allés la voir à l’Hôtel de Ville de Paris.

Je n’ai pas souvenir (mais je n’ai pas de mémoire) d’avoir fait des expositions artistiques temporaires avant de faire des sorties mangaversiennes, c’est pour cela que je ne retiens ici que celles rentrant dans ce cadre, c’est-à-dire faites avec au moins une personne pouvant répondre au critère « Mangaverse » même si je ne suis pas d’une rigueur intellectuelle très stricte en ce qui concerne Shermane qui n’a pas de compte sur le forum de Mangaverse (notre petit lieu de discussions virtuelles), honte à elle ! Pourtant, je la comptabilise dans notre petit groupe.

De même, je compte double les expositions vues deux fois à partir du moment où elles rentrent dans les critères exposés ci-avant. Au fil de ces quinze années de visites, il y a onze expositions que j’ai vue deux fois à l’identique (mais avec des personnes différentes et à des dates différentes) dont la 300ème, trois que j’ai vue deux fois mais dans des configurations, des lieux, des dates différentes (généralement, il s’agissait d’expositions proposées en festival de BD puis à Paris). Il y a aussi deux expositions vues à Angoulême (mais qui étaient organisées juste pour la période du festival) revues un peu plus tard à Paris. Bref, vous l’aurez compris, je n’hésite pas à voir et revoir.

De plus, cela ne représente pas réellement 15 années d’expositions. Disons que la 300ème a été visitée au début de la 15ème année, puisque la toute première date du 3 décembre 2004. J’espère que vous me pardonnerez ces petits écarts avec la rigueur intellectuelle qui me caractérise habituellement (ha ha !) car je me le suis permis afin d’avoir un titre plus efficace.

À cette occasion, car c’est à la mode lorsqu’on est en fin d’année, je me suis amusé à faire une sorte de petit bilan en retenant les quinze expositions qui m’ont le plus marqué sur les trois cents et quelques visitées.

Les photos qui accompagnent ce bilan ne sont pas toutes d’une grande qualité, aussi bien technique qu’artistique. Il faut dire que j’ai mis du temps à avoir du matériel réellement efficace dans les conditions très difficiles que l’on rencontre dans les expositions où l’éclairage est souvent (très) faible. Il faut aussi composer avec les interdictions de prendre des photos (ne pas se faire remarquer nécessite d’avoir un APN très discret). Toutefois, il est évident qu’au fil des années, j’ai progressé dans l’art du cadrage, ce qui permet de donner plus d’impact à mes photos (volées ou non).

Images du Monde flottant au Grand Palais (03/12/2004)

La première, donc la plus marquante. Nous étions cinq pour la visiter, ce qui n’était pas mal pour un vendredi après-midi. En plus,d’autant que je me souvienne, elle était d’une grande qualité. En tout cas, ça a été une découverte visuelle, même en étant gros lecteur de mangas, tant je n’étais pas familiarisé (sans les ignorer) avec les estampes. À l’époque, je n’achetais pas encore de catalogue mais j’avais pris le petit livret qui était proposé, ainsi qu’un jeu de cartes postales représentant des estampes célèbres. Ce n’est qu’assez récemment que j’ai acquis le catalogue, d’occasion.

Star Wars à la Cité des Sciences et de l’industrie de Paris (25/05/2006)

Les années 2005 et 2006 se sont révélées être chargées avec pas moins de treize expositions sur deux ans (cela fait sourire, c’est ce que l’on fait maintenant en trois mois). C’était aussi l’époque bénie des grosses expos à La Villette (depuis quelques années, la Cité multiplie les petites expositions, et elles se sont toutes révélées être assez décevantes, même si elles ne sont pas toutes dénuées d’intérêt). Nous étions une dizaine pour celle-ci, ce qui est beaucoup, surtout ces derniers temps. Je me souviens d’avoir apprécié le nombre et la diversité des pièces exposées alors qu’il s’agit de cinéma avant tout.

Il était une fois Walt Disney au Grand Palais (12/11/2006)

Encore dix personnes pour aller au Grand Palais afin de réaliser à quel point Disney s’est inspiré des contes et de la culture européenne pour réaliser ses longs métrages d’animation qui ont marqué le monde entier. Il était particulièrement intéressant de voir tout le processus de création, à commencer par les premières recherches graphiques, souvent très éloignées (tout en proposant une base) de l’univers visuel final. Là aussi, je n’ai acheté le catalogue (d’occasion) que des années plus tard, une fois pris de collectionnite aigüe.

Estampes japonaises à la Bibliothèque nationale de France (07/02/2009)

Retour à la culture japonaise grâce à la collection d’estampes de la BNF. L’arrivée sur Paris de beanie_xz a relancé le rythme des expositions qui s’était très fortement ralenti en 2007-2008 pour notre petit groupe de mangaversien·e·s . Il faut dire que notre sino-suissesse est amatrice de ce genre de sorties. Peut-être que cela lui permettait de s’éloigner de l’internat de HEC pendant les week-end (les dimanches, la célèbre école est quand même un peu loin de la « culture » et de toute activité similaire sur son plateau isolé). J’ai longtemps regretté de ne pas avoir acheté le catalogue, cette erreur étant réparée depuis peu, ce qui a été d’autant plus facile qu’il est encore disponible en neuf.

cent pour cent au Musée de la bande dessinée d’Angoulême (31/01/2010)

Il s’agit de la première exposition réalisée dans le tout nouveau Musée de la Bande Dessinée d’Angoulême. Elle consistait en un dialogue entre cents planches issues du fond du Musée avec cent autres créées pour l’occasion. C’est forcément un petit comité (5 personnes quand même) qui a pu la visiter dans le cadre du FIBD 2010. Je me souviens encore d’avoir été surpris par la taille de certaines bandes de daily strips américains, par exemple celles de Prince Valiant réalisées par Hal Foster. Une très belle exposition, une belle réussite pour une première, qui m’a fait acheter sur place le catalogue. Il y a eu une suite très anecdotique…

Science (et) fiction, aventures croisées à la Cité des sciences et de l’industrie (10/04/2011)

Ayant un passé de gros lecteur de SF avec des goûts affirmés et étant peu ouvert aux auteur·e·s pré années 1980 ainsi qu’aux nouvelles têtes de gondole des années 2000, sans oublier que tout ce qui n’est pas roman a du mal à capter mon attention, on pourrait penser que je n’apprécierais pas un tel thème. Et pourtant, si ! Il s’agissait de la dernière grosse exposition (située sur deux niveaux) organisée par la Cité et elle était vraiment réussie. Dommage que le catalogue ne reprenne pas parfaitement l’ensemble des pièces (très variées) exposées. Par contre, le rédactionnel est intéressant à lire, ce qui est (peut-être) le principal.

Hokusai – Retrospektive au Martin-Gropius-Bau à Berlin (30/10/2011)

Il s’agit de la première (et pour l’instant la seule) exposition vue hors de France. J’ai bien été voir Le Journal de Spirou, les aventures d’une rédaction au Musée de la BD de Bruxelles en 2008 mais j’étais seul (sniff). Comparée l’exposition Hokusai organisée par le Grand Palais quelques années plus tard, celle de Berlin avait une scénographie plus simple, et moins de pièces (ce qui n’est pas réellement un souci car la différence entre 350 et 500 ne se voit pas, à ce niveau). Cependant, l’œuvre de Hokusai était appréhendée de la même façon, pour ce que je m’en souvienne. Et puis, moi, du moment qu’il y a La Grande vague de Kanagawa, je suis content !

Phares au Musée national de la Marine (30/04/2012)

L’un d’entre nous (Tanuki, sans vouloir balancer) voulant absolument aller au Musée de la Marine à Paris, donc pourquoi ne pas aller voir Phares ? Ce fut chose faite et cette exposition s’est révélée être une grande réussite. Dommage qu’il n’y avait pas de réel catalogue, juste un album que j’ai fait la bêtise de ne pas acheter (la librairie était fermée lors de notre visite, pour ma défense). Didactique, diverse, artistique, les phares de France ont été superbement mis en valeur. Dommage que les manifestations suivantes n’aient pas été au même niveau…

La Mécanique des dessous, une histoire indiscrète de la silhouette aux Arts Décoratifs (04/08/2013)

Cette exposition a été marquante par sa nature combinée à son intérêt. En effet, il s’agit là de mode et, contrairement à ce qu’une certaine et certains peuvent penser, c’est intéressant, surtout lorsque c’est remis dans un contexte historique ou sociologique. D’ailleurs, le Musée des Arts Décoratifs est un lieu où nous nous rendons très régulièrement depuis cinq ans, que ce soit pour voir du design ou de la mode (par exemple Korea Now! ou Tenue correcte exigée). Cela permet de s’ouvrir à d’autres formes d’art : l’art décoratif est certes plus artisanal (c’est-à-dire reproductible) mais n’est pas moins pensé ou maitrisé techniquement que les arts appliqués ou plastiques.

Les mondes de Gotlib au Musée d’Art et d’Histoire du judaïsme (27/07/2014)

Cela fait longtemps que je ne lis plus les bandes dessinées de Gotlib (Dingodossiers, Rubrique-à-Brac, etc.) mais l’artiste m’a marqué dans ma jeunesse. Je n’allais donc pas rater une exposition lui étant consacré. Bien m’en a pris car celle-ci était bien conçue : l’ordre chronologique est certes classique mais ça reste le plus efficace pour présenter l’œuvre d’un artiste. Surtout, en plus de mieux connaître la vie de Gotlib (dont l’enfance a été rendue plus que « difficile » par les Nazis), nous avons eu le droit de voir de belles planches originales d’un sacrément bon dessinateur.

Mona Hatoum au Centre Pompidou (26/07/2015)

Nous étions venu·e·s pour la rétrospective sur Le Corbusier. Cependant, le clan des « rapides » (l’une et l’un d’entre nous en plus de votre serviteur) en a profité pour faire l’exposition de l’autre Galerie. Bien nous en a pris tant j’estime que c’est celle qui m’a « éveillé » à l’art contemporain pour lequel j’ai toujours eu beaucoup de mal à trouver un quelconque intérêt. Le message artistique mais aussi politique de l’artiste a réussi à me parler et à me faire comprendre que tout n’est pas à jeter dans l’art contemporain (si si, je vous assure ☺). Je n’ai pas hésité un moment quand j’ai trouvé le catalogue d’occasion quelques années plus tard. Nul doute que son travail m’a permis d’apprécier Women House à la Monnaie de Paris quelques années plus tard.

Beauté Congo à la Fondation Cartier pour l’art contemporain (25/10/2015)

Je dois avouer très mal connaître l’art africain, et principalement par le biais de Branly (qui fait surtout dans les « arts premiers »). Cela a donc été une surprise (excellente) de découvrir que le Congo (la RDC en l’occurrence) est un foyer artistique majeur depuis plusieurs décennies. C’est ainsi que nous avons pu apprécier de nombreuses peintures, photographies et même des installations d’un style différent. L’écran géant proposant des entretiens avec certains artistes exposés (du moins, ceux encore vivant car l’espérance de vie semble bien courte au Congo) apportait un plus précieux pour mieux appréhender les œuvres proposées.

Le Grand Orchestre des Animaux à la Fondation Cartier pour l’art contemporain (27/11/2016)

Qui eut cru que je serai capable de rester plus d’une heure dans une salle très sombre à écouter des bruits d’animaux ? Pas moi ! Cependant, c’était sans compter sur la créativité de la Fondation Cartier pour nous organiser une exposition originale, variée et surprenante. Cet organisme sait proposer des manifestations intéressantes et propose une vision de l’art contemporain qui m’attire bien plus que celle du Palais de Tokyo qui semble préférer ce que j’appelle « le foutage de gueule » contemporain, même si on peut y voir des installations qui ne semblent pas totalement inintéressantes. Quoiqu’il en soit, c’était une excellente exposition, marquante à plus d’un titre. Notons que le catalogue est judicieusement accompagné d’un CD audio

Jardins au Grand Palais (18/06 et 21/07/2017)

Je suis assez fan des expositions au Grand Palais. Certes, elles ne sont pas toutes réussies mais on en a toujours « pour son argent », si j’ose dire. Et l’institution sait sortir des sentiers battus, comme l’exposition Carambolages nous l’avait démontré en 2016. Il en est de même avec Jardins. Un thème plutôt original, une scénographie intéressante, une grande variété d’œuvres assez éloignées de ce que l’on a l’habitude de voir. Voilà pourquoi je trouvais dommage que certaines personnes ne puissent pas la voir pour une simple raison de « fainéantise » (et oui, c’est dur les expos le dimanche matin) ☺ et que j’ai organisé deux séances en l’espace de cinq semaines, dont une «  nocturne  » (surtout que ça ne me coûtait rien, vive le passe Sésame).

Artistes et robots au Grand Palais (27/05/2018)

En 2018, il y a eu d’autres sorties que j’aurai pu retenir dans la liste mais j’en ai déjà parlé sur mon WordPress. Je préfère donc évoquer une exposition surprenante, intéressante et préfigurant peut-être le futur de l’art contemporain (futur peu plaisant, si vous voulez mon avis, et pas que dans le domaine artistique). J’ai un peu forcé certains de mes petits camarades pour aller voir cette exposition pour deux raisons : pour amortir mon passe Sésame, il faut faire toutes les expos du Grand Palais (je n’ai pas un CE qui m’en paye la moitié) et j’avais trouvé le catalogue en état neuf à un prix défiant toute concurrence à Gibert Joseph (les joies du Service de Presse revendu dans la foulée). Malgré ces raisons très triviales, nous avons eu droit à une manifestation très intéressante et variée. Une excellente surprise à l’arrivée.

En conclusion…

Comme prévu, j’ai dû écarter de nombreuses expositions dont j’aurai aimé parler comme Miyazaki-Mœbius à la Monnaie de Paris (2005), Turner et ses peintres au Grand Palais (2010), Keith Haring / The Political Line au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (2013), Korea Now! aux Arts Décoratifs (2015), Gao Bo. Les offrandes à la Maison Européenne de la Photographie (2017) ou Être moderne : le MoMA à Paris à la Fondation Louis Vuitton (2018), mais il fallait faire un choix.

J’aurais aussi pu parler des expositions que j’ai détesté faire comme 1000 Singapour à la Cité de l’architecture et du patrimoine (2015), Cy Twombly au Centre Pompidou (2017) ou Les Forêts natales au Musée du quai Branly (2018), mais pourquoi montrer mon manque de culture ou de goût ☺…

Ceci dit, faire autant d’expositions m’a permis d’améliorer ma sensibilité à certaines formes d’art (mais c’est loin d’être gagné), d’affiner mon goût plastique (une peinture ou un dessin ou une sculpture de femme nue, même non figurative, ou un vase tripode anthropomorphe me sont toujours indispensables pour juger qu’une exposition est réussie ou non, ha ha !) et de mieux comprendre le monde des expositions et des galeries. La curiosité est ici la principale des qualités et j’ai bien l’intention de continuer à la cultiver en 2019 ! Après tout, c’est le slogan de Mangaverse, n’est-ce pas ?

J’en profite pour remercier mes compagnonnes et compagnons d’expositions, tout particulièrement Taliesin, beanie_xz, Shermane, manu_fred, Tanuki et Romiz, sans oublier Shikata ga nai, Adrien de Bats, Sweetpasta et Gally ainsi que tout·e·s les autres.