300 expositions – 15 ans !

Ayant atteint ce dimanche ma 300ème exposition (en réalité, j’en ai fait deux ou trois de plus mais elles ne sont pas référencées, n’ayant aucune photo me permettant de les dater précisément), je me suis dit qu’il fallait marquer le coup par un petit retour en arrière avec un instant « nostalgie ».

Pour commencer, je ne comptabilise que les expositions artistiques (au sens large) temporaires (ce qui élimine toutes les expositions / collections permanentes) qui durent plus longtemps que le festival auxquelles elles peuvent être rattachées (comme au Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême ou à Quai des bulles). C’est ainsi que cette année, j’ai pris en compte l’exposition Tezuka au Musée d’Angoulême (qui durait plus longtemps que le festival) mais pas celle de Naoki Urasawa à l’Espace Franquin (qui ne durait que les 4 jours de la manifestation). Par contre, cette même exposition a été comptabilisée lorsque nous sommes allés la voir à l’Hôtel de Ville de Paris.

Je n’ai pas souvenir (mais je n’ai pas de mémoire) d’avoir fait des expositions artistiques temporaires avant de faire des sorties mangaversiennes, c’est pour cela que je ne retiens ici que celles rentrant dans ce cadre, c’est-à-dire faites avec au moins une personne pouvant répondre au critère « Mangaverse » même si je ne suis pas d’une rigueur intellectuelle très stricte en ce qui concerne Shermane qui n’a pas de compte sur le forum de Mangaverse (notre petit lieu de discussions virtuelles), honte à elle ! Pourtant, je la comptabilise dans notre petit groupe.

De même, je compte double les expositions vues deux fois à partir du moment où elles rentrent dans les critères exposés ci-avant. Au fil de ces quinze années de visites, il y a onze expositions que j’ai vue deux fois à l’identique (mais avec des personnes différentes et à des dates différentes) dont la 300ème, trois que j’ai vue deux fois mais dans des configurations, des lieux, des dates différentes (généralement, il s’agissait d’expositions proposées en festival de BD puis à Paris). Il y a aussi deux expositions vues à Angoulême (mais qui étaient organisées juste pour la période du festival) revues un peu plus tard à Paris. Bref, vous l’aurez compris, je n’hésite pas à voir et revoir.

De plus, cela ne représente pas réellement 15 années d’expositions. Disons que la 300ème a été visitée au début de la 15ème année, puisque la toute première date du 3 décembre 2004. J’espère que vous me pardonnerez ces petits écarts avec la rigueur intellectuelle qui me caractérise habituellement (ha ha !) car je me le suis permis afin d’avoir un titre plus efficace.

À cette occasion, car c’est à la mode lorsqu’on est en fin d’année, je me suis amusé à faire une sorte de petit bilan en retenant les quinze expositions qui m’ont le plus marqué sur les trois cents et quelques visitées.

Les photos qui accompagnent ce bilan ne sont pas toutes d’une grande qualité, aussi bien technique qu’artistique. Il faut dire que j’ai mis du temps à avoir du matériel réellement efficace dans les conditions très difficiles que l’on rencontre dans les expositions où l’éclairage est souvent (très) faible. Il faut aussi composer avec les interdictions de prendre des photos (ne pas se faire remarquer nécessite d’avoir un APN très discret). Toutefois, il est évident qu’au fil des années, j’ai progressé dans l’art du cadrage, ce qui permet de donner plus d’impact à mes photos (volées ou non).

Images du Monde flottant au Grand Palais (03/12/2004)

La première, donc la plus marquante. Nous étions cinq pour la visiter, ce qui n’était pas mal pour un vendredi après-midi. En plus,d’autant que je me souvienne, elle était d’une grande qualité. En tout cas, ça a été une découverte visuelle, même en étant gros lecteur de mangas, tant je n’étais pas familiarisé (sans les ignorer) avec les estampes. À l’époque, je n’achetais pas encore de catalogue mais j’avais pris le petit livret qui était proposé, ainsi qu’un jeu de cartes postales représentant des estampes célèbres. Ce n’est qu’assez récemment que j’ai acquis le catalogue, d’occasion.

Star Wars à la Cité des Sciences et de l’industrie de Paris (25/05/2006)

Les années 2005 et 2006 se sont révélées être chargées avec pas moins de treize expositions sur deux ans (cela fait sourire, c’est ce que l’on fait maintenant en trois mois). C’était aussi l’époque bénie des grosses expos à La Villette (depuis quelques années, la Cité multiplie les petites expositions, et elles se sont toutes révélées être assez décevantes, même si elles ne sont pas toutes dénuées d’intérêt). Nous étions une dizaine pour celle-ci, ce qui est beaucoup, surtout ces derniers temps. Je me souviens d’avoir apprécié le nombre et la diversité des pièces exposées alors qu’il s’agit de cinéma avant tout.

Il était une fois Walt Disney au Grand Palais (12/11/2006)

Encore dix personnes pour aller au Grand Palais afin de réaliser à quel point Disney s’est inspiré des contes et de la culture européenne pour réaliser ses longs métrages d’animation qui ont marqué le monde entier. Il était particulièrement intéressant de voir tout le processus de création, à commencer par les premières recherches graphiques, souvent très éloignées (tout en proposant une base) de l’univers visuel final. Là aussi, je n’ai acheté le catalogue (d’occasion) que des années plus tard, une fois pris de collectionnite aigüe.

Estampes japonaises à la Bibliothèque nationale de France (07/02/2009)

Retour à la culture japonaise grâce à la collection d’estampes de la BNF. L’arrivée sur Paris de beanie_xz a relancé le rythme des expositions qui s’était très fortement ralenti en 2007-2008 pour notre petit groupe de mangaversien·e·s . Il faut dire que notre sino-suissesse est amatrice de ce genre de sorties. Peut-être que cela lui permettait de s’éloigner de l’internat de HEC pendant les week-end (les dimanches, la célèbre école est quand même un peu loin de la « culture » et de toute activité similaire sur son plateau isolé). J’ai longtemps regretté de ne pas avoir acheté le catalogue, cette erreur étant réparée depuis peu, ce qui a été d’autant plus facile qu’il est encore disponible en neuf.

cent pour cent au Musée de la bande dessinée d’Angoulême (31/01/2010)

Il s’agit de la première exposition réalisée dans le tout nouveau Musée de la Bande Dessinée d’Angoulême. Elle consistait en un dialogue entre cents planches issues du fond du Musée avec cent autres créées pour l’occasion. C’est forcément un petit comité (5 personnes quand même) qui a pu la visiter dans le cadre du FIBD 2010. Je me souviens encore d’avoir été surpris par la taille de certaines bandes de daily strips américains, par exemple celles de Prince Valiant réalisées par Hal Foster. Une très belle exposition, une belle réussite pour une première, qui m’a fait acheter sur place le catalogue. Il y a eu une suite très anecdotique…

Science (et) fiction, aventures croisées à la Cité des sciences et de l’industrie (10/04/2011)

Ayant un passé de gros lecteur de SF avec des goûts affirmés et étant peu ouvert aux auteur·e·s pré années 1980 ainsi qu’aux nouvelles têtes de gondole des années 2000, sans oublier que tout ce qui n’est pas roman a du mal à capter mon attention, on pourrait penser que je n’apprécierais pas un tel thème. Et pourtant, si ! Il s’agissait de la dernière grosse exposition (située sur deux niveaux) organisée par la Cité et elle était vraiment réussie. Dommage que le catalogue ne reprenne pas parfaitement l’ensemble des pièces (très variées) exposées. Par contre, le rédactionnel est intéressant à lire, ce qui est (peut-être) le principal.

Hokusai – Retrospektive au Martin-Gropius-Bau à Berlin (30/10/2011)

Il s’agit de la première (et pour l’instant la seule) exposition vue hors de France. J’ai bien été voir Le Journal de Spirou, les aventures d’une rédaction au Musée de la BD de Bruxelles en 2008 mais j’étais seul (sniff). Comparée l’exposition Hokusai organisée par le Grand Palais quelques années plus tard, celle de Berlin avait une scénographie plus simple, et moins de pièces (ce qui n’est pas réellement un souci car la différence entre 350 et 500 ne se voit pas, à ce niveau). Cependant, l’œuvre de Hokusai était appréhendée de la même façon, pour ce que je m’en souvienne. Et puis, moi, du moment qu’il y a La Grande vague de Kanagawa, je suis content !

Phares au Musée national de la Marine (30/04/2012)

L’un d’entre nous (Tanuki, sans vouloir balancer) voulant absolument aller au Musée de la Marine à Paris, donc pourquoi ne pas aller voir Phares ? Ce fut chose faite et cette exposition s’est révélée être une grande réussite. Dommage qu’il n’y avait pas de réel catalogue, juste un album que j’ai fait la bêtise de ne pas acheter (la librairie était fermée lors de notre visite, pour ma défense). Didactique, diverse, artistique, les phares de France ont été superbement mis en valeur. Dommage que les manifestations suivantes n’aient pas été au même niveau…

La Mécanique des dessous, une histoire indiscrète de la silhouette aux Arts Décoratifs (04/08/2013)

Cette exposition a été marquante par sa nature combinée à son intérêt. En effet, il s’agit là de mode et, contrairement à ce qu’une certaine et certains peuvent penser, c’est intéressant, surtout lorsque c’est remis dans un contexte historique ou sociologique. D’ailleurs, le Musée des Arts Décoratifs est un lieu où nous nous rendons très régulièrement depuis cinq ans, que ce soit pour voir du design ou de la mode (par exemple Korea Now! ou Tenue correcte exigée). Cela permet de s’ouvrir à d’autres formes d’art : l’art décoratif est certes plus artisanal (c’est-à-dire reproductible) mais n’est pas moins pensé ou maitrisé techniquement que les arts appliqués ou plastiques.

Les mondes de Gotlib au Musée d’Art et d’Histoire du judaïsme (27/07/2014)

Cela fait longtemps que je ne lis plus les bandes dessinées de Gotlib (Dingodossiers, Rubrique-à-Brac, etc.) mais l’artiste m’a marqué dans ma jeunesse. Je n’allais donc pas rater une exposition lui étant consacré. Bien m’en a pris car celle-ci était bien conçue : l’ordre chronologique est certes classique mais ça reste le plus efficace pour présenter l’œuvre d’un artiste. Surtout, en plus de mieux connaître la vie de Gotlib (dont l’enfance a été rendue plus que « difficile » par les Nazis), nous avons eu le droit de voir de belles planches originales d’un sacrément bon dessinateur.

Mona Hatoum au Centre Pompidou (26/07/2015)

Nous étions venu·e·s pour la rétrospective sur Le Corbusier. Cependant, le clan des « rapides » (l’une et l’un d’entre nous en plus de votre serviteur) en a profité pour faire l’exposition de l’autre Galerie. Bien nous en a pris tant j’estime que c’est celle qui m’a « éveillé » à l’art contemporain pour lequel j’ai toujours eu beaucoup de mal à trouver un quelconque intérêt. Le message artistique mais aussi politique de l’artiste a réussi à me parler et à me faire comprendre que tout n’est pas à jeter dans l’art contemporain (si si, je vous assure ☺). Je n’ai pas hésité un moment quand j’ai trouvé le catalogue d’occasion quelques années plus tard. Nul doute que son travail m’a permis d’apprécier Women House à la Monnaie de Paris quelques années plus tard.

Beauté Congo à la Fondation Cartier pour l’art contemporain (25/10/2015)

Je dois avouer très mal connaître l’art africain, et principalement par le biais de Branly (qui fait surtout dans les « arts premiers »). Cela a donc été une surprise (excellente) de découvrir que le Congo (la RDC en l’occurrence) est un foyer artistique majeur depuis plusieurs décennies. C’est ainsi que nous avons pu apprécier de nombreuses peintures, photographies et même des installations d’un style différent. L’écran géant proposant des entretiens avec certains artistes exposés (du moins, ceux encore vivant car l’espérance de vie semble bien courte au Congo) apportait un plus précieux pour mieux appréhender les œuvres proposées.

Le Grand Orchestre des Animaux à la Fondation Cartier pour l’art contemporain (27/11/2016)

Qui eut cru que je serai capable de rester plus d’une heure dans une salle très sombre à écouter des bruits d’animaux ? Pas moi ! Cependant, c’était sans compter sur la créativité de la Fondation Cartier pour nous organiser une exposition originale, variée et surprenante. Cet organisme sait proposer des manifestations intéressantes et propose une vision de l’art contemporain qui m’attire bien plus que celle du Palais de Tokyo qui semble préférer ce que j’appelle « le foutage de gueule » contemporain, même si on peut y voir des installations qui ne semblent pas totalement inintéressantes. Quoiqu’il en soit, c’était une excellente exposition, marquante à plus d’un titre. Notons que le catalogue est judicieusement accompagné d’un CD audio

Jardins au Grand Palais (18/06 et 21/07/2017)

Je suis assez fan des expositions au Grand Palais. Certes, elles ne sont pas toutes réussies mais on en a toujours « pour son argent », si j’ose dire. Et l’institution sait sortir des sentiers battus, comme l’exposition Carambolages nous l’avait démontré en 2016. Il en est de même avec Jardins. Un thème plutôt original, une scénographie intéressante, une grande variété d’œuvres assez éloignées de ce que l’on a l’habitude de voir. Voilà pourquoi je trouvais dommage que certaines personnes ne puissent pas la voir pour une simple raison de « fainéantise » (et oui, c’est dur les expos le dimanche matin) ☺ et que j’ai organisé deux séances en l’espace de cinq semaines, dont une «  nocturne  » (surtout que ça ne me coûtait rien, vive le passe Sésame).

Artistes et robots au Grand Palais (27/05/2018)

En 2018, il y a eu d’autres sorties que j’aurai pu retenir dans la liste mais j’en ai déjà parlé sur mon WordPress. Je préfère donc évoquer une exposition surprenante, intéressante et préfigurant peut-être le futur de l’art contemporain (futur peu plaisant, si vous voulez mon avis, et pas que dans le domaine artistique). J’ai un peu forcé certains de mes petits camarades pour aller voir cette exposition pour deux raisons : pour amortir mon passe Sésame, il faut faire toutes les expos du Grand Palais (je n’ai pas un CE qui m’en paye la moitié) et j’avais trouvé le catalogue en état neuf à un prix défiant toute concurrence à Gibert Joseph (les joies du Service de Presse revendu dans la foulée). Malgré ces raisons très triviales, nous avons eu droit à une manifestation très intéressante et variée. Une excellente surprise à l’arrivée.

En conclusion…

Comme prévu, j’ai dû écarter de nombreuses expositions dont j’aurai aimé parler comme Miyazaki-Mœbius à la Monnaie de Paris (2005), Turner et ses peintres au Grand Palais (2010), Keith Haring / The Political Line au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (2013), Korea Now! aux Arts Décoratifs (2015), Gao Bo. Les offrandes à la Maison Européenne de la Photographie (2017) ou Être moderne : le MoMA à Paris à la Fondation Louis Vuitton (2018), mais il fallait faire un choix.

J’aurais aussi pu parler des expositions que j’ai détesté faire comme 1000 Singapour à la Cité de l’architecture et du patrimoine (2015), Cy Twombly au Centre Pompidou (2017) ou Les Forêts natales au Musée du quai Branly (2018), mais pourquoi montrer mon manque de culture ou de goût ☺…

Ceci dit, faire autant d’expositions m’a permis d’améliorer ma sensibilité à certaines formes d’art (mais c’est loin d’être gagné), d’affiner mon goût plastique (une peinture ou un dessin ou une sculpture de femme nue, même non figurative, ou un vase tripode anthropomorphe me sont toujours indispensables pour juger qu’une exposition est réussie ou non, ha ha !) et de mieux comprendre le monde des expositions et des galeries. La curiosité est ici la principale des qualités et j’ai bien l’intention de continuer à la cultiver en 2019 ! Après tout, c’est le slogan de Mangaverse, n’est-ce pas ?

J’en profite pour remercier mes compagnonnes et compagnons d’expositions, tout particulièrement Taliesin, beanie_xz, Shermane, manu_fred, Tanuki et Romiz, sans oublier Shikata ga nai, Adrien de Bats, Sweetpasta et Gally ainsi que tout·e·s les autres.

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Être moderne : le MoMA à Paris (II)

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Ayant les idées un peu plus claires en ce qui concerne la distinction art moderne / contemporain, je vais essayer, par le biais d’une douzaine d’œuvres exposées à « Être moderne : le MoMA à Paris », de dissocier ce qui me plait (ou est susceptible de me plaire) de ce qui « m’inintéressera » (sauf surprise), tout en essayant de comprendre pourquoi. En une quinzaine d’années, j’ai visité plus de 260 expositions dont une bonne soixantaine relève de l’une ou l’autre catégorie (si j’inclus les expos photos monographiques). Il est certain que c’est insuffisant, surtout en ce qui concerne l’art contemporain, tant il est divers. Concernant l’art moderne, il me manque surtout une exposition sur le dadaïsme, ce qui me permettrait de mieux cerner ce courant.  Pour commencer, je pourrai aller visiter la salle 19 au niveau 5 du centre Pompidou lors de mon prochain passage au MNAM.

L’art est plastique !

Revenons un instant sur les arts plastiques. Pour moi, une œuvre d’art est avant tout un objet. Il peut être bi ou tridimensionnel : dessin, peinture ou sculpture au sens large (une installation peut être considérée comme étant une sculpture par assemblage). C’est une vision restrictive, c’est certain, mais je n’arrive pas à voir de l’art plastique (et même de l’art tout court, je le crains) dans un happening qui relève plus du spectacle (donc des arts du spectacle au même titre que la danse, le théâtre ou le cirque) que d’autre chose. Ce ne sont pas les explications de Roman Ondák lors d’un court entretien vidéo à propos de son œuvre Prendre la mesure de l’Univers (ou la notice qui lui est consacrée dans le catalogue) qui consiste à marquer la taille et le prénom de chaque visiteur sur un mur blanc qui pourraient me faire changer d’avis. À la fin, la galerie N° 8 qui lui était consacrée ne proposait plus qu’une longue bande quasi noire, ce qui était normal, vu l’affluence qu’a connue l’exposition durant ses cinq mois.

Un art plastique doit aussi refléter des compétences, ce qui sous-entend un apprentissage au moins technique et qui peut aussi être complété par une certaine connaissance de l’Histoire de l’art, d’un minimum de culture générale, d’une méthodologie, d’une pratique, etc. Certes, la maitrise technique ne suffit pas et ne remplace pas le « talent », la créativité, mais elle me semble indispensable lors de la création de l’objet. Action et réflexion se combinent pour donner forme à l’œuvre d’art, pour concevoir et mettre en pratique sa représentation. L’artiste peut se faire assister, voire remplacer pour la mise en œuvre, ce qui se fait dans l’art contemporain. J’ai souri lorsque j’ai vu que Roy Lichtenstein ne peignait pas lui-même au pochoir ses trames mais laissait à une jeune assistante la tâche de le faire (Exposition « Roy Lichtenstein » au Centre Pompidou en 2013 ou plus vraisemblablement « Pop Art – Icons  that matter » au Musée Maillol en 2017). J’ai été surpris par le monde qui participait à la réalisation de White Tone de Cai Guo-Qiang, présentation visionnée à l’occasion du « Grand Orchestre des Animaux » à la Fondation Cartier pour l’art contemporain (2016).

Certes, on trouve un peu de tout ça dans l’assemblage de neuf panneaux reliés par un ruban adhésif bleu réalisé par Edward Krasiński mais où se trouve la compétence de l’artiste ? Dans le fait de savoir poser un miroir ? Dans celui de couler un carré de béton ou de gribouiller quelque chose ? Et de relier le tout par du ruban adhésif d’une largeur et à une hauteur bien précises ? Les photos d’Eugène Atget ou d’Alfred Stieglitz me laissent la même impression. Leurs travaux présentés lors de l’exposition sont d’une très grande banalité, ne portent aucun propos, et ne demandent aucune technicité ou compétence particulière (hors développement). Je n’ai d’ailleurs jamais compris comment on pouvait qualifier d’artistique le travail d’Atget, surtout après avoir vu son exposition au Musée Carnavalet en 2012. Pour en terminer avec le sujet des photos, bien qu’appréciant beaucoup celles réalisées par Walker Evans, comme Ferme à Westchester, New-York, ce n’est pas, pour moi, un art plastique mais de la photographie, un art visuel, donc. Il en est de même avec celles de Man Ray, bien plus abstraites telle Anatomies ou surréalistes, à l’exemple de Rayogramme.

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Incontestablement, ces exigences, très traditionalistes je le reconnais, écartent à mes yeux, en plus des happenings, les performances. De par leur nature éphémère et l’absence d’objet (la plupart du temps), les performances « artistiques » étaient peu présentes dans l’exposition. En effet, les performances, une fois achevées, n’existent que par les photos ou les vidéos qui en sont faites, des documents préparatoires ou d’un éventuel compte-rendu. Trio A d’Yvonne Rainer est une performance et de l’art contemporain par la décision de certains, mais ce n’est qu’un film N&B d’une danseuse, qui questionne non pas l’art mais la danse, c’est-à-dire un spectacle. Au moins, l’image bougeait et pouvait éventuellement provoquer une émotion esthétique. Il n’en était rien de la vidéo Miroir de Lili Dujourie projetée à l’occasion de l’exposition « Women House – La maison selon elles » à la Monnaie de Paris en 2018 : il n’y avait que l’artiste, nue, qui bougeait à peine dans un intérieur domestique. Toutefois, il y avait un message…

Et l’art numérique ?

Il en va de même pour l’art numérique. Étant par nature immatériel (il n’y a pas d’objet) et reproductible à l’infini (ce qui est aussi un peu le souci de la photo), cela l’exclut à mes yeux des arts plastiques. Il s’agit d’un art visuel, au même titre que la vidéo (ou le cinéma). Certes, les arts numériques (car il y a plusieurs formes) demandent une certaine maîtrise technique mais cela ne suffit pas. Pourtant, ils peuvent être matérialisés, surtout s’il s’agit de peinture digitale ou d’images de synthèse fixes. Les travaux préparatoires (et ce, d’autant plus s’ils sont réalisés « analogiquement » sous forme de dessins, peintures ou sculptures) et les documents produits, comme les impressions sur toile ou plaque Forex®, peuvent être l’équivalent de ce que produisaient les artistes peintres du XIXe siècle. Cependant, dans ce cas, le numérique n’est qu’un outil dans la réalisation d’une création, rien de plus : ce n’est pas l’essence de l’œuvre d’art.

Le MoMA est très avancé sur le sujet de l’art numérique et possède un beau centre de données pour le stockage mais cela ne s’est pas réellement retranscrit dans l’exposition à la Fondation Louis Vuitton. Les galeries 8 et 11 étaient censées nous montrer les acquisitions les plus récentes du musée new-yorkais et son implication dans ce domaine. Las, je n’y ai rien vu d’artistique, que ce soit avec emoji de Shigetaka Kurita, l’Épingle Google Map de Jens Elstrup Rasmussen ou encore dans Émissaire. Dans le squat des dieux de Ian Cheng. Dans ce dernier cas, il s’agit plus d’une narration visuelle, générée de façon que j’imagine plus ou moins aléatoire par des algorithmes et animée en 3D, que d’une œuvre d’art, quoi qu’on en dise. Je ne parle même pas de Space Invaders de Tomohiro Nishikado… C’est un jeu vidéo, l’auteur n’a jamais eu l’intention de faire une œuvre d’art, il me semble.

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Après ces considérations plutôt matérielles, il est évident que je rejette tout un pan de l’art contemporain. Est-ce le signe d’un esprit peu ouvert qui privilégie la forme à l’idée, qui est excessivement matérialiste ? Nous pouvons le craindre, hé hé !

Parlons un peu d’esthétisme

L’esthétisme est un concept difficile à analyser. Tout comme le « beau », il met en jeu un ressenti, un sentiment, une sensation. Le plaisir (ou l’émotion) esthétique, et son opposé, le déplaisir, n’est pas physique, à la différence du plaisir ressenti en mangeant ou lors d’une expérience sexuelle (quoique… lorsqu’on voit le nombre d’œuvres avec des femmes nues… réalisées par des hommes, bien entendu). L’esthétisme est intellectuel avant tout. Pour moi, le plaisir (ou sentiment) esthétique provient de la mise en œuvre de mécanismes « immatériels » (souvenirs, fantasmes, rêveries, sensibilités, etc.) s’effectuant au sein de notre esprit, généralement de manière inconsciente. Étant lié à ce que nous sommes, il ne peut pas être défini par une notion universelle, il est en grande partie subjectif. De plus, notre perception du « beau » n’est pas immuable, nos goûts évoluent avec le temps. Il ne serait donc pas inné mais acquis sous l’influence de notre environnement, de notre culture, et ce, de façon généralement inconsciente : on ne nait pas « esthète », on le devient ! À partir de là, pour apprécier l’art contemporain dans toutes ses variantes, il serait nécessaire de passer par une phase d’accoutumance, d’apprentissage, encore plus que pour l’art moderne, plus viscéralement accroché à l’objet, support du plaisir esthétique. C’est pour cela que je pense que le figuratif est plus aisé à apprécier que l’abstraction, au moins dans un premier temps. Pourtant, la réflexion peut venir en aide pour dépasser tout déplaisir esthétique immédiat.

Je ne vais pas « m’amuser » à classer les 200 œuvres (surtout que je ne les ai pas toutes vues, il y avait trop d’attente pour entrer dans certaines petits salles) de l’exposition « Être moderne : le MoMA à Paris » en leur donnant une note allant de 0 à 5. Pourtant l’exercice pourrait être intéressant en comparant ensuite les ensembles qu’il serait possible de faire à partir de différents critères. Prenons plutôt quelques exemples : Accumulation No. 1 de Yayoi Kusama est un fauteuil sur lequel sont cousues de nombreuses formes phalliques, le tout peint en blanc. Car oui, ce sont bien des « bites » et pas des saucisses comme s’était exclamé, amusé, un gamin à côté de moi. Mon premier sentiment a été un déplaisir esthétique, avant de réaliser ce que cela représentait et de commencer à apprécier l’œuvre pour le message que je pensais percevoir. Notons que je l’apprécie encore plus après avoir lu le cartel puis la notice du catalogue.

Echo n° 25, 1951 de Jackson Pollock m’a, par contre, immédiatement plu. Pourtant, je n’ai qu’une opinion assez faible de l’action painting, surtout après avoir vu (et très peu apprécié) l’exposition « Cy Twombly» au Centre Pompidou en 2017. Il faut dire que je reste marqué par le visionnage d’une vidéo (non censurée) sur une peinture relevant plus ou moins du drip painting intitulée PlopEgg de Milo Moire. Vous pouvez voir la version censurée sur YouTube (je vous laisse chercher la vidéo sans les caches noirs). Nul doute que Echo n° 25, 1951 a réussi à me plaire grâce à la complexité des formes peintes, celles-ci ayant éveillé quelque chose en moi. Je n’ai pourtant jamais fait de calligraphie (la notice fait référence à cet art ancestral). Effet tout à fait différent avec La Louve, du même artiste, peinture présente aussi à l’exposition pour laquelle je n’ai ressenti aucun intérêt.

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Il ressort de tout ceci que j’ai une vision assez traditionnelle, pour ne pas dire « traditionaliste » de l’Art (des arts plastiques, pour être plus précis). De ce point de vue, l’art contemporain embrasse plusieurs domaines : les arts plastiques (dans une définition réduite), les seuls qui trouvent grâce à mes yeux et qui me « parlent », les arts du spectacle et les arts visuels. Le comble de l’hypocrisie, c’est qu’en plus, il est nécessaire d’être adoubé par une institution pour pouvoir prétendre à cette appellation. Je tire aussi de cette petite réflexion sur le plaisir (ou le sentiment) esthétique et la notion de « beau », la conclusion que j’ai quelques lectures philosophiques qui m’attendent, tout comme m’attendent les écrits de Nathalie Heinich (même si je ne partage absolument pas certaines de ses positions sociétales), si je veux approfondir le sujet. En attendant, il ne me reste plus qu’à aller voir « Les Hollandais à Paris, 1789-1914 : Van Gogh, Van Dongen, Mondrian… » au Petit Palais : il y a du Van Gogh et du Mondrian, je m’en délecte d’avance !

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Être moderne : le MoMA à Paris (I)

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L’exposition « Être moderne : le MoMA à Paris » s’est achevée le 5 mars. Fidèle à certaines habitudes, notre petit groupe de mangaversiens y est allé au dernier moment (et, du coup, de façon un peu dispersée). Inutile de dire que c’était la foule, et ce d’autant plus que l’événement a connu un grand succès public. D’ailleurs, la Fondation Louis Vuitton était prise d’assaut le dimanche 4 dès l’ouverture à 9H00. Il y a eu plus de 750 000 visiteurs en cinq mois dont plus de 30 000 sur le dernier weekend (du 2 au 4). Dispersée dans une dizaine de salles de taille variable, la scénographie était chronologique et couvrait des débuts de l’art moderne jusqu’à l’art contemporain le plus récent (avec notamment l’art numérique), tout en retraçant l’histoire du célèbre musée new-yorkais dans deux espaces dédiés.

Cette visite a été pour moi l’occasion de m’interroger un peu plus sérieusement sur la différence entre l’art moderne et l’art contemporain. Il faut savoir que j’ai beaucoup de mal avec le second, que j’estime à la limite du « foutage de gueule » quand ça n’a pas l’heur de me plaire. Pourtant, ce sentiment pourrait être constitutif de l’art contemporain, étant né de la rupture et de la transgression des dogmes et des habitudes. Au moins, en matière d’art moderne, même si ça ne me parle pas toujours, j’ai l’impression de sentir, derrière l’œuvre, son auteur, sa réflexion et son travail, à l’exemple de Composition en blanc, noir et rouge de Piet Mondrian ou de L’oiseau dans l’espace de Constantin Brancusi. Toutefois, la Roue de bicyclette, le proto « readymade » de Duchamp contient en elle les prémices de l’art contemporain. Quant à étaler comme une œuvre d’art les emoji de Shigetaka Kurita, cela n’a aucun sens, si ?

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Aurais-je un esprit incapable de comprendre et d’apprécier toute « nouvelle » avant-garde ? Ou est-ce une incapacité à comprendre un autre monde dont j’ignore les tenants et les aboutissants ? Nul doute qu’il serait intéressant de creuser le sujet et de mieux cerner ce qui détermine l’art moderne ou l’art contemporain. Et au-delà de ces histoires de définition (première partie du présent billet), qu’est-ce qui fait que l’un me plaise plus que l’autre (seconde partie, à venir) ?

Au fait, qu’est-ce que l’art moderne ?

Le site des éditions Odile Jacob offrait (heureusement, il est encore accessible via la Wayback Machine) un texte intéressant sur l’art contemporain en proposant en même temps une définition claire de l’art moderne. Il mettait en avant les différences d’interprétation que l’on peut avoir de ces deux périodes artistiques (à supposer qu’il s’agisse uniquement de périodes). Pour ma part, je comprends l’art moderne comme la période artistique commençant avec la naissance de l’impressionnisme à la fin du XIXe siècle, c’est-à-dire quand un certain nombre d’artistes peintres, à commencer par Cézanne, se sont mis à créer en opposition à la tradition, au classicisme qui prévalait à cette époque.

En effet, pour la peinture « moderne », ce n’est plus la lumière qui compte mais la couleur. De même, le rendu n’est plus « réaliste » mais basé sur des impressions, puis sur des suggestions. Les artistes ne représentent plus mais « signifient ». Pour mieux appréhender la portée concrète de ces termes, remémorons-nous dans l’exposition Nature morte de Paul Cézanne, L’Atelier de Pablo Picasso,  L’Espoir II de Gustav Klimt, et aussi Le Faux miroir de René Magritte. Disons que le point de départ de l’art moderne, de l’avis général, remonte à l’an 1870 avec les créations de Cézanne.

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Toutefois, l’art moderne n’est pas monolithique et il recouvre plusieurs courants comme l’impressionnisme, l’art nouveau, le fauvisme, le cubisme, l’abstraction, le dadaïsme, le surréalisme, etc. C’est une période qui court jusqu’à l’apparition de l’art contemporain. Et c’est là que ça se complique…

L’art contemporain, ça date de quand ?

Dater l’apparition de l’art contemporain est malaisé : cela dépend en grande partie de la perception que l’on s’en fait (le cas rappelle d’ailleurs celui de la bande dessinée). Certains utilisent l’année 1945, pour son côté pratique car correspondant à la fin de la seconde guerre mondiale. Il est tenant de faire coïncider une charnière artistique avec un grand basculement historique. D’autres préfèrent les années 1970 avec l’arrivée du « postmodernisme », c’est-à-dire avec le rejet par une nouvelle génération d’un art devenu institutionnel. Ces artistes mélangeaient différentes pratiques, notamment celles issues des arts plastiques,  du design, de l’architecture, etc. Plusieurs exemples étaient proposés dans l’exposition, notamment les drapeaux Start, Middle, Arrow et End de George Bretch ainsi que Costume en feutre de Joseph Beuys.

Les arts plus « traditionnels » (peinture, dessin et gravure mais aussi sculpture et architecture) se sont donc effacés au profit de la photographie, du cinéma / de la vidéo, du design, de l’imprimerie d’art, de l’art conceptuel, des performances, etc. Cependant, vouloir graver une année précise dans le marbre serait ignorer que l’art contemporain s’est construit au fil du temps, au moins dès les années 1960 avec le développement de l’art minimaliste, de l’art conceptuel, de l’Arte Povera en Italie, du Nouveau Réalisme, etc. Il y a par exemple Carl Andre avec ses 144 carrés de plomb (j’ai d’ailleurs marché involontairement sur cette œuvre en reculant pour prendre une photo, mais ça ne semblait pas être un souci, ouf !).

N’oublions pas le Pop Art apparu à la fin des années 1950 aux USA (Boîtes de soupe Campbell d’Andy Warhol ou Fille qui se noie de Roy Lichtenstein). D’ailleurs, l’exposition « Être moderne : le MoMA à Paris » semblait voir la fin de l’art moderne dans l’apparition du Pop Art et le détachement des artistes américains de leurs influences européennes.

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L’art contemporain, c’est quoi exactement ?

L’art contemporain est une avant-garde, ce qui fait qu’il est en perpétuelle évolution. Il est donc apparu en étant avant tout un rejet de l’art moderne. Il relève du domaine des arts plastiques et se caractérise par un dépassement des frontières des différents domaines artistiques. Il s’agit de pratiquer la transversalité. Pour rappel, les arts plastiques recouvraient à l’origine les activités artistiques relevant du modelage telles que la sculpture, la céramique et l’architecture. Cette définition a évolué au fil du temps pour en arriver à faire référence à tout art évoquant des formes, puis des représentations, en englobant dernièrement tout ce qui est visuel, voire expérimental.

Il s’agit donc de transgresser les « règles de l’art » existantes, ou d’en inventer de nouvelles. Surtout, l’art est contemporain quand il est qualifié ainsi par un certain nombre d’institutions à la légitimité reconnue comme les musées, les galeries, les revues et critiques d’art, les curateurs, etc. Comme nous pouvons le pressentir, tout ceci est bien flou, notamment par rapport à l’art moderne, surtout quand l’œuvre considérée peut être classée dans l’une ou l’autre des deux « petites boites », comme Echo N°25, 1951 de Jackson Pollock. D’ailleurs, l’art contemporain n’est pas, pour un certain nombre de personnes, une période mais un monde qui a ses règles, ses codes, sa grammaire. Et il serait apparu avec Marcel Duchamp et ses premiers ready-mades datant des années 1910.

Une des caractéristiques de l’art contemporain, du fait du mélange des genres, de l’extrémisme de certaines créations, de leur côté parfois éphémère (pour les happenings ou les performances, pour le land art, etc.), de leur hermétisme aussi, de leur immatérialité (pour l’art conceptuel), est la nécessité d’avoir un discours, un appareil critique accompagnant l’œuvre, parfois en partant de la conception pour arriver à la réalisation, et en éclairant sa signification. Ce discours est-il indispensable pour donner une certaine valeur (pas obligatoirement pécuniaire) à l’œuvre qui resterait, sinon, un simple objet ou une accumulation d’objets, voire une simple idée ? En fait, la multiplicité des formes de l’objet, qui peut même ne pas être un matériau mais un geste ou un concept, l’objet en tant que tel donc, ne suffit pas, car il peut déjà exister (dans le cas d’un ready-made par exemple) ou être dupliqué.

Il y a aussi une recherche de dépassement des limites, une volonté d’être original. La duplication, la répétition ne sont pas considérées comme étant de l’art, il s’agit d’artisanat car il y a un manque d’originalité. Pourtant, si vous recopiez une œuvre, cela peut être de l’art si vous expliquez votre démarche et si elle est reconnue comme telle, à l’instar de AIDS de General Idea. Ce sont les raisons, la mise en œuvre, la signification de l’objet qui vont constituer l’œuvre d’art, avec l’objet (s’il y en a un). Seul, ça peut être tout simplement un néon qui clignote. Avec un récit (pour utiliser un terme à la mode), cela devient de l’art contemporain, comme l’est Human / Need / Desire de Bruce Nauman.

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Donc…

C’est plus clair, maintenant ? Pas sûr… Cependant, il m’est peut-être devenu possible de m’interroger sur les raisons d’une nette préférence pour l’art moderne, ou pour telle ou telle œuvre d’art contemporain dans la seconde partie de ce billet consacré à l’exposition « Être moderne : le MoMA à Paris », tout en mettant cette dernière en perspective avec d’autres manifestations organisées par le MNAM à Beaubourg et que j’ai pu voir ces dernières années.