Nouvel emploi, nouvelle vie !

Non, je ne vais pas vous parler d’un changement dans ma carrière professionnelle mais du manga First Job New Life ! qui est le deuxième titre de la collection « Life » de l’éditeur Kana.

First Job New Life ! est une courte série totalisant quatre volumes et narrant la vie de Tamako alors qu’elle vient de rentrer dans la vie active. Il s’agit du premier titre traduit en français de Yoko Nemu. L’auteure est quasiment inconnue chez nous, pourtant elle a une carrière déjà bien remplie (surtout d’œuvres courtes). Cependant, il est possible de lire en anglais The Delinquent Housewife! disponible chez Vertical. Il s’agit d’un manga d’humour et romantique paru dans Big Comic Spirits au milieu des années 2010. Après des débuts dans le magazine pour jeunes femmes Feel Young fin 2004, Yoko Nemu s’y fait remarquer dès 2008 par sa série Gozen 3-ji no muhouchita basée sur son expérience personnelle. D’ailleurs, First Job New Life ! en est, en quelque sorte la suite puisque on y retrouve les mêmes personnages dont Momoko et Dômoto, tout en y ajoutant Tamako. Gozen 3-ji no muhouchita est aussi un titre court car il ne compte que trois volumes. Cela ne l’a pas empêché d’être adapté en drama en 2013 pour une saison de douze épisodes. C’est ainsi que nous avons dans le même univers :

  • Gozen 3-ji no muhouchitai (Trois heures du matin, zone de non droit) : trois tomes édités entre 2008 et 2009, montrant le fonctionnement de l’agence P-Design, spécialisé dans le domaine du pachinko, grâce à Momoko, une jeune diplômée qui veut devenir illustratrice professionnelle ;
  • Gozen 3-ji no kikenchitai (Trois heures du matin, zone de danger) : quatre tomes publiés en 2010 et 2011, centrés sur Tamako, sa découverte du monde du travail et de l’amour. Il s’agit donc de la série proposée par Kana ;
  • Gozen 3-ji no fukyouwaon (Trois heures du matin, les dissonances) : un recueil de nouvelles sorti en 2012, chacune étant centrée sur un des personnages principaux de la série, soit Wajima, Dômoto, Momoko et Tamako.

Le récit commence avec l’entretient d’embauche de Tamako, une jeune infographiste à la recherche de son premier travail. Alors qu’une fois de plus, elle échoue assez lamentablement dans l’exercice, elle a la surprise d’être retenue par le patron, contre l’avis de Dômoto, le responsable de l’agence P-Design. Il s’agit d’une petite entreprise spécialisée dans la communication, l’affichage et la publicité des salles de pachinko. Alors qu’elle n’a aucune envie de rester, Tamako va toutefois s’accrocher à son poste pour des raisons qui n’ont pas toutes à voir avec son travail et s’apercevoir que, bien que difficile, son emploi n’est pas inintéressant, loin de là.

La série First Job New Life ! a donc été prépubliée dans le magazine Feel Young des éditions Shodensha. Elle nous propose deux thématiques, très classiques, qui nous rappellent l’époque bénie de la collection Sakka (lorsqu’il nous était proposé Fumi Yoshinaga, Q-Ta Minami et Kiriko Nananan) : la vie professionnelle et la vie amoureuse des jeunes femmes japonaises. Avec un dessin rappelant parfois Mari Okasaki, parfois Chika Umino, mais surtout George Asakura et même Moyoko Anno, Yoko Nemu nous propose une histoire au dessin plaisant et efficace, à la narration bien rythmée, sans oublier une galerie de personnages mémorables, à commencer par la débutante Tamako. Cette dernière est volontaire, même si elle est très timide et sans expérience de la vie. Elle est touchante dans ses efforts pour réussir dans un métier dont elle ignore quasiment tout. Il en est de même avec ses sentiments envers un de ses collègues. En effet, le premier tome est composé en deux temps : la découverte du travail, puis la découverte de l’amour. Dans les deux cas, rien n’est simple, surtout pour Tamako, inexpérimentée dans les deux domaines. Néanmoins, elle apprend vite.

Le deuxième tome nous montre Tamako en train de s’ouvrir petit à petit à ses collègues, surtout ceux de la salle de pachinko où elle est en stage pour mieux comprendre le domaine dans lequel elle travaille désormais et qu’elle doit mettre en valeur par ses créations graphiques. Elle se rapproche ainsi de Miyashita, un beau jeune homme qui semble vouloir la prendre sous son aile. Cela déplaît fortement à Akiho, une très jolie collègue, ancien mannequin de magazine dédié au pachinko et ancienne hôtesse événementielle. La jalousie la frappe en plein cœur, ce qu’elle ne comprend pas : comment peut-elle être jalouse d’une fille aussi banale et pourquoi Miyashita ne s’intéresse pas à elle autrement que pour une coucherie occasionnelle, pourquoi n’accepte-il pas son amour ? Pendant ce temps-là, Mano, l’ancienne comptable de P-Design et surtout (plus ou moins) la petite amie de Dômoto, vient rendre visite à ses anciens collègues de l’agence. Voilà qui va ruiner à coup sûr les rêves romantiques de Tamako. C’est ainsi que plusieurs chapitres s’éloignent de la vie professionnelle de notre jeune et fade héroïne pour se focaliser sur d’autres personnages et apporter plus de profondeur à l’histoire. C’est alors l’occasion pour la mangaka d’aborder le sujet de l’apparence, mais aussi sur ce qui se trouve derrière cette apparence. Elle montre aussi la nécessité d’évoluer, de changer de comportement afin de devenir plus adulte. Pour cela, elle utilise l’exemple de Miyashita. De plus, les réflexions prêtées à Akiho sont intéressantes. De son côté, petit à petit, Tamako prend conscience d’elle-même et des personnes de son entourage. Heureusement, Yoko Nemu n’en oublie pas pour autant l’humour et développe son récit avec légèreté.

En effet, la série ne pose pas frontalement la question de l’emploi des femmes dans le Japon actuel. Rappelons qu’il n’est pas question ici d’emplois d’office ladies, ces jeunes femmes employées dans les bureaux dont le rôle subalterne consiste surtout à accomplir de petites taches de secrétariat et à servir le thé aux collègues masculins et aux clients. Tamako, tout comme Momoko, ont un emploi technique : elles sont infographistes et conceptrices de notices. Elles sont jeunes et ne se sentent pas encore concernées par leur « péremption », c’est-à-dire l’âge limite pour se marier et devenir une bonne épouse s’occupant du foyer et des enfants. De même, le problème du harcèlement sexuel par les supérieurs n’existe pas au sein du studio (qui est petit, il faut le rappeler). Il n’est pas question non plus des inégalités salariales. Il y est plus question du temps passé au bureau et du rythme de travail, de leur difficile acceptation par les salariés, notamment les femmes. Il est donc difficile de ne pas penser ici au problème des entreprises qualifiées de « black kigyô ». Celles-ci se caractérisent par l’exploitation des employé·e·s les plus jeunes, fraîchement diplômé·e·s et faisant leur entrée dans le monde du travail. La direction les enchaîne à leur bureau pour des journées dépassant allégrement la douzaine d’heures. Sans surprise, cette exploitation s’accompagne de harcèlement tels que des abus verbaux et voire parfois physiques. Enfin, le travail forcé le week-end et de nuit, l’interdiction de prendre ses congés légaux sont des pratiques courantes quoique interdites officiellement. Néanmoins, tout ceci n’est pas abordé explicitement et ces différentes problématiques sont plus ou moins suggérées, afin de laisser la place à l’attitude positive de Tamako et à sa volonté de s’affirmer. Incontestablement, nous sommes ici en présence d’une comédie romantique, pour notre plus grand plaisir.

Hi Score Girl, amours et arcades

La capacité des Japonais à s’enthousiasmer pour des mangas que l’on pourrait penser invendables est sans limite. Il faut dire qu’ils semblent privilégier la qualité du récit et des personnages au dessin ou aux thèmes abordés, à la différence du lectorat francophone. Hi Score Girl en est peut-être une nouvelle démonstration. Voilà une comédie romantique scolaire centrée sur les jeux vidéo, mais pas ceux de maintenant, ceux des années 1990. Du coup, la série ne devrait intéresser qu’un lectorat assez âgé en jouant sur l’effet de nostalgie et surfer sur le succès du « revival », non ? Si dans la mode, le revival se concentre surtout sur les années 1990, période de consommation à outrance, de foisonnement des tenues, d’exubérance et d’excentricité vestimentaire, le jeu vidéo trouve ses racines au début des années 1980, celles des premières bornes d’arcade et des premières consoles un peu développées techniquement, comme la NES de Nintendo ou la Master System de Sega, sans oublier la percée des micro-ordinateurs personnels comme l’Apple II et le Commodore 64 . C’est donc aussi un pan de l’histoire du jeu vidéo, l’âge d’or des années 1990 (pour certain·e·s), que le manga Hi Score Girl nous propose de revivre.

Ce diaporama nécessite JavaScript.

Début de l’année 1991, Haruo Yaguchi est en dernière année d’école élémentaire. Il ne vit que pour et par le jeu vidéo. Pour être plus précis, il passe tout son temps et son argent dans les salles d’arcade à jouer à des jeux de combat comme Street Fighter II de Capcom. Un jour, il tombe sur une gamine qui le lamine en un contre un (VS.) sur son jeu fétiche. Il s’agit d’Akira Ono, l’héritière d’une richissime famille qui est dans sa classe. Les deux ne vivent pas dans le même monde, le premier étant un cancre, la seconde étant une brillante élève. Ils n’ont donc jamais eu l’occasion d’échanger sur quelque sujet que ce soit. Cette rencontre improbable va pourtant déboucher sur une relation hors norme.

En avril 1993, Koharu Hidaka, une collégienne qui vient de faire sa rentrée en 4e, remarque Haruo au moment où celui-ci s’enfuit d’une salle d’arcade alors que le conseiller d’orientation de l’établissement vient y effectuer une ronde pour s’assurer qu’aucun élève de l’école ne traine dans un lieu aussi mal famé et si peu propice aux études. Les deux sont dans la même classe. Koharu envie la passion et l’insouciance d’Haruo. En effet, elle ne sait pas prendre du bon temps comme son camarade, elle ne sait que faire ses devoirs et elle reste seule chez elle la plupart du temps. Pourtant, quelques jours plus tard, une tempête de neige soudaine lui permet de faire plus ample connaissance avec ce garçon qui la fascine. Pour pouvoir se rapprocher de lui, elle comprend rapidement qu’elle va devoir s’intéresser aux jeux vidéo.

Hi Score Girl est une série en dix volumes réalisée par Rensuke Oshikiri. Elle a été prépubliée entre octobre 2010 et août 2018 dans le magazine Monthly Big Gangan, un mensuel seinen publié par Square Enix connu en francophonie notamment pour les séries Übel Blatt (Etorouji Shiono – Ki-oon), Dimension W (Yūji Iwahara– Ki-oon) et ACCA 13 (Natsume Ono – inédit en français). Pour être plus précis, Hi Score Girl a commencé sa prépublication dans un des numéros spéciaux du Young Gangan (celui de novembre 2010, donc sorti en octobre) avant de se poursuivre dans les trois numéros spéciaux intitulés Young Gangan Big qui sont à l’origine du magazine Monthly Big Gangan. Entre mi 2018 et fin 2019, le titre est adapté en dessin animé par J.C. Staff et SMDE pour différents réseaux japonais de télévision numérique et diffusé internationalement par Netflix. La saison 1 comprend douze épisodes et trois OAV. La saison 2 en compte seulement neuf. Il existe aussi un fan book intitulé Kajimest Continue qui a été publié en avril 2019 et une série spin-off a débuté dans le numéro de décembre 2019. Il s’agit de Hi Score Girl DASH dont l’histoire est centrée sur Koharu Hidaka, devenue professeure dans un établissement scolaire.

Le titre a connu une interruption entre septembre 2014 et juillet 2016 à cause d’un procès intenté par SNK Playmore en raison d’une prétendue violation des droits d’auteurs car des personnages SNK ont été utilisés sans autorisation préalable. SNK Playmore n’est à l’époque qu’une ancienne filiale chargée de la gestion des droits des jeux SNK rachetés à la maison mère après la faillite de cette dernière fin 2001. Rien d’étonnant à ce que le succès commercial d’Hi Score Girl, et surtout l’annonce d’une adaptation en animé, ait attiré leur attention et qu’ils aient tenté d’en tirer un revenu. C’est l’utilisation sans autorisation de personnages des jeux vidéo The King of Fighters ’95 et Samurai Shodown dans le chapitre 34 qui sert de base principale à des dépôts de plainte au pénal et au civil. Cela a donné lieu à des débats de la part de juristes spécialisés en droits d’auteur. Le département juridique de l’Université Meiji (Tokyo) a été jusqu’à publier un texte sur le danger pour la création artistique de donner raison à SNK Playmore. L’affaire s’est réglée à l’amiable entre Square Enix et la société Leyô Millenium (qui appartient en partie à l’entreprise de loisirs chinoise 37Game) qui avait entre-temps racheté SNK Playmore. À l’issu de cet accord intervenu en aout 2015, la prépublication a pu reprendre en juillet 2016, les cinq premiers tomes de la série ont été réédités avec de nombreuses modifications et le titre a été changé temporairement en Hi Score Girl Continue.

Il est à noter que Square Enix a eu un comportement un peu léger avec les droits d’auteur car lister en fin de tome les copyrights des jeux cités s’est relevé être insuffisant du point de vue juridique. Namco, Bandai, SEGA ont bien donné leur autorisation a posteriori mais Konami ne l’a pas fait, sans que cela débouche sur un procès. Un fan de manga japonais a travaillé sur les différences entre les deux éditions des cinq premiers tomes et les a listées sur son blog. C’est ainsi que nous pouvons voir que les principaux changements sont dans le tome 2 (il y en a aussi un certain nombre dans les autres) : Art of Fighting est remplacé par Street Fighter II’, Samurai Shodown et Fatal Fury Special le sont par Super Street Fighter II, etc. Autre exemple, le nom du magazine Neo Geo Game Catalog est changé en Game Catalog. Par contre, toutes les références à SNK n’ont pas été supprimées. Nous retrouvons à certains moments des jeux comme Samurai Shodown et The King of Fighters ’94 (par contre, The King of Fighters ’95 a été remplacé par Virtua Fighter 2.1 dans le tome 5). De plus, Haruo joue avec une NeoGeo CD et Ono a une Neo-Geo Pocket. Des changements ont concerné d’autres licences comme par exemple le jeu Jurassic Park remplacé par Out Run dans le tome 2. Ces changements ont augmenté de façon significative la présence des différentes versions de Street Fighters II dans la série et le manga ne rend pas suffisamment l’importance de la NeoGeo à l’époque, notamment grâce à la borne Neo-Geo MVS. Il n’y avait donc pas que des machines à base de cartes mères compatibles JAMMA (telle que les CPS-1 et CPS-2 de Capcom) dans les salles d’arcade.

Rensuke Oshikiri, l’auteur du manga, a été extrêmement contrarié par cette affaire comme il le raconte dans le dernier chapitre de sa courte série autobiographique Bip-Bip Boy. Nous pouvons l’imaginer sans peine quand on sait à quel point le système judiciaire japonais est injuste et inique, surtout envers les innocents (pour simplifier, c’est un peu le genre « vous êtes coupable car je l’ai décidé et vous devez avouer »). Heureusement qu’il n’était plus un débutant lorsque celle-ci a éclaté. En effet, il a commencé jeune, à 19 ans (il est né en septembre 1979). Il faut dire, et le mangaka le reconnait, qu’il était un véritable cancre, le plus mauvais parmi les mauvais. En effet, à l’instar de Haruo, il ne pensait qu’aux jeux vidéo. Alors qu’il est issu d’une famille assez bourgeoise, son rejet des études et sa passion pour les jeux d’arcade l’on amené à sortir diplômé d’un lycée professionnel en réalisant qu’il ne supportait pas l’idée de devoir travailler dans le milieu industriel. Après avoir dû interrompre des études de dessin et d’informatique pour raisons familiales, il s’est pris de passion pour les mangas d’horreur et à en dessiner, ayant la volonté d’en vivre.

La deuxième histoire qu’il a proposé à Kodansha via un site dédié aux débutants a été retenue en 1998 pour être publiée dans un numéro spécial de Weekly Young Magazine, lançant ainsi sa carrière professionnelle. Reconnaissable dès ses débuts, son style graphique assez particulier est influencé par les kashihon manga d’horreur de l’éditeur Hibari Shobo (Hideshi Ino, édité en français par IMHO, y a publié plusieurs histoires). Il se fait remarquer dans le genre particulier du gag manga horrifique, puis avec DeroDero, un manga d’horreur et de surnaturel reprenant les recettes des kashihon manga horrifiques qu’il apprécie tant. C’est ainsi qu’il rencontre le succès, la série totalisant quinze tankobon chez Kodansha. Le point d’orgue de la première partie de sa carrière est Le Perce-Neige, disponible en français chez Omaké Books. Il s’agit d’un josei manga d’horreur extrême et nihiliste prépublié entre 2007 et 2009 dans le magazine Horror M de Bunkasha. Après un détour par l’autobiographie avec les trois tomes de Bip-Bip Boy (prépubliés entre 2007 et 2009, puis en 2011, puis entre 2014 et 2015 dans le magazine Pocopoco d’Ohta Shuppan, disponible aussi chez Omaké Books), Rensuke Oshikiri se consacre ensuite principalement à la comédie dans différents supports seinen de Kodansha (Young Magazine, Morning, etc.) même s’il ne s’interdit pas de travailler avec d’autres éditeurs, étant quelqu’un de très prolifique.

Hi Score Girl est une comédie romantique scolaire basée (pour ne pas changer) sur un triangle amoureux. Cependant, sur ces fondations très classiques, Rensuke Oshikiri est loin de reprendre tels quels les canons du genre et il met en place des relations plutôt singulières. Le personnage masculin principal, Haruo Yaguchi, n’est pas un beau gosse, c’est un cancre, il est obnubilé par les jeux vidéo au point d’être aveugle aux sentiments des autres. Akira Ono, un des deux protagonistes féminins, est très intelligente mais elle est incompréhensible. De ce fait, elle est de plus en plus isolée à chaque changement d’école. Il faut dire qu’elle ne parle jamais, à personne. Koharu Hidaka est la seule qui n’ait pas un comportement extrême et fait figure de normalité. Elle est intelligente, lucide sur elle-même et les autres, plutôt jolie et raisonnable. Trop peut-être pour trouver le bonheur : il lui manque une passion dans laquelle s’investir. C’est pour cette raison qu’elle est attirée par Haruo, du fait de son insouciance, de sa joie de vivre et de son amour pour les jeux d’arcade. Même si elle comprend rapidement que ce dernier ne voit en elle qu’une camarade de classe qui semble s’intéresser aux jeux vidéo et avec qui il peut partager sa passion.

En effet, Haruo est fasciné par Ono qui lui est supérieure dans tous les domaines : elle est jolie, excellente élève mais surtout, elle le bat systématiquement sur borne d’arcade. Elle excelle dans le seul domaine où il en tire une réelle fierté : les jeux de combat. Ono devient ainsi un challenge, un but, un objectif : il faut absolument la dépasser à Street Fighter II. Haruo ne comprend pas ses sentiments pour Ono, ni pourquoi il supporte qu’elle le frappe durement à chaque fois qu’elle est contrariée. Il faut dire que pour elle, jouer aux jeux vidéo est une soupape de sécurité qui lui permet de supporter la pression imposée par son entourage qui la destine à prendre la direction de la fortune familiale. Lorsque Koharu devient meilleure que Haruo aux jeux de combat en espérant ainsi remplacer Ono dans l’esprit de l’élu de son cœur, ce dernier ne réagit pas de la même manière : il se sent humilié et ne supporte pas d’être à nouveau battu par une fille. Une distance se créée entre eux en lieu et place du rapprochement espéré par la jeune fille. Comme nous pouvons le voir, la romance n’est pas très présente dans le récit. De plus, il en est de même pour l’humour.

Celui-ci repose essentiellement sur le comportement d’Ono et des coups qu’elle porte continuellement à Haruo, les réactions de ce dernier devenant l’élément comique principal. C’est ainsi que plusieurs running gags se mettent en place pour notre plus grand plaisir. Ceux-ci sont distillés avec parcimonie, ce qui renforce leur efficacité. Quelques personnages secondaires comme la mère de Haruo, ou différents camarades de classe viennent apporter une touche humoristique supplémentaire. Néanmoins, la comédie n’est pas la caractéristique principale du manga. La façon dont Rensuke Oshikiri retrace l’histoire du jeu vidéo et des salles d’arcade, la vision qu’il propose de cet univers sont bien plus présentes. Loin du comportement de fan auquel nous pourrions nous s’attendre, l’auteur se contente souvent d’exposer des faits, de montrer la diversité du monde des jeux vidéo. Il n’épargne pas Haruo ni certains types de joueurs, sans pour autant les condamner. C’est aux lectrices et aux lecteurs de se faire leur avis, après avoir compris à quel point le mangaka a mis de lui-même dans cette histoire.

En effet, la lecture des trois tomes de Bip-Bip Boy, si elle n’est pas indispensable pour apprécier Hi Score Girl, permet de voir que Haruo est une projection romancée de l’auteur, une version améliorée tant il ne s’épargne pas dans la plupart des chapitres de Bip-Bip Boy. Ono et Koharu sont directement inspirées des quelques filles qu’il a pu côtoyer pendant son adolescence et qu’il présente dans son manga autobiographique. Nul doute que la réalité qui se cache derrière la fiction a permis au mangaka de créer des personnages particulièrement attachants, et touchants. Haruo est plein de joie de vivre, cependant, son insouciance ne signifie pas qu’il est stupide. Il se rend bien compte ce que lui coûte socialement sa passion pour les jeux vidéo. Certes, pour les besoins du récit, son incapacité à développer des relations sentimentales avec ses petites camarades de classe n’a pas le goût amer ni le sentiment d’échec que l’on retrouve dans Bip-Bip Boy. Haruo a fait un choix de vie qui lui apporte le bonheur et les jeux vidéo sont toujours là pour lui permettre de ne pas sombrer dans la déprime.

Toutefois, c’est avec Ono et Koharu que Rensuke Oshikiri réussit ses deux meilleures créations. Ono la mutique est touchante dans son incapacité à exprimer sa peine et l’oppression qu’elle subit du fait d’une éducation bien trop stricte. L’auteur, par de nombreuses cases muettes, nous fait comprendre à quel point les meilleures intentions du monde peuvent être destructrices lorsqu’on reste aveugle aux besoins des personnes que l’on côtoie. Koharu n’est pas en reste, elle qui est lucide sur ses sentiments et ceux de Haruo. Le mangaka nous montre aussi par son intermédiaire que la raison ne peut remplacer la passion et qu’il est important d’avoir des sentiments, ainsi que des passe-temps, des domaines qui nous permettent de s’évader d’un quotidien souvent bien morne. Il démontre ainsi l’importance que peut avoir le jeu vidéo dans la vie de certaines personnes, l’équilibre qu’ils peuvent y trouver, tout montrant que tout excès est nocif. Il ne magnifie pas le monde vidéoludique ni celui des salles d’arcade. Il essaye de les montrer comme ils sont, avec leurs défauts et leurs bienfaits.

Il y a d’ailleurs un point intéressant qui revient régulièrement tout au long de la série, mais sans que Rensuke Oshikiri s’appesantisse : le sexisme dans les jeux d’arcade. Pour commencer, il bat en brèche l’idée que les filles ne s’intéressent pas aux jeux de combat et qu’elles ne peuvent y exceller. Certes, elles sont peu nombreuses dans un univers essentiellement masculin, mais elles existent. D’autres joueuses apparaissent d’ailleurs au fil des tomes de Hi Score Girl. Il est impossible pour un non-japonisant de trouver sur Internet des données sociologiques portant sur les années 1990-2000. Si nous regardons des études japonaises récentes sur la sociologie du jeu vidéo, nous pouvons voir qu’actuellement les femmes jouent presque à parts égales que les hommes, la différence se faisant surtout sur les plateformes et les types de jeux. Le site 4gamer le montre bien dans son compte rendu d’un séminaire de la Japan Online Game Association. Néanmoins, lorsqu’on se focalise sur les consoles orientées action comme la PlayStation 4, les joueuses y représentent moins de 12% du total, à comparer avec une part de plus de 45% pour les jeux sur smartphones. Nous pouvons donc tout à fait imaginer que les salles d’arcades étaient très peu fréquentées par les filles, vingt ou trente ans plus tôt, mais qu’elles n’en étaient pas totalement absentes.

La raison est assez simple à trouver : la situation de la femme dans l’univers vidéoludique. Cela commence par le phénomène de la demoiselle en détresse («Damsel in distress»). Rensuke Oshikiri l’illustre brièvement à quelques reprises, notamment en arrière plan des réflexions de Haruo à propos de sa relation avec Ono et avec Koharu vers la fin du tome 5. Les personnages actifs sont toujours masculins et leur but est d’aller délivrer une femme qui s’est fait enlever et qui attend passivement son sauveur. Celle-ci n’est alors qu’une récompense aux efforts réalisés par le joueur. Cette image est un trope ancien que l’on retrouve depuis longtemps dans la littérature et le cinéma. Cependant, il est particulièrement présent dans les jeux vidéos d’action. Pourtant, cela n’est certainement pas le pire, l’identification pouvant toujours se faire, même si on est une fille. Toutefois, nous avons là un des cinq thèmes sexistes qui ont besoin de disparaitre pour un monde plus égalitaire : celui de la « femme cadeau ». La représentation de la « femme objet » avec l’obligation de beauté faite aux femmes (autre thème) se retrouve aussi dans les jeux vidéo. Il suffit de voir le but de certains jeux comme Gals Panic de Taito où il faut réussir à marquer 80% de la surface qui couvre le corps dénudé d’une femme afin l’exposer au regard du joueur. Il faut voir aussi le comportement des joueurs masculins envers leurs homologues féminins pour sentir que l’on est pas la bienvenue lorsqu’on est une fille ou qu’on est réduite à être un simple objet de désir sexuel. Tous ces aspects sont évoqués dans le chapitre « Spécial-Crédit 1 » du tome 4. Néanmoins, pour approfondir le sujet, le mieux est de lire le texte de Mar_Land sur le sexisme chez les geeks.

Ainsi, une fois de plus, le manga montre sa richesse et sa grande profondeur grâce à sa capacité à aborder de nombreux sujets au sein d’une même œuvre et à faire vivre des personnages attachants et complexes. Certes, en ce qui concerne Hi Score Girl, il peut être nécessaire à certaines et certains de passer outre un graphisme un peu hors norme et un thème, celui des jeux vidéo des années 1990, qui peut ne pas intéresser. Pourtant, il n’est en aucun cas nécessaire d’avoir joué sur des bornes d’arcades ou les consoles de l’époque pour savourer cette lecture qui ne repose pas sur la nostalgie. Votre serviteur en est la preuve. Alors, n’hésitez pas, si vous n’avez pas commencé cette excellente série, foncez, vous ne le regretterez pas un seul instant !

Sexy Cosplay Doll

La période de confinement actuelle donnant beaucoup de temps à passer de la manière la plus intéressante possible, voici (déjà !) une nouvelle chronique sur une série dont le troisième tome vient juste de sortir chez Kana. Le but est, comme pour le précédent billet consacré à En proie au silence, d’apporter un certain nombre de clés de lecture aux personnes pouvant être intéressées par un titre bien plus remarquable que de prime abord. Je remercie Manuka pour sa relecture qui m’a permis d’éliminer de trop nombreuses fautes.

Wakana Gojo est un lycéen plutôt solitaire. Il faut dire que sa passion pour la confection des poupées traditionnelles japonaises n’est pas banale et n’est pas partagée par ses nouveaux camarades de classe. C’est une passion solitaire depuis déjà l’école primaire et au collège. De plus, il est encore plus difficile de se socialiser quand on a perdu ses parents et que l’on doit vivre avec son grand-père, un artisan reconnu qui lui a transmis cet amour pour les poupées précieuses. Il est nécessaire de consacrer énormément de temps pour se perfectionner et arriver à créer de véritables œuvres d’art. De son côté, Marine Kitagawa est l’une des filles les plus populaires de l’établissement scolaire. Extrêmement mignonne, soignée, extravertie, amicale et pleine d’énergie, elle n’a aucune difficulté à établir des relations amicales avec ses congénères. Elle arrive même à adresser la parole à un loser comme Wakana.

Pourtant, les deux vont être amenés à passer beaucoup de temps ensemble. En effet, il existe un point commun entre ces deux êtres qui semblent pourtant vivre dans des mondes différents. L’un et l’autre ont une passion peu avouable : Wakana est un couturier accompli en vêtements de poupées, une compétence toute féminine, n’est-ce pas ? Quant à Marine, elle est fan d’animés mais aussi de jeux vidéo, notamment de dating games érotiques, passion peu banale pour une jeune fille, pour ne pas dire anormale, hein ! Surtout, elle rêve de pouvoir incarner son personnage préféré, Shizuku Kuroe du jeu Sexy Miracle 2, L’Académie pour filles La Vierge fidèle et les demoiselles du club de masochisme.  Problème : Marine est incapable de confectionner le moindre vêtement. Qu’à cela ne tienne, Wakana est là ! En fait, ils étaient faits pour se rencontrer malgré leurs différences…

Sexy Cosplay Doll est une série prépubliée depuis 2018 dans le magazine Young Gangan des éditions Square Enix. Le numéro d’octobre 2019 a proposé un supplément photo avec la cosplayeuse Iori Mori en Marine et en Shizuku. Il s’agit d’un bimensuel classé en seinen, mais visant un public d’hommes assez jeunes, comme son nom l’indique et comme son contenu, notamment ses couvertures, laissent supposer. Les titres avec des jeunes filles aux formes (très) développées et pas toujours très habillées y sont légion, même si comme dans tout mangashi, une véritable diversité dans les histoires et les styles est présente. Ce support est loin d’être inconnu ici, plus d’une trentaine de séries ayant été traduites en français, principalement par Ki-oon. Le titre qui nous intéresse ici compte pour l’instant quatre (bientôt cinq) tomes dont trois sont disponibles en français chez Kana. Son auteur est… surprise, une femme, cachée derrière un nom de plume assez opaque : Fukudashin1 (福田晋一, Shinichi Fukuda à l’international).

La mangaka a débuté professionnellement dans le métier après avoir gagné un concours du Weekly Shônen Ace (Kadokawa Shoten), ce qui lui a permis d’y être publiée à partir de 2007. Après quelques histoires courtes et une première série comptant deux volumes, elle passe en 2012 chez Shonen Gahosha, pour proposer dans Young King une création, Momoiro Meloik, qui va rencontrer un certain succès et durer dix tomes. Surtout, elle y introduit un certain érotisme soft basé sur des « gros plans culottes et décolletés », ici, teinté de lolicon et de sentiments incestueux. En 2018, nouveau changement d’éditeur avec Sexy Cosply Doll. Et toujours cet aspect sexy qui semble devenir une marque de fabrique. Cependant, cela ne surprendra pas les lectrices et lecteurs de l’article « Mangas sous XX : ces femmes qui écrivent pour les hommes » disponible dans le numéro 3 de la revue d’étude Manga 10 000 images : Shinichi Fukuda n’est pas n’est pas la première, loin de là !

Le premier tome de Sexy Cosply Doll introduit donc les deux personnages principaux de la série : Wakana et Marine. Le premier est donc solitaire. Cet isolement s’explique par un véritable traumatisme enfantin, lorsqu’une de ses camarades le rejeta car il aimait les poupées. Depuis des années, il consacre tous ses loisirs à apprendre à peindre des têtes de poupées traditionnelles, les poupées « hina », celles utilisées pour la fête du même nom. Il est donc l’archétype du lycéen peu sûr de lui mais qui possède un talent caché. Seulement, cette capacité extraordinaire l’est surtout parce qu’il s’agit d’une activité dite féminine. Voilà qui casse complètement ce modèle issu du shônen manga. Wakama nous rappelle le héros d’Otomen, Asuka Masamune, qui est féru de « trucs de fille » comme la couture et la cuisine, sans que cela remette en cause sa virilité dans ce shôjo manga.

Le second protagoniste, Marine, est tout l’inverse. Sa joie de vivre et son enthousiasme sont en total contraste. Néanmoins, il ne faudrait pas penser qu’elle représente la lycéenne populaire typique qui ne pense qu’à plaire. De plus, elle aborde plusieurs caractéristiques des kogals, ces jeunes filles branchées. En effet, ses cheveux sont manifestement teints, elle porte de multiples piercings à l’oreille, des lentilles teintées, sa jupe est extrêmement courte, sa mise est très soignée. Elle fait penser à Matsui, la camarade sexy d’Asai, l’héroïne de la série Otaku Girl (un seinen), ces différentes jeunes filles étant de véritables amatrices de manga et d’animés, ce qui est un handicap certain dans la société fermée d’un lycée japonais. Toutefois, cela ne signifie pas qu’elle soit écervelée ; ça ne signifie pas plus que ce soit une jeune fille facile, loin de là. Rapidement, nous nous apercevons qu’elle a les pieds sur terre et qu’elle est plutôt ingénue dans le domaine sentimental (comme de bien entendu).

Formellement, Sexy Cosply Doll ne présente pas réellement d’originalité. Le dessin, soigné, ressemble à de nombreux young seinen que l’on peut voir fleurir actuellement. Par exemple, il est frappant de voir à quel point le graphisme de Shinichi Fukuda est souvent proche de celui de Takahiro Oba (un homme) qui dessine Sky High Survival. À la limite, nous pourrions estimer que le style de la mangaka avait une touche plus personnelle dans sa précédente série. La narration, par contre, est dense et fait plus penser à du shôjo manga entre nombreux dialogues et monologues intérieurs, et avec une certaine déstructuration des planches. L’utilisation régulière de personnages chibi est aussi à noter. Concernant le contenu, le récit avance rapidement, ce qui permet de bien caractériser les personnages durant le premier chapitre. Ce dernier est assez long, une cinquantaine de pages. Les suivants sont plus courts, en adéquation avec un rythme de prépublication bimensuel : une vingtaine de pages, entrainant une narration plus nerveuse, ce que l’on retrouvera dans les tomes suivants.

Le tome 2 développe l’histoire mise en place précédemment : Wakana a réussi à créer le costume de Shizuku à temps pour que Marine puisse le porter à l’occasion d’une des nombreuses manifestations de cosplay qui sont organisée à Ikebukuro, un des quartiers de Tokyo réputé pour ses magasins dédiés à l’univers des animés, du jeu vidéo et du manga. La zone commerciale appelée « Otome Road » y est située, nous sommes donc bien en pleine culture otaku. C’est d’ailleurs à Ikebukuro que notre apprentie cosplayeuse et son couturier « personnel » sont allés faire leurs achats de matière première et d’accessoires. C’est l’occasion pour Shinichi Fukuda de montrer le monde du cosplay (et de placer quelques belles planches muettes), d’expliciter quelque peu ses rites, ses contraintes et ses joies. Le récit est alors plus démonstratif et plus lent. L’auteure en profite pour placer un certain nombre de scènes sexy. Surtout, elle introduit à la toute fin du tome un nouveau personnage, mettant ainsi en place par le biais de l’habituel cliffhanger la suite son histoire.

Shizuku effectue donc ses premiers pas dans le monde du cosplay. Le terme est un mot-valise combinant les termes anglais « costume » et « play », faisant ainsi référence au fait jouer un personnage issu d’un animé, un manga, un jeu vidéo ou un film / série tout en portant le costume correspondant. C’est un loisir apparu aux États-Unis dans les conventions de science-fiction à la fin des années 1930. Il a commencé à être notable au Japon durant la deuxième moitié des années 1970, après la création du Comiket. Le terme a été inventé par un journaliste japonais en 1984 dans un article relatant sa visite de la 42e WorldCon à Los Angeles. Le phénomène a continué à se développer au Japon durant les années 1980 et surtout 90 puis il s’est répandu dans le monde occidental grâce au succès rencontré par les animés, les jeux vidéo japonais tels que Final Fantasy et Street Fighter, sans oublier le développement du manga avec Naruto en chef de file. À défaut de se lancer dans de grandes explications sociologiques ou psychologiques, ce tome 2 montre bien le plaisir que ressentent les personnes qui s’adonnent au cosplay.

S’il existe des études occidentales sur le cosplay, aucune ne semble exister en langue française. Toutefois, il semble que la composition sociologique des personnes faisant du cosplay soit assez homogène d’un pays à l’autre : il s’agit généralement d’une population de jeunes filles (de 70 à 80%), adolescentes ou jeunes adultes, même s’il est possible de voir des trentenaires se « cosplayer ». Plusieurs caractéristiques se dégagent des différentes études disponibles sur Internet. Plus que se déguiser, il s’agit d’incarner le personnage, aussi bien physiquement qu’émotionnellement. Il peut s’agir ici de répondre aussi à un besoin d’identification, fréquent à l’adolescence. C’est aussi un puissant instrument de socialisation avec le partage d’une passion, que celle-ci se fasse virtuellement via le partage de photos, ou réellement lors des nombreuses manifestations organisées ici ou là. Si cela commence virtuellement, par le biais des réseaux sociaux, un besoin de se retrouver entre pairs se fait rapidement sentir. Le cosplay inclus ainsi de rejoindre une communauté permettant de vivre des expériences sortant de l’ordinaire. Il faut dire qu’une partie des participant·e·s est en manque de relations sociales. Le cosplay devient alors un facilitateur social, notamment par le biais de l’identification à un personnage fictif.

En France, le meilleur endroit pour voir du cosplay est sans conteste Japan Expo, une convention dédiée aux cultures populaires, notamment venues du Japon. Existant depuis plus de vingt ans, la manifestation a su capitaliser sur l’engouement occidental pour la culture manga (au sens large) et accompagner le développement du cosplay en Europe. C’est ainsi qu’on peut y trouver plusieurs zones proposant des défilés libres ou des spectacles, sans oublier des concours. Japan Expo Sud organise ainsi la sélection française pour le World Cosplay Summit qui se déroule au Japon, pendant que Japan Expo Paris propose les sélections pour l’European Cosplay Gathering. Un village dédié regroupe des stands d’associations, d’exposants et des ateliers, ce qui permet d’obtenir des informations ou d’acheter costumes et accessoires. Ainsi, une communauté peut se retrouver et échanger autour de sa passion. Les relations virtuelles sont alors concrétisées et permettent de renforcer le sentiment d’appartenance à une grande famille. Cela permet de dépasser ce qui pourrait n’être qu’une simple « mascarade ».

L’estime de soi et la fierté identitaire, aidant à la construction de son identité, sont autant d’éléments qui font du cosplay autre chose qu’un simple déguisement. Certes, les deux permettent d’exprimer un certain exhibitionnisme et de jouer sur les codes vestimentaires, ce qui permet de s’affranchir temporairement de l’obligation à répondre à une certaine image. Cela est encore plus vrai au Japon où cette obligation d’apparence est omniprésente à l’école comme au travail : l’habit définit la fonction et correspond à un positionnement social. Le déguisement fait fi de ces conventions. Néanmoins, le cosplay se développe dans la durée et l’investissement personnel, ce qui permet un épanouissement personnel en plus d’un amusement. Car s’il s’agit principalement d’un loisir qui ne dure que quelques années, il demande un investissement certain, à la fois en temps, en compétence et en argent. La confection du vêtement est partie prenante du plaisir du cosplay. Il est d’ailleurs à noter que la réalisation du costume semble avoir une plus grande importance en Occident qu’au Japon, où l’on privilégie le jeu scénique, la reprise des mimiques et attitudes des personnages représentés. Quoi qu’il en soit, il s’agit d’une récréation avant tout, un brin subversive mais plutôt innocente.

Le tome 3 de Sexy Cosplay Doll développe cet aspect communautaire et festif en faisant intervenir deux nouveaux personnages : Juju, une cosplayeuse réputée sur les réseaux sociaux et sa sœur, sa photographe attitrée. En effet, la prise de vue est un complément indispensable au cosplay. Comme les performances en art contemporain, il est indispensable de figer l’instant où un personnage fictif prend vie. L’appareil photo, et ses accessoires, permet de donner une existence pérenne au jeu : les personnages, et leur costume n’existent que parce qu’ils sont vus. Surtout, il permet une diffusion indispensable à la constitution d’une base de fans. Cela peut poser un problème qui n’est que très peu abordé par le manga : les comportements inappropriés. Dans un domaine pourtant essentiellement féminin, les hommes sont à la manœuvre, soit comme organisateurs, soit comme photographes. Plus d’une cosplayeuse, en France, s’est plainte ces derniers temps : mains baladeuses, propos déplacés, voire harcèlement. Un photographe, célèbre dans le milieu, a fini par être mis à l’index. Peut-être que la mangaka abordera ce sujet dans un tome futur.

Il faut dire que certains cosplays ne sont pas très habillés, c’est le moins que l’on puisse dire. Toutefois, cela ne devrait pas être un problème. Malheureusement, la sexualisation du cosplay est inévitable, les personnages incarnés étant à l’origine (pour la plupart) érotisés, avec une sensualité souvent ambigüe pouvant déboucher sur un véritable fétichisme. En Occident, les filles (car ce sont principalement elles les victimes) qui jouent l’hypersexualisation de leur personnage se heurtent rapidement à des commentaires et des comportements révélant nos normes sociales qui régulent la sexualité féminine : la nudité est associée à sexualité. Si une cosplayeuse est peu habillée, c’est qu’elle « aime ça » pour un certain nombre d’hommes. À l’inverse, si la personne ne correspond pas aux canons esthétiques censés s’imposer à elle (poitrine trop petite, silhouette insuffisamment maigre, visage peu avenant, etc.), elle risque fort d’être confrontée à des remarques dégradantes et humiliantes. Dans le tome 3, la sexualisation de Marine, notamment lorsqu’elle interprète Black Lobelia, n’est là que pour émoustiller les lecteurs et être une source de gags, notre héroïne ne se rendant pas compte de l’effet qu’elle produit sur Wakana.

Chaque tome de Sexy Cosplay Doll est consacré à un nouveau costume que va devoir réaliser Wakana. Comme déjà dit, en Occident, il est important de réaliser soi-même le costume que l’on portera (pour concourir, il faut en réaliser soi-même au moins 80%). Il n’en est pas de même au Japon et ce troisième tome le montre bien. Certes, Marine ne met pas vraiment la main à la pâte, mais nous pouvons considérer que cela est une nécessité narrative. Avec l’arrivée en scène de Juju, le thème du « do it yourself » n’est évoqué qu’au détour de quelques dialogues. La mangaka permet toutefois de comprendre l’importance de mettre tout son cœur dans la confection des costumes, de l’importance de la maitrise des techniques de couture, mais aussi de maquillage afin de réussir à créer un véritable coup de foudre. Ce sont là des choses qu’une réalisation purement commerciale est incapable de provoquer, à moins que ça soit réalisé par un véritable artisan amoureux de son art. Cela n’a pas empêché le développement de toute une économie autour du cosplay au Japon. Il en est de même en France où des clubs et des sociétés commerciales apportent leur expertise et proposent différents services et produits.

Voici comment une série qui semble n’être qu’une simple comédie romantique lycéenne sexy, se déroulant dans le cadre rarement abordé du cosplay, se révèle proposer bien plus de contenu que prévu. Certes, toutes les notions abordées rapidement ici ne sont pas réellement développées, du moins pour l’instant, le manga étant toujours en cours au Japon. Néanmoins, Kana nous propose là un titre qui contient plusieurs niveaux de lecture. Il est possible d’apprécier uniquement le voyeurisme régulièrement proposé par l’auteure (il faut toujours garder en mémoire quel est le public visé par le support de prépublication) et de se délecter des gros plans sur les seins (toujours cachés par un vêtement) ou sur la culotte de Marine, tout en s’amusant des réactions de Wakana. Il est aussi possible de se laisser entrainer par la joie de vivre, la vitalité de Marine, ainsi que par le sérieux et la volonté de bien faire de Wakana, et de s’intéresser à un monde assez peu connu et souvent victime de préjugés.

Néanmoins, il est nécessaire de passer outre quelques défauts comme une certaine propension des personnages à larmoyer ou à rougir pour un oui ou pour un non. Ces exagérations sont certainement là pour apporter un peu de tension dramatique à un titre qui en manquerait étant donné les longs moments explicatifs qui parsèment les différents chapitres. La romance ne progresse pas, ce qui est un défaut typique des shôjo comme des shônen romantiques, et que l’on retrouve ici. Il s’agit pourtant d’une lecture intéressante à plus d’un titre, à condition de ne pas être rebuté·e par les grosses poitrines et les gros plans sexy. D’ailleurs, nous pouvons penser qu’il serait appréciable de pouvoir lire en français Complex Age, un titre en six tomes prépublié dans Morning (Kodansha) entre 2014 et 2015. Il aborde le sujet du cosplay à travers la vie de tous les jours d’une jeune femme de 26 ans, salariée et célibataire, qui a une passion secrète pour le genre gothic lolita. Elle se retrouve confrontée à l’écart grandissant entre son âge et son intérêt pour le cosplay, ce qui entraine questionnements et frustrations. Heureusement, une version américaine existe pour les plus impatient·e·s…

En proie au silence

Misuzu Hara est une jeune professeure dans un lycée d’une quelconque ville japonaise. Un de ses élèves (Nizuma) rencontre des problèmes avec ses camarades, accusé par la rumeur dans un premier temps d’être gay, puis de sortir avec une femme mariée. En tant que professeure principale de cet élève, c’est à elle de gérer le problème. Parallèlement à cela, Misuzu a fait la connaissance du fiancé (Hayafuji) de sa meilleure amie, Minako. Or, celui-ci devient rapidement son amant, Mizunu n’ayant pas su résister à ses avances. Elle se retrouve ainsi coincée dans une relation toxique basée sur le mensonge et la dissimulation. Il en résulte un nouvel exemple d’une relations homme-femme basée sur la contrainte et les rapports de force, force qui est du côté des hommes bien entendu, étant donné que nous sommes dans une société foncièrement sexiste, voire phallocrate.

Akane Torikai n’est pas une débutante dans l’industrie du manga : elle a plus de 15 années de carrière professionnelle. Elle a débuté en 2004 à l’âge de 23 ans. Après des débuts dans le shôjo (dont certains sont « matures »), elle s’est assez rapidement orientée vers des œuvres destinées à un public plus âgé en faisant du seinen dans Morning Two et du josei dans BeLove et dans Feel Young, ainsi que dans d’autres magazines dits culturels. Elle a actuellement une série en cours dans Big Comic Spirit intitulée Saturn Return. La série qui nous intéresse aujourd’hui, En proie au silence, a été prépubliée dans Morning Two entre 2013 et 2017 et a fait parler d’elle par son attaque directe de la phallocratie et la misogynie japonaise.

N’hésitons pas à le dire : le tome 1 n’est pas excellent, loin de là. Le propos d’Akane Torikai manque de subtilité et la narration n’est pas fluide. Le tout n’est pas aidé par un dessin sans originalité, très « seinen ». Il est toutefois de bonne facture et efficace, ce qui est le principal. Ajoutons à cela des personnages un peu trop caricaturaux et une narration reposant trop sur des récitatifs au début, et nous avons des éléments pouvant amener à laisser de côté la série. Nous sommes loin du chef d’œuvre annoncé (une fois de plus) par Akata (oubliez cette communication, un peu insupportable par ses perpétuelles exagérations). Heureusement, derrière ces quelques défauts, il y a un message, un contenu qui peut interpeller aussi bien le public féminin que masculin (ou du moins, qui devrait interpeller). Il est à noter que la lecture du tome 2 passe nettement mieux malgré un premier chapitre qui est dans la droite ligne du volume 1. La mangaka y développe ses personnages et leurs interactions, notamment par le biais de Misuzu et Nizuma. Surtout, elle continue à illustrer ses thèmes et à les approfondir. Elle en aborde même de nouveaux, comme celui de la liberté des femmes sur leur corps.

En proie au silence traite donc des relations homme-femme dans la société japonaise actuelle (mais cela est directement transposable dans les sociétés occidentales). Le thème principal est celui de la masculinité qui repose sur la misogynie et le sexisme. Akane Torikai fait le constat que les femmes sont à la disposition des hommes, notamment (surtout ?) sexuellement. Elle aborde différents thèmes dans le tome 1 comme l’obligation « d’être belle » et l’obligation de se marier. En effet, tel qu’il est conçu, le mariage est un mode de vie qui s’impose à tout le monde : le mariage garantit la cellule familiale et la solidarité intergénérationnelle. Le célibat est donc un problème, pas un choix de vie. Il y a une réprobation généralisée du célibat, notamment dans le monde du travail et au sein du cercle familial. C’est ainsi qu’il y a un « âge normal du mariage » qui est une horloge sociale imposée aux femmes plus qu’aux hommes. Les célibataires qui dépassent cet âge (30 ans au Japon) sont considérés comme des perdants, voire comme des parasites. Passé 35 ans, c’est fichu, il devient quasiment impossible de se marier alors que c’est une volonté qui semble partagée (du moins dans les sondages).

Il faut dire aussi que les rôles H/F sont distribués dans le mariage : il y a complémentarité et non égalité, surtout pour les tâches domestiques : l’homme doit avoir une situation financière stable et la femme doit s’occuper du foyer. Cependant, cette situation n’est confortable pour personne, y compris pour les hommes. En effet, la règle des 3 H (Haut niveau de rémunération, Haut niveau d’éducation et Haute taille) s’imposent à eux et malheur à ceux qui n’arrivent pas à correspondre à cette règle. Or, pour le confort de tous, à commencer pour les femmes dominées et exploitées car en état de dépendance financière, il vaudrait mieux que s’applique la règle des 3 C (Confort, Coopération, Communication).

Les relations amoureuses homme / femme passent par l’obligation d’être actifs pour les premiers, passives pour les secondes. En proie au silence présente plusieurs situations intéressantes illustrant ce thème et ses limites : il y a Erisa Misakana, la lycéenne très populaire qui n’a pas l’air soumise à Wadajima, son (plus ou moins) petit copain. Il y a aussi Niizuma qui a couché avec une femme mariée. N’oublions pas la petite amie officielle de Niizuma qui se demande si elle doit accepter les avances des (rares) garçons qu’elle intéresse (certes, elle a de gros seins mais elle est plutôt grosse et quelconque). Il y a surtout Hayajuji, le type même du prédateur sexuel qui sait manipuler les femmes pour obtenir ce qu’il veut : leur sexe. Ce même Hayajuji vit en couple avec Minako mais trouve toujours l’excuse du travail pour repousser les besoins de cette dernière. Le besoin sexuel féminin est ainsi plus ou moins mis en avant mais considère aussi que l’acte sexuel peut être une sorte de négociation entre la femme et l’homme, on couche pour exprimer le souhait d’être en couple. Cette considération se retrouve, confirmée ou infirmée par les différents personnages de la série.

Rappelons qu’au Japon, si le sexe masculin est glorifié notamment à travers plusieurs fêtes phalliques, celui féminin est tabou et ne doit pas être représenté. Megumi Igarashi s’en est aperçue à ses dépens lorsqu’elle s’est retrouvée en prison à cause de son « art vaginal ». Sa démarche artistique (représenter sa vulve sous différentes formes) est de casser le tabou entourant le sexe féminin, caché et qui doit le rester (lire son manga L’art de la vulve, une obscénité ? pour plus de détails). Ce tabou est un puissant instrument de contrôle des hommes sur les femmes, comme les deux premiers tomes d’En proie au silence le montrent. Akane Torikai rappelle aussi que dans la relation sexuelle, l’homme est la plupart du temps l’initiateur, le demandeur. Si dans l’imagerie érotique et pornographique, la femme doit démontrer sa « pureté » par le refus (modéré), du moins dans un premier temps. L’homme, par insistance et talent, va apporter la jouissance à la femme qui va finir par apprécier la relation. Il faut noter que ce n’est pas toujours le cas dans le manga et que la mangaka cherche à démonter ce fantasme masculin par différentes scènes de sexe (peu explicites en dehors d’un sein apparaissant ici ou là).

Ainsi, l’homme, initiateur des relations sexuelles dans nos sociétés, peut exercer la contrainte : relations forcées par manipulation mentale, ce qui peut être considéré comme un viol, même sans contrainte physique ni pénétration (au Japon, comme en France, pour qu’il y ait viol, il faut pénétration sinon, c’est une agression sexuelle). En proie au silence nous montre la difficile nuance entre acceptation passive et viol, et surtout nous montre les traumatismes qui peuvent en résulter. Que ce soit le comportement passé d’un ancien petit copain de Minako, qui a violé littéralement Misuzu (même si celle-ci ne se défend pas), ou les exigences sexuelles d’Hayafuji, le fiancé de Minako, une seule conclusion s’impose : l’homme est un agresseur, il exige et finit par obtenir ce qu’il veut de la femme.

Le sentiment de culpabilité, comme celui de honte, est un puissant outil de protection des agresseurs. Les femmes intériorisent ce qui leur est arrivé car elle se sentent coupables et honteuses. Le fait que la société refuse d’entendre et de comprendre la position des femmes abusées et va jusqu’à leur faire porter la responsabilité des actes qui se sont produits, permet ainsi une véritable culture du viol. Remarquons que dans le manga, comme cela se produit la plupart du temps dans la réalité, le viol est réalisé dans l’espace privé (au domicile ou dans un lieu de rencontre privé) par une connaissance (plus ou moins proche) de la victime et non pas par un inconnu dans l’espace public.

En proie au silence, malgré quelques défauts formels (surtout sur le premier tome), se révèle être une lecture indispensable et peut aider hommes et femmes à mieux comprendre à quel point le sexisme est toxique, surtout pour les femmes. Un changement rapide des mentalités est indispensable pour une relation plus harmonieuse et plus équilibrée. La postface de Moto Hagio proposée par le tome 2 va bien évidemment dans ce sens. Nous ne pouvons que féliciter les éditions Akata de proposer au lectorat francophone une lecture au contenu si important, pour ne pas dire vital.

Angoulême 2020, le bilan…

En 2020, la dernière semaine de janvier (et le premier week-end de février) a vu se dérouler le 47e Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême. C’est la tradition depuis 2005 : j’y étais en compagnie de mes petit·e·s camarades de Mangaverse / Éditions H. Il s’agit encore d’une excellente édition, comme d’habitude, depuis que Stéphane Beaujean en est le seul directeur artistique. Toutefois, je ne peux m’empêcher de ne pas être aussi enthousiaste pour Manga City. Si l’année dernière, nous y avions passé beaucoup de temps (au détriment du Conservatoire), ça n’a pas été le cas pour cette année. La raison est à chercher du côté du programme, trop grand public et ne nous intéressant que très peu. D’ailleurs, comme cette programmation manga ne trouvait pas grâce à nos yeux, je ne suis allé au festival que quatre jours (soit six demi-journées d’activités, à comparer aux neuf de l’année dernière étalées sur cinq jours), trajets aller-retour compris.

Comme déjà dit, le programme de Manga City était tout sauf attrayant à nos yeux, les tables rondes étant trop grand public et semblant être là surtout pour servir la soupe aux éditeurs. Or, si je ne vais plus à Japan Expo, ce n’est pas pour en retrouver ici une version miniature sans les activités de kermesse. Ceci dit, je ne suis pas le public visé et c’est certainement mieux ainsi pour le festival, les éditeurs et les festivaliers. Après tout, je suis une sorte de boussole inversée : si ça me plait, c’est l’échec commercial quasiment assuré. Et d’ailleurs, d’après ce que j’ai pu voir dans la presse locale, la fréquentation du lieu a notablement augmentée cette année. Est-ce dû au nouvel emplacement, derrière la gare SNCF et à côté de la médiathèque L’Alfa ? Pas totalement, je pense : le précédent emplacement n’était pas réellement plus excentré.

Il n’y avait que quatre animations que j’avais prévu de suivre : deux étaient impossibles du fait d’un conflit d’emploi du temps (Kan Takahama et le prix Konishi), une autre a été zappée pour faire autre chose (Bilal et Kishiro), restait une seule activité effective. Cela fait très peu sur la quantité totale (vingt-quatre). Malheureusement, l’entretien vidéo avec Rumiko Takahashi n’était pas très intéressant, c’est le moins que l’on puisse dire. Peut-être que la version longue qui sera disponible sur le site du festival sera meilleure (et qu’une faute de traduction sera corrigée : non, Ranma ne change pas de genre, il reste toujours un garçon en esprit même quand il devient une fille : il change de sexe !). J’étais intéressé par la rencontre entre Kishiro et Bilal sur la SF, mais l’animation n’a pas été très bonne (loin de là) d’après le retour que j’ai eu d’une festivalière et d’après le compte-rendu que j’ai pu lire sur ActuaBD. Du coup, pas de regret… À l’inverse, j’ai entendu dire que le Workshop de Kan Takahama était vraiment réussi. Dommage de ne pas avoir pu y assister mais j’avais un rendez-vous « pro » au même moment dans la bulle des droits internationaux. Il y a aussi « Les reprises de manga » que j’aurai (peut-être) aimé voir (sans savoir qui faisait l’animation de la table ronde, ce qui était un peu gênant) mais le dimanche matin était consacré au bâtiment Castro… pardon, au Vaisseau Moebius.

En effet, les tables rondes éditeurs sur les mangas de chat, ou de sport, ou de que sais-je encore, non merci. Idem avec les « Coming Soon » (annonce des titres à venir par les éditeurs). Quant aux conférences carrières, si j’ai bien compris, c’était les invités (enfin, les « seconds couteaux », les deux têtes d’affiche étaient en masterclass) des éditeurs qui venaient parler d’eux et de leur carrière. Ce n’est pas que c’était inintéressant ou incohérent comme programmation. Ce n’était simplement pas pour moi. Et je le répète, ce n’était pas une mauvaise chose, bien au contraire ! Sauf que la soupe des éditeurs ou le blabla d’auteurs dont je me fiche à peu près totalement ne peuvent pas passer avant les autres animations du festival, tant il est riche en propositions d’une grande diversité, chaque année.

À part ça, la bulle de Manga City était facilement accessible (ça descend à l’aller, c’est facile et rapide à pied, nous prenions la navette manga au retour), l’espace prévu pour les rencontres était vaste, bien pensé et à l’écart des stands. Les stands de Ki-oon, Glénat, Pika, Kana, Tsume, Taïwan, Hong-Kong, etc. étaient professionnels. Il n’y avait pas trop de boutiques de goodies mais, dommage,  celle de « sushis » n’était pas présente, remplacée par l’enseigne Colombus (une chaine dont je suis très client). De plus, il était facile de circuler dans les allées (certes, je n’y suis pas allé le samedi ni le dimanche…), ce qui n’a pas toujours été le cas par le passé. Bref, rien à redire sur l’espace proprement dit, sauf que je n’y ai mis les pieds qu’à deux reprises, et assez rapidement à chaque fois. Mention spéciale pour le concours permettant de gagner un très beau tirage numérique dédicacé de l’illustration pour l’affiche réalisée par Rumiko Takahashi. C’était bien animé et amusant à suivre.

Toute l’équipe est allée à la masterclass d’Ino Asano qui se déroulait au Théâtre. Cette année, elle était intéressante, Lloyd Chéry avait bien haussé son niveau de jeu en ce qui concerne les questions. Et le mangaka nous avait préparé une longue (un peu redondante, même) explication visuelle de sa façon de dessiner en incorporant des photos retraitées pour ne laisser que les lignes afin de redessiner par dessus, ou en utilisant des outils 3D, allant même jusqu’à réaliser (projet en cours) une véritable ville aux bâtiments détaillés, y compris avec leur intérieur. Les deux heures sont vite passées malgré un état de fatigue très prononcé en ce qui me concernait.

Car, oui, une fois de plus, ce qui nous a intéressés le plus au festival (outre les expositions), ce sont les rencontres ou conférences. Sur ce point, une fois de plus, nous n’avons pas été déçus. Concernant les rencontres internationales, qu’elles soient à Franquin ou au Conservatoire, ça a été un plaisir. Comme souvent, nous avons été très « comics » cette année. Quoique pour moi, ça a été compliqué à cause des sempiternels conflits du samedi. Je n’ai pas pu aller à la rencontre avec Burns pour finir d’écrire ma propre conférence (je sais, c’est lamentable). J’ai aussi raté une heure de la conférence du formidable Alex Nikolavitch sur Warren Ellis à cause de la mienne, de conférence (au moins, j’avais uniquement à changer de salle et j’ai un enregistrement de ce que j’ai manqué) qui était aussi en conflit avec la rencontre avec Seth (mais comme pour Burns, j’ai un enregistrement et des photos grâce à Manuka, qu’il en soit mille fois remercié). Pour Burns et Seth, je peux aussi espérer les vidéos sur le site du festival, des captations semblent avoir été faites. Enfin, j’ai pu assister à la rencontre internationale avec Derf Backderf, qui était très réussie même si un des co-animateurs était vraiment trop bavard et qu’on a perdu pas loin de trente minutes à cause du dépassement de la rencontre précédente (sans oublier le casque de traduction simultanée en panne, heureusement que Backderf parle de façon compréhensible pour mes oreilles plutôt réfractaires à l’anglais).

L’autre grand intérêt du festival : le programme des expositions. Cette année encore, nous avons été conquis. Certes, tout n’est pas parfait ou tout ne nous intéresse pas mais, en matière de bande dessinée, nous avons ce qui se fait de mieux en francophonie, institutions muséales parisiennes ou bruxelloises compris. J’ai visité la moitié de la quinzaine d’expositions proposée. Les deux du Quartier Jeunesse comme celle consacrée à Catherine Meurisse ont été zappées par manque de temps. Pour « Catherine Meurisse, chemin de traverse », je pense que j’ai évité de le perdre, mon temps, vu qu’elle semblait être sans intérêt, surtout après avoir vue celle proposée par le Pulp Festival. J’aurai bien essayé d’aller à PFC #7 si j’avais pu y accéder facilement. Mais le temps manquait pour essayer de la trouver dans l’Espace Franquin. Après, moi et l’expérimentation en BD… Nous avons aussi zappé « La bande d’Antoine Marchalot dessinée » et « Aparté aquatique » : pas d’atomes crochus, pas le temps d’être curieux.

L’exposition « Les mondes de Wallace Wood » est celle qui a ma préférence. Certes, elle était un peu pointue et parfois un peu technique, mais quel bonheur de retracer, via l’artiste, plusieurs pans de la BD américaine, des westerns d’EC Comics aux magazines alternatifs, en passant par les productions grand public de Marvel et surtout par le magazine MAD (c’est par ce biais que j’ai découvert l’auteur il y a bien longtemps). Autre exposition du Musée d’Angoulême : « Yoshiharu Tsuge, être sans exister ». Sans ressentir l’enthousiasme des expositions consacrées à Osamu Tezuka (2018) et Tayou Matsumoto (2019), cette exposition est, elle aussi, vraiment réussie (comme celle sur Wood, il est possible de la visiter jusqu’à la mi-mars). Conçue chronologiquement (ce qui colle aux grandes évolutions de l’artiste), on comprend mieux l’importance du mangaka et pourquoi il se considérait comme un raté (ce qui n’était pas toujours faux, il a eu des ratés). Une fois de plus, les expositions du musée d’Angoulême sont d’un très haut niveau.

J’ai été favorablement surpris par l’exposition consacrée à Nicole Claveloux. Nous avons pu découvrir une auteure au parcours original (passant d’Ah!Nana à Okapi en passant par Métal Hurlant) et à la création diversifiée, sans oublier ses nombreuses peintures exposées à l’étage. Dommage qu’il était plus que jamais pénible de profiter de l’Hôtel Saint-Simon avec une (longue) attente pour entrer et une autre file d’attente pour aller à l’étage. Celle sur Calvo, située au Musée de la bande dessinée est réussie, intéressante et historique (il est possible de la visiter jusqu’à la fin du mois de mai). J’ai aussi beaucoup aimé celle consacrée à Jean Frisano, ça me rappelait les illustrations des publications Lug que j’ai achetées pendant quelques temps à la fin des années 1970. Les expositions « Robert Kirkman, Walking Dead et autres mondes pop », « Gunnm, l’ange mécanique » et « Lewis Trondheim fait des histoires » étaient bien sympathiques, ça aurait été dommage de les rater mais elles ne me laisseront pas un souvenir impérissable, à la différence de celles du Musée d’Angoulême. Il n’y en a qu’une que j’ai trouvé très moyenne, celle de Pierre Christin : pas pour les planches originales de Mézière ou de Bilal, superbes la plupart du temps, mais pour la scénographie un peu foutraque et surtout les textes que j’ai ressentis un peu comme claironnant « je suis un génie de la BD et je vous le démontre, croyez-moi sur parole ».

À l’arrivée, voilà une édition réussie, où j’ai pas trop mal organisé ma présence, seuls les conflits d’emploi du temps du samedi et un programme d’animations à Manga City empêcheront d’être aussi enthousiaste qu’en 2018 et, surtout, qu’en 2019. De plus, cette année, je n’ai pas trop mis les pieds dans les bulles : un passage rapide pour un rendez-vous au Marché des droits, deux passages au Nouveau monde (notamment pour quelques achats au stand du Lézard Noir et à la boutique du Festival), rien pour Le Monde des bulles et pas plus en Para-BD. Du coup, j’ai fait très peu de photos de ces sites emblématiques du festival. Pas grave, je les connais par cœur ! Il ne reste plus qu’à attendre les prochains mois pour avoir une idée de ce qui nous attends pour l’édition 2021.


Le Pavillon des hommes, le petit guide (II-2)

Avec la sortie du tome 16 du Pavillon des hommes, il est plus que temps de reprendre le dossier et de proposer la deuxième partie de la dernière partie. Outre les résumés des volumes 8 à 15, et pour agrémenter le billet, vous pouvez trouver ci-après une galerie d’illustrations couleurs proposées au début de chaque livre, histoire de vous donner envie de vous (re)plonger dans cette excellente série, une des meilleures qui ait pu être publiée au Japon.

Mais avant d’attaquer les résumés, voici un rappel concernant les shoguns des volumes 8 à 16.

Volume 8

Dans ce volume, Fumi Yoshinaga remet les gens du peuple à l’honneur avec le personnage du cuisinier. Celui-ci se heurte à un plafond de verre ; est-ce pourtant sa faute s’il n’est qu’un homme ? Ainsi, sa patronne lui annonce que, malgré son talent, il ne pourra pas davantage progresser dans sa carrière, en raison de son sexe. Quel sentiment de révolte chez nous de voir ce cuisinier si talentueux renvoyé à sa condition masculine. En guise de consolation, ce personnage permet à la mangaka de détailler divers plats, avec les ingrédients, la cuisson, les sauces…

Du côté du shogunat, Yoshimune fait face à un problème de succession. L’aînée de ses trois filles, supposée être l’héritière officielle, est handicapée. Elle ne contrôle pas son corps et elle est laide. Toutefois elle n’est pas intellectuellement affectée par son handicap, loin de là, comprend-on. Plus tard, elle deviendra d’ailleurs shogun sous le nom de Tokugawa Ieshige. Par ailleurs, Fumi Yoshinaga profite de ce huitième tome pour présenter sa servante, un personnage de l’ombre qui deviendra un important conseiller du bafuku.

L’intrigue amorcée dans le septième volume (comment endiguer de la variole du tengu), reprend sur la fin du volume. Oubliée un temps, l’épidémie revient donc sur le devant de la scène. Mais maintenant, il y a de l’espoir. Fumi Yoshinaga évoque ici le développement de la médecine hollandaise au Japon, qui prend de plus en plus d’importance face à l’école chinoise. La fin du tome introduit donc deux personnages, celui que l’on voit en couverture de ce huitième opus, mais aussi son compagnon de voyage, visible sur le tome suivant. La guérison pointe le bout de son nez !

Volume 9

Tokugawa Ieharu devient shogun suite à la décision d’Ieshige, sa mère, de quitter ses fonctions pour se retirer de la vie politique. Malgré son jeune âge, la nouvelle dirigeante du shogunat impose à ses subordonnées ses volontés, à commencer par celle de trouver un remède à la variole du tengu.

Aonuma, originaire de Nagasaki, fils d’une courtisane et d’un Hollandais, a pris la fonction de scribe au Pavillon. Cependant, il est là pour enseigner la médecine hollandaise tout en faisant des recherches sur la variole du tengu, ce qui ne plait pas aux médecins installés, versés dans les techniques chinoises et refusant les apports occidentaux. Il faut dire qu’il est impossible de ne pas remarquer Aonuma, étant donné sa taille et la couleur de ses cheveux. De plus, il a hérité des yeux bleus de son père. Ainsi, il incarne l’étranger dans toute son horreur ! Pire encore, il démontre à longueur de temps ses compétences de médecin.

Gennai est à la fois samouraï sans maître, savant, inventeur et écrivain, sans oublier qu’il s’agit d’un « coureur de jupons » qui plait à de nombreuses femmes. Il parcourt le Japon afin d’accumuler des informations sur la variole du tengu qu’il rapporte ensuite à Aonuma, qu’il a connu à Nagasaki. Pourtant, c’est en réalité une femme qui se fait passer pour un homme, et qui ne le cache pas. Comme en plus il s’agit de quelqu’un qui n’a pas sa langue dans sa poche, nous avons là un sacré personnage.

Cependant, voir au Pavillon un demi-étranger et une femme travestie n’est pas sans causer quelques résistances, pour ne pas dire d’inimitiés féroces notamment de la part de Munetake qui n’a jamais supporté de voir Ieshige, sa sœur ainée, devenir shogun alors qu’elle même le méritait bien plus. De plus, elle ne supporte pas cette ouverture envers l’Occident, qui, pour elle, remet en cause les fondements du bafuku.

Volume 10

À la recherche d’une variante moins mortelle de la variole du tengu pouvant servir de base à un vaccin, Gennai, pourtant atteinte d’une maladie mortelle et incurable suite à un viol organisé par une ancienne amante et une puissante inconnue, continue à parcourir le Japon en long et en large. Pendant ce temps, Aonuma continue ses recherches, aidé par Iyokichi et quelques autres personnes. Ce dernier, quoiqu’un peu trop âgé, est le premier Japonais à servir de cobaye.

Cependant, une faction conservatrice qui voit « d’un mauvais œil cette invasion de pensées hollandaises », complote dans l’ombre. À force de répandre mensonges et calomnies dans Edo, elle est en position de profiter des différentes catastrophes naturelles qui ont frappées la ville, semant mort et désolation. Ayant réussi à déstabiliser le shogun à force d’assassinats et de complots, cette faction arrive à atteindre le but recherché : prendre le pouvoir. Cerise sur le gâteau, elle réussit aussi à obtenir la vie d’Aonuma mais celui-ci a eu le temps de mettre au point un vaccin contre la variole du tengu et à prouver son efficacité.

Volume 11

Ienari, un homme, est le onzième shogun (après plus de cent trente années de femmes au sommet du pouvoir). Sous son règne, la société japonaise va reculer d’au moins cinquante ans, principalement à cause des mauvaises décisions de Dame Harasuda, sa mère. Celle-ci pense plus au pouvoir qu’elle exerce à travers son fils qui est entièrement sous sa coupe qu’au shogunat et à l’amélioration de la vie quotidienne de ses sujets.

Traditionaliste, pour ne pas dire rétrograde, elle ne supporte pas l’existence des étrangers et c’est ainsi qu’enseigner la médecine hollandaise n’est plus autorisé, que le vaccin contre la variole du tengu n’est plus administré aux jeunes garçons. Pourtant, elle en avait fait bénéficier Ienari lorsqu’il était enfant. Il faut dire que ce danger qui pèse sur toute progéniture masculine est un bon outil de pouvoir et permet maintenir une certaine mainmise sur la société japonaise, notamment sur les provinces.

C’est ainsi que le Pavillon est interdit aux hommes, il n’y a plus que des femmes qui sont là pour se faire « féconder » par Ienari, devenu un simple reproducteur, comme le serait un étalon. Mal géré, le bakufu se retrouve à nouveau ruiné. Pire, en ayant chassé les Hollandais et leur puissante flotte commerciale, le Japon n’est plus protégé des autres puissances occidentales.

Volume 12

Ienari, s’opposant à sa mère pour la première fois de sa vie (ce ne sera pas la dernière), veut propager le vaccin contre la variole du tengu, se souvenant que lui en a bénéficié lorsqu’il était enfant, ce qui lui a vraisemblablement sauvé la vie.

Du coup, Kuroki, un ancien disciple d’Aonuma, qui continue à pratiquer la médecine hollandaise dans son dispensaire, est pressenti pour reprendre les recherches là où elles avaient été s’étaient arrêtées afin de mettre en place une solution que l’on pourrait déployer à large échelle. Recruté par le bafuku à l’insu de Dame Harasuda, Kuroki rejoint le bureau d’Astronomie où il travaille avec Yageyasu Takahashi, une des rares femmes scientifiques exerçant au Japon.

Surtout, une nouvelle épidémie de la variole du tengu comme le Japon n’en avait pas connu depuis vingt ans, se met à faire des ravages dans l’ensemble des provinces. Ienari a enfin la possibilité de généraliser le vaccin et de tenir tête à sa mère. Celle-ci, bien qu’ayant plus ou moins abandonné le pouvoir à ses conseillères pour se consacrer aux plaisirs terrestres malgré un âge assez avancé, ne supporte pas qu’on contrevienne ainsi à sa volonté. Pour éliminer toute opposition ou résistance, elle ne connait qu’un moyen, l’empoisonnement. Malheureusement (ou heureusement pour les Tokugawa), sa tentative pour se débarrasser de son fils va se retourner contre elle.

Volume 13

La variole du tengu ayant été vaincue, le nombre d’homme dans la société japonaise est remonté en flèche. Ienari, atteint de misogynie sur ses vieux jours, en a profité pour rétablir la primogéniture masculine dans la succession au sein du bafuku et redonné aux hommes le pouvoir de chef de famille.

Cependant, en plus d’un siècle de domination politique féminine, les mentalités ont du mal à évoluer, même pour en revenir à une situation passée. Dans certains fiefs et même au sein du bafuku, les femmes n’ont pas encore dit leur dernier mot et certaines possèdent toujours le pouvoir, même s’il se fait plus dans l’ombre.

Pendant ce temps, le Japon apprend que l’empire des Quing a été vaincu par l’Angleterre. Les Occidentaux ne seront peut-être pas chassés aussi facilement que le pense certains, à commencer par Nariaki, de la branche Mito des Tokugawa. De plus, l’actuel shogun, Ieyoshi, n’a pas les capacités (c’est le moins que l’on puisse dire) pour gérer une crise qui va forcément arriver, provoquée par des puissances étrangères de plus en plus pressantes. Il est donc nécessaire qu’il laisse la place à quelqu’un de plus compétent.

Volume 14

Tokugawa Iesada est la nouvelle shogun, la treizième. Après une interruption qui aura vu le retour des hommes au pouvoir et qui aura durée cinquante-six années suite à l’éradication de la variole du tengu, voilà le retour d’une femme au plus haut sommet de l’Etat, ce qui ne s’est pas fait sans mal tant les mentalités ont vite évoluées. En effet, nombreux sont ceux qui pensent que si le Japon a pris du retard sur l’Occident, cela est dû aux femmes qui n’ont pas su gouverner pendant la période de la variole du tengu et que leur infériorité « naturelle » est la cause du désavantage militaire du Japon par rapport aux USA ou à l’Europe.

Les dossiers qu’Iesada a à gérer son nombreux (la présence de plus en plus pressante des étrangers, une épidémie de choléra que ceux-ci ont amené de l’Occident, son incapacité à avoir un enfant, etc.) et la plupart engagent la survie même du clan, à commencer par la nécessité d’avoir une descendance. Sire Tadasumi, un samouraï de Satsuma, est choisi pour devenir l’époux du shogun afin de lui permettre d’avoir des enfants.  Il n’imagine pas un seul instant qu’il va avoir affaire à une jeune femme traumatisée par les abus sexuels qu’elle a subi lorsque son père était au pouvoir. En effet, celle-ci va devoir lutter contre ses démons pour pouvoir répondre aux attentes placées en elle. Heureusement, Tadasumi, samouraï venu de l’extérieur du Pavillon, se révèle être à la fois très beau, intelligent et compréhensif.

Il lui faudra user de toutes ses qualités pour réussir à survivre entre les factions opposées, certains daimyô étant pour l’ouverture, d’autres étant partisans de l’expulsion des étrangers. Le choix est crucial, le consul américain Harris s’étant installé à Shimoda sur la péninsule d’Isu. Toutefois, cette lutte n’est-elle pas un peu vaine, du moins de notre point de vue, en sachant qu’il ne reste plus que deux shoguns et une douzaine d’années à couvrir avant l’arrivée de l’ère Meiji et la disparition du bafuku qui avait été mis en place en 1603.

Volume 15

Iesada Tokugawa étant de constitution fragile, elle tente d’organiser sa succession, désespérant d’avoir un fils qui pourrait lui succéder, voire une fille. Pourtant, elle est enceinte mais les chances d’arriver à terme, voire de survivre à cette épreuve sont minces. Elle choisit donc comme successeur potentiel la jeune princesse Tomiko de la branche des Kishû. Cependant, elle l’a fait au détriment de sire Yoshinobu, un jeune samouraï très doué poussé par la branche Mito des Tokugawa et qui est persuadé que le pouvoir lui revient de droit.

De plus, la possibilité qu’Iesada réussisse à enfanter le prochain shogun n’enchante pas Ii Naosuke, le Grand Conseiller, qui risquerait ainsi de perdre la main sur la maison shogunale. Les divisions internes sont donc plus que jamais exacerbées alors que le Japon est de plus en plus sous la pression des Américains qui veulent conclurent un traité d’amitié et de commerce, à leur avantage, bien entendu… La négociation est rendue encore plus difficile par le refus impérial de conclure tout accord avec les étrangers. Pourtant, il est indispensable pour le Japon de se prémunir des visées colonialistes de l’Angleterre ou de la France, deux nations de plus en plus présentes en Asie. Le traité est donc signé sans l’approbation de l’empereur, ce qui n’est pas causer des remous, d’autant plus qu’Iesada est morte pendant sa grossesse, peut-être empoisonnée, mais par qui ?

Le bafuku se retrouve plus que jamais fragilisé au profit du pouvoir impérial, et ce n’est pas en se vengeant du fief de Mito qui tentait d’influencer la noblesse impériale et en faisant régner la peur qu’une solution pérenne peut être trouvée. Ce sera la tâche du nouveau shogun, Tomiko devenant Tokugawa Iemochi. Et pour aider à la réconciliation des factions anti et pro ouverture du Japon aux étrangers, elle va avoir pour époux un prince de la cour impériale : Kazumomiya.

Le résumé du huitième tome a été originellement rédigé par a-yin à qui j’adresse mes plus grands remerciements.

Le phénomène manga (2ème partie)

Si les éditeurs japonais n’ont pas eu l’idée d’exporter le manga dans le monde entier (le marché de la bande dessinée japonaise est largement supérieur à l’ensemble des marchés des bandes dessinées du reste du monde, États-Unis et Francophonie compris), l’intérêt porté par certaines personnes en Occident ont fini par les convaincre du potentiel commercial du manga à l’international, et ce, sous toutes ses formes.

Pourtant, la France est restée longtemps réfractaire au manga et le mouvement est venu plutôt de Suisse, d’Amérique, d’Italie et d’Espagne.

Des débuts laborieux

La première incursion du manga en Europe s’est faite par le biais de la Suisse, plus précisément grâce à un Japonais qui a émigré à Genève : Atos Takemoto, comme cela nous l’a été rappelé en 2018 lors de deux excellentes tables rondes sur les « 30 ans de manga en France », la première étant donnée en janvier au Festival d’Angoulême, la seconde en décembre à la MCJP.

Aidé par un éditeur activiste, Rolf Kesselring, libraire et éditeur à Yverdon (au Nord de Lausanne), Atos Takemoto fonde la revue Le Cri qui tue en 1978 (qui s’arrêtera en 1981 après 6 numéros). Il a fait ainsi découvrir en version française des auteurs majeurs comme Takao Saito, Shôtaro Ishinomori, Yoshihiro Tatsumi et Osamu Tezuka. Kesselring a même édité une histoire de Sabu & Itchi (actuellement disponible dans l’intégrale parue chez Kana) en 1979 : Le Vent du nord est comme le hennissement d’un cheval noir. Il s’agit du premier manga publié en français sous forme de livre relié. Cependant, cette première tentative se révèle être un échec et ne connait pas de suite. En 1983, l’éditeur alternatif Artefact publie Hiroshima de Yoshihiro Tatsumi (disponible dans l’intégrale consacrée à l’auteur éditée par Cornélius), mais là aussi, c’est sans lendemain.

Il y a plusieurs raisons à ces différents échecs. Il est possible de penser que le protectionnisme français envers toute bande dessinée qui n’était pas française (même la BD belge était en butte avec des tracasseries administratives françaises) se combinait au conservatisme des journalistes (spécialisés ou non) de l’époque qui ne juraient que par la bande dessinée de leur jeunesse. Pour un Thierry Groensteen curieux et même auteur d’une excellente introduction au manga en 1993, combien à l’esprit totalement fermé à ce qu’ils ne connaissaient / comprenaient pas ? De plus, le public visé n’était pas le bon, il aurait fallu viser un public plus jeune, comme cela s’est fait avec les animés et donc proposer du shônen et non du seinen. Après tout, le manga est avant tout, y compris au Japon, destiné aux jeunes.

La déferlante des animés

Le Roi Léo a été le premier dessin animé japonais à être diffusé en France en 1972 (puis rediffusé en 1976 sur TF1). Cependant, la déferlante arrive avec Récré A2 qui propose à partir de juillet 1978 Goldorak puis Candy Candy à partir de septembre 1978. Ensuite, viendront les années 1980 avec Albator, Cobra, Lady Oscar, etc. Le Club Dorothée débute en 1987 sur TF1 après que Dorothée soit partie de la deuxième chaine vers la première. C’est dans ce programme qu’Astro le petit robot (1988), Les Chevaliers du Zodiaque (1988), Dragon Ball (1988), Galaxy Express (1988), Ken le survivant (1989), etc. sont diffusés pour la première fois en France.

Derrière Le Club Dorothée, on trouve AB Production (société productrice de Dorothée depuis la fin des années 1970) qui se constitue au fil des ans un catalogue très important de séries japonaises. Tout est bon à prendre à l’époque, sans trop se poser de question. On retrouve par la suite (entre 1991 et 1992) ce catalogue dans feue La Cinq (qui s’était constituée son propre catalogue d’animés à partir de 1987) puis sur le câble et le satellite via la chaine AB Cartoons à partir de 1996. C’est ainsi que plusieurs générations d’enfants vont être nourries par les animés.

Ce phénomène des dessins animés japonais sur les chaines de télévision va déboucher sur une diabolisation du manga en général, notamment par deux textes qui ont eu une réelle influence sur la perception du manga par le grand public, mais aussi par les journalistes et critiques, spécialisés ou non. En 1989 parait le fameux livre de Ségolène Royal : Le Ras-le-bol des bébés zappeurs. Cet ouvrage a stigmatisé la qualité médiocre, la violence gratuite et le marketing agressif des dessins animés japonais, et par extension du manga papier, qui pour être des réalités, ignore totalement certains faits.

En effet, la qualité médiocre des animés a une explication historique et économique liée à la notion d’animation limitée inventée aux Etats-Unis dans les années 1950 et portée à un niveau inégalé au Japon, notamment avec les premières séries d’animation de Tezuka Productions. La violence est liée à une certaine inadéquation entre le public visé sur les télévisions françaises et les séries diffusées. On peut penser tout particulièrement à Ken le survivant. C’est oublier aussi que les programmes pour enfants diffusés auparavant étaient particulièrement lénifiants et peu intéressants passé un certain âge. C’est oublier aussi l’origine des animés : le Japon où la violence n’est pas perçue ou traitée comme en Occident. Enfin, le marketing agressif était celui des chaines françaises, de TF1, de La Cinq et d’AB Production. Rappelons que les éditeurs japonais n’étaient pas particulièrement vendeurs à l’époque.

En 1996, Le Monde diplomatique publie un article de Pascal Lardellier, « Ce que nous disent les mangas… », qui stigmatise plus précisément la production imprimée pour y voir une invasion culturelle, un péril commercial lié au comportement des éditeurs japonais qui veulent envahir le monde par le biais du soft power. Il reprend à cette occasion largement l’argumentaire de Ségolène Royal : l’ultra violence, le dessin simpliste et la puissance d’une industrie du divertissement. De la part d’un universitaire, un tel travail est inadmissible d’ignorance et de désinformation. Pourtant, L’univers des mangas : Une introduction à la bande dessinée japonaise de Thierry Groensteen était passé par là, entre sa première édition en 1993 et sa réédition augmentée en parue en 1996.

Mais peut-être que ce qui explique le texte indigent de Pascal Lardellier est l’arrivée en France en 1990 d’une bombe dessinée : Akira de Katsuhiro Ôtomo !

1990-93, années charnières

Akira est le premier succès (plus ou moins) grand public en France. Ceci dit, cela n’a pas été immédiat, il a fallu que Glénat insiste et bénéficie de l’engouement pour le titre provoqué par la sortie du film d’animation dans les cinémas français en mai 1991.

La série a tout d’abord été publiée en fascicule par le biais de la distribution presse (en kiosque, donc) entre mars 1990 et février 1992. Elle était réalisée à partir d’une version américaine (c’est-à-dire inversée et colorisée). Ensuite, Glénat l’a sortie en version reliée à partir de janvier 1991 dans les librairies spécialisées. La série totalise ainsi 14 tomes en couleur, sens de lecture occidental (les planches sont retournées) et avec des couvertures cartonnées (31 tomes pour la version brochée diffusée en presse, interrompue avant la fin).

Devenue une série culte, Akira est rééditée en version N&B et mais toujours en sens de lecture occidental entre 1999 et 2000, cette fois en 6 volumes épais bénéficiant d’une nouvelle traduction, réalisée à partir du japonais. Enfin, entre 2016 et 2019 (il a fallu être patient), l’éditeur grenoblois a réédité une nouvelle fois la série en N&B mais dans le sens de lecture original.

Il faut savoir qu’au Japon, Akira, grâce à ses qualités graphiques et narratives, a aussi été à l’origine d’un choc et a permis au manga d’évoluer, de se renouveler profondément, ce qui en fait, là aussi, une œuvre culte.

Ensuite, en France, c’est ce même système avec une sorte de prépublication en kiosque avant une sortie en volume relié qui est appliqué à Dragon Ball. Le premier demi-tome sort en presse en février 1993. Le premier tome relié sort en librairie BD en mai 1993. Elle est aussi en sens de lecture occidental, comme tous les mangas édités par Glénat, mais reste en N&B. Le succès est très rapide, sauvant ainsi commercialement l’éditeur grenoblois qui n’était pas, à ce qu’on dit, à son meilleur économique à l’époque. Le phénomène manga était lancé !

Le phénomène Tonkam

Ou plutôt le phénomène Dominique Véret !

Tonkam, à l’origine une librairie située dans le 12e arrondissement de Paris spécialisée dans l’import de la culture pop japonaise, est devenu un éditeur de manga en 1994. Cependant, à la différence de Glénat ou un peu plus tard de Kana puis de J’AI LU, ne propose pas des titres dont la notoriété reposait sur une diffusion télévisuelle de son adaptation en animé. Les premières séries japonaises publiées par Glénat sont Dragon Ball (1993), Ranma ½ (1994) et Sailor Moon (1994). Kana se lance dans le manga (après avoir débuté avec du simili-manga coréen) avec Les Chevaliers du Zodiaque (et l’interminable Détective Conan). De plus, Tonkam publie dès le début (sauf exceptions pour les titres emblématiques de Tezuka) en sens original, sans retournement des planches.

Par exemple, Tonkam a été le premier éditeur à proposer une comédie romantique shônen avec Vidéo Girl Ai de Masakazu Katsura. Mais surtout, il a fait découvrir au public francophone les shôjo manga des CLAMP avec RG Veda (1995) et Tokyo Babylon (1996). Il s’agit là de titres reposant sur l’ésotérisme et le fantastique japonais et qui propose un dessin et une narration différente de ce qu’il était possible de lire à l’époque. Certes, ce ne sont pas les premiers shôjo proposés en langues françaises puisque Candy Candy et Sailor Moon étaient déjà sorti en version reliée. Il faut dire que Dominique Véret a toujours voulu faire découvrir la culture japonaise, notamment fantastique et spirituelle.

C’est aussi Dominique Véret, cette fois chez Akata qui dirigeait alors la collection manga des Editions Delcourt, qui a montré que les mangas à destination des filles pouvaient être de gros succès commerciaux grâce à Nana d’Ai Yazawa et Fruit Basket de Natsuki Takaya. Il a ainsi aidé au développement d’une littérature BD à destination d’un public féminin, très largement ignoré jusqu’ici par la bande dessinée franco-belge.

Le phénomène Naruto

Naruto a été publié par Kana entre mars 2002 et novembre 2014. Il s’agit d’un gros succès commercial qui totalise plus de 12 millions d’exemplaires vendus en francophonie.

Il est emblématique de la façon dont se font les ventes d’un titre à succès. Il faut généralement une à deux années pour que le titre s’installe. Ensuite, s’il bénéficie d’un effet de mode qui se développe généralement dans les collèges, souvent souvenu par la diffusion à la télévision d’un animé, cela va permettre au titre un décollage vertigineux des ventes. Il devient ainsi un phénomène commercial. Ensuite, un pic est atteint et la série n’arrive plus à recruter suffisamment de nouveaux lecteurs pour compenser l’érosion habituelle des ventes (un phénomène de pertes de lecteurs qui s’amplifie à chaque nouvelle sortie).

La sortie de Boruto a permis à Naruto de ne pas disparaitre dans les limbes de l’histoire, à l’instar Dragon Ball qui a bénéficié des déclinaisons « Z », « GT » et « Super ».

La relève One Piece

One Piece est un cas intéressant. Il est sorti avant Naruto (en septembre 2000) mais n’a réellement connu un grand succès en France qu’après la fin de de la série au petit ninja orange.

Il s’agit actuellement de la série qui connait les meilleures ventes. Elle est toujours en cours au Japon et représente le manga au plus gros succès commercial de tous les temps, même si la série voit ses ventes décliner depuis quelques années après avoir connu au Japon des tirages supérieurs à 4 millions d’exemplaires pour chaque nouveau tome. D’ailleurs, toujours au Japon, One Piece a toujours eu un plus grand succès que Naruto, de loin.

Les petits nouveaux

Actuellement, les titres les plus à la mode en Francophonie sont My Hero Academia, la nouvelle version de Dragon Ball, intitulée « Super », et The Promised Neverland. Il s’agit dans ces trois cas de shônen, tous issus du Weekly Shonen Jump, comme d’habitude.

Cela montre que le manga, que ça soit au Japon (la source d’approvisionnement) ou en francophonie, a réussi à se renouveler et que la crise du début des années 2010 n’est plus qu’un mauvais souvenir. Du moins, jusqu’à la prochaine chute des ventes…

Le phénomène manga (1ère partie)

La première édition du Festival Cherisy Manga a eu lieu ce dimanche 6 octobre. J’y ai donné une conférence intitulée Le phénomène manga au Japon et en France dont je vous propose ici la première partie (Japon) :

Le phénomène manga, au Japon, date de l’après seconde guerre mondiale même si la bande dessinée japonaise existe depuis le début du 20e siècle. Apparu durant les années 1950, le manga que l’on pourrait qualifier de moderne s’est développé dans les décennies suivantes, atteignant son apogée au mitan des années 1990. La Francophonie (France, Suisse, Belgique principalement) l’a découvert dans les années 1970 par le biais des dessins animés diffusés à la télévision, puis à partir des années 1990 en version papier avec Akira puis Dragon Ball.

Qu’est-ce que le manga ?

Pour les puristes francophones, le manga est le terme désignant la bande dessinée d’origine japonaise, tout comme comics désigne la BD américaine, les fumetti, celle venue d’Italie, etc. Pour le grand public, le manga est surtout représenté par les séries animées d’origine japonaises passant à la télévision, bien plus que par la bande dessinée, largement moins connue.

Au Japon, le terme manga représente, là aussi, plus que la bande dessinée, alors que cette dernière est très présente dans le quotidien des Japonais. D’ailleurs, pour parler de BD, les Japonais utilisent plutôt le terme de komikku (comic), emprunté aux américains. En fait, on pourrait parler ici d’univers manga, voire de culture manga, même si le terme ici recouvre un nombre important de situations et d’œuvres très différentes. Par exemple, pour parler des séries d’animation, le terme est plutôt terebi manga (manga TV) (même si c’est moins vrai depuis quelques années) qu’anime (son équivalent occidental).

De la bande dessinée…

Pour nous, le manga est donc de la bande dessinée, mais tout en gardant en tête qu’il s’agit d’un phénomène qui dépasse ce cadre strict. Avant de développer ce point, voyons ce qu’est plus précisément le manga au Japon.

Si la bande dessinée est née au début du XXe siècle au Japon par le biais des journaux satiriques et des caricatures, c’est dans les années 1910 que le manga s’est développé petit à petit dans les magazines destinés à la jeunesse. Après-guerre, dans la région d’Osaka, le manga s’est développé sous la forme de petits livres peu chers (les akahon) en réaction des magazines de la capitale, jugée hors de prix pour la plupart des enfants à une époque où le Japon se remettait difficilement des destructions et de la ruine. C’est dans ce cadre qu’Osamu Tezuka, appelé le dieu du manga, a commencé en 1947 sa carrière qui allait l’amener révolutionner le genre. Avec le boom économique des années 1950, les Japonais ont eu les moyens d’acheter les magazines, ceux-ci se sont développés, certains sont passés hebdomadaires et c’est toute une économie du divertissement qui s’est mise ainsi en place.

Actuellement, au pays du Soleil-Levant, la bande dessinée (hors des publications dans la presse) est d’abord prépubliée dans des magazines spécialisés (appelés mangashi). Ce sont des périodiques (hebdomadaires, bimensuels, mensuels, semestriels ou annuels, etc.) qui ressemblent pour la plupart (surtout les hebdomadaires) à de gros bottins contenant un certain nombre d’histoires différentes découpées en chapitre, chaque numéro du magazine proposant un nouveau chapitre à la fois. Les auteurs doivent ainsi rendre 16 planches toutes les semaines (pour un hebdo) ou 40 à 60 planches tous les mois (pour un mensuel). Une fois qu’il y a assez de chapitres, ceux-ci sont publiés sous forme de livre au format poche, c’est-à-dire en volume reliés comptant entre 160 et 210 pages.

Il existe de nombreux magazines de prépublication, même si ceux-ci ont tendance, ces dernières années, à disparaitre sous forme papier pour se retrouver uniquement sur le web ou sur téléphone portable. En effet, la prépublication papier est en crise depuis de nombreuses années, même si la situation s’est un peu stabilisée récemment. Ces magazines visent tous une cible précise, segmentée pour un public essentiellement masculin ou essentiellement féminin, définie notamment par son lectorat ou par son genre (exemples : mangas de mah-jong, mangas sur l’univers Gundam). C’est ainsi qu’on va pouvoir faire une classification que l’on retrouve dans les grandes lignes en France : le shônen pour les jeunes garçons (pré-ados et ados), shôjo pour les jeunes filles (pré-ados, ados et post ados), le seinen (jeunes adultes, principalement des hommes). Il n’y a pas que ces trois principales catégories, il en existe bien d’autres comme le young, le boys’ love, le komodo, le josei, etc.

En illustration, nous avons ici un numéro du Weekly Shônen Jump, le principal magazine de manga au Japon, dont le tirage a dépassé les 6,5 millions d’exemplaires au milieu des années 1990. Depuis, il est passé sous la barre des 2 millions. Il s’agit du magazine qui propose le plus grand nombre de séries à grand succès commercial. À côté, se trouve la couverture d’un numéro de Betsuma (Bessatsu Margaret), un des principaux magazines shôjo, proposant de nombreuses romances lycéennes (ce qui en fait un peu l’archétype du shôjo à nos yeux). Enfin, le plus à droite, se trouve la couverture d’un numéro du Big Comic Spirit, un des principaux magazines seinen au Japon, qui s’adresse principalement à un public masculin composés d’étudiants ou de salary men. Notez la différence de traitement en ce qui concerne les couvertures de ces trois supports. Concernant Big Comic Spirit, il s’agir là d’une photo assez soft, la plupart du temps, les filles en couverture sont en bikini.

Lorsqu’on parle de lectorat, il faut avoir en tête qu’il s’agit là de cœur de cible, les limites de ces catégories éditoriales sont en réalités assez floues. Des filles ou des adultes peuvent lire du shônen, là où on verra quasiment aucun garçon lire du shôjo (ou l’avouer).  Le lectorat est en réalité plus étendu, et il l’est de plus en plus avec la crise du manga qui sévit depuis plus de dix ans, ce qui a amené la création de magazines de prépublication (souvent uniquement en ligne) multi audience.

…déclinée à l’infini.

Cependant, pour la plupart des gens, le manga n’est pas que de la bande dessinée. Pour le grand public, c’est aussi (et surtout, pour beaucoup) des séries d’animation (les animés) diffusées à la télévision. Quand un manga (papier) rencontre un certain succès, il est souvent adapté en animé qui peut faire une ou deux saisons (ou plus si l’audience est au rendez-vous). Cette adaptation est importante pour les auteurs comme pour les éditeurs du manga originel car, outre des droits d’auteurs, la diffusion à la télévision accroit la notoriété donc l’audience du titre et amplifie ses ventes. C’est un phénomène qu’on ne rencontre pas qu’au Japon. En Occident, c’est la même chose : une série qui passe à la télévision (même par Internet) a de très grandes chances de mieux se vendre sous la forme de livre.

L’exemple montré ici est une des nombreuses déclinaisons de la franchise Dragon Ball. Après la série originale, la Z, la GT, voici la Super. Les plus gros succès commerciaux ont droit à une déclinaison cinématographique (bénéficiant donc d’un budget nettement plus important). Cette adaptation qui est diffusée dans les salles de cinéma est le plus souvent sous la forme d’un film d’animation, mais peut être aussi un fil en prise de vues réelles, avec de véritables acteurs et actrices. Ici, Broly est la dernière production en date, qui est même sortie en France en mars 2019. Le film d’animation peut être aussi produit uniquement pour une diffusion à la télévision (on parle alors d’OAV). L’adaptation peut aussi se faire sous la forme d’une série TV en prises de vues réelles avec de véritables acteurs et actrices. On parle alors de drama.

Une autre déclinaison des mangas qui connaît un succès certain est la figurine. En Occident, on aime beaucoup les figurines, il en est de même au Japon, ce qui fait le bonheur des magasins spécialisés, les marges étant bien meilleures que sur le livre. Elles ont tendance à être plus petites, moins travaillées et surtout moins cher au Japon qu’en France. Il s’agit ici d’une figurine de Sailor Moon, mais il en existe des centaines et des centaines, issues de séries comme Les Chevaliers du zodiaque, Dragon Ball, etc.

Cependant, les produits dérivés sont bien plus variés que cela. Il existe par exemple des bandes dessinées réalisés par des auteur·e·s non professionnel·le·s (il y en a même qui en vivent) qui auto éditent leurs créations qui reprennent l’univers et/ou les personnages de séries à succès. Cette pratique est normalement interdite mais elle est (plus ou moins) tolérée dans les faits. Ces BD sont appelées dojinshi, un phénomène qui s’est développé dans les années 1970 dans les clubs manga des lycées japonais. Les dojinshi ont leurs propres conventions comme le Comiket (le plus grand rassemblement BD au monde) qui se déroule deux fois l’an, ou le Comitia, plus accès sur les créations originales où des éditeurs francophones comme Ki-oon ont l’habitude de prospecter, à la recherche de talents encore inconnus des éditeurs japonais. En France, le phénomène existe aussi, de bien moindre importance), comme on peut le voir en allant dans la partie dédiée au fanzinat de conventions comme Japan Expo ou Yaoi/Yuri Con.

Les séries à succès peuvent être aussi déclinées sous une forme purement littéraire, en romans appelés « light novel », c’est-à-dire proposant une littérature sans grande prétention autre que de distraire. Nous sommes là dans la pure industrie du divertissement. Il s’agit le plus souvent de spin-off, c’est-à-dire des histoires parallèles mettant en scène des personnages plus ou moins secondaires. Néanmoins, il existe des séries qui font le chemin inverse. Des light novels, créations originales ayant rencontré un certain succès public, sont adaptés en manga et même en animés. Il y a même des cas où les trois supports sont prévus dès l’origine afin d’être très présents sur les trois canaux en même temps, renforçant ainsi leur notoriété et leur exposition.

Enfin, les plus grands succès commerciaux trouveront leur Graal en étant adapté en jeu vidéo. Deux des trois principaux fabricants de consoles de jeux vidéo étant japonais, un nombre important de mangas à succès ont eu droit à une adaptation. Bandai est un des éditeurs de référence, un des plus actifs dans le domaine. Dragon Ball, Naruto, One Piece, mais aussi Mobile Suit Gundam, JoJo’s Bizarre Adventure, la liste est longue des adaptations réussies en jeux vidéo, que ce soit sur Super Nintendo ou Playstation.

La liste des produits dérivés est réellement interminable. Ce peut être aussi des jouets ou des jeux de sociétés, des peluches ou des poupées, des goodies sous toutes les formes imaginables (agenda, trousses, cahiers, stylos, cartables, cartes téléphoniques ou de train, vêtements et chapellerie, maroquinerie, et même des préservatifs Sailor Moon en 2016). Il existe aussi des chaines de cafés comme le Gundam Cafe que l’on peut trouver dans les principales villes japonaises. Le centre commercial Diver City à Odaiba accueille même une reproduction d’une armure à l’échelle un depuis 2009 (le modèle a changé en 2017).

Le manga, un renouvellement sans fin ?

Fin 2018, je faisais le bilan BD d’une année qui s’était passée sans enthousiasme excessif. Pratiquement huit mois plus tard, le constat est ambivalent pour le manga. Si mes lectures ont continué à baisser en volume, il y a quatre, voire cinq débuts de série qui ont réussi à m’enthousiasmer. En 2018, il n’y avait eu aucune nouvelle série avec un tome 1 en coup de cœur, en 2017, il y en avait eu trois tout comme en 2014. Sur l’année 2015, il y en avait eu quatre, une en 2013, 2012 et 2011, etc. J’y vois là la preuve d’une certaine capacité de renouvellement du manga. De nouvelles œuvres de bandes dessinées japonaises ont réussi à relancer mon intérêt alors que je pensais en avoir définitivement fait le tour.

Un peu de retour vers le passé

Il faut dire que je suis lecteur de mangas depuis le mitant des années 1990. Déjà, à la fin de ces mêmes années 1990, j’avais déjà plus ou moins abandonné la bande dessinée japonaise. En 2001, je ne lisais plus que Ranma ½ en mode automatique. Puis j’ai découvert début 2002 Maison Ikkoku, autre œuvre, mais en plus adulte, de Rumiko Takahashi, puis Lamu, (la série qui a lancé l’auteure au Japon) et c’était, à l’époque, reparti pour un tour (un gros tour) avec un pic de lectures sur l’année 2010 (entre services de presse et nombreux achats, je lisais 24-25 mangas par mois, de tous les genres et thèmes). Après une perte d’intérêt (partielle) en 2011-2012 avec quand même une dizaine de mangas lus mensuellement en 2012, une remontée d’intérêt les années suivantes, j’ai effectué dernièrement un nouveau décrochage que je pensais définitif. Il faut dire que le premier semestre 2019 a vu se terminer plusieurs séries dont j’étais plutôt friand : Maiwai, Après la pluie, Dorohedoro et Kamakura Diary. Et pourtant…

Le renouvellement

Économiquement, le manga se porte plutôt bien en France depuis de nombreuses années, le trou d’air rencontré entre 2010 et 2014 n’étant plus qu’un mauvais souvenir. La fin de locomotives comme Naruto ou Fairy Tail a été compensée par l’arrivée de nouveaux best-sellers tels que My Hero Academia ou One-Punch Man. Indéniablement, le marché francophone de bande dessinée japonaise a trouvé un « second souffle » alors qu’on pouvait craindre un effondrement comme l’ont connu les USA durant la seconde moitié des années 2000. En ce qui concerne les sorties, elles se sont stabilisées depuis quelques temps à 1600-1700 volumes par an. Néanmoins, ces mangas à succès, des shônen, forcément, ne me concernent pas, n’étant plus client de ce genre depuis de très longtemps. Les seuls mangas destinés à un lectorat jeune et masculin qui pourraient trouver grâce à mes yeux ne seraient pas de gros succès commerciaux, bien au contraire. Par contre, quelques titres que l’on pourrait classer en young seinen ont réussi à m’intéresser tels que Gleipnir ou Time Shadows. N’oublions pas le seinen très shôjo sous bien des aspects (et pour cause), j’ai nommé Le Tigre des neiges. En ce qui me concerne, c’est donc plus dans la diversité des titres proposés en version française qu’il faut rechercher mon renouvellement d’intérêt qui va se concrétiser dans mes achats du mois de septembre où je vais me jeter (plus ou moins rapidement) sur une dizaine de sorties.

La plupart de mes nouvelles lectures sont à mettre à l’actif de Kana, ce qui doit expliquer le recul permanent de l’éditeur bruxellois au niveau de ses parts de marché. En effet, en tant que bon mangaversien, je représente une boussole inversée en ce qui concerne le succès commercial. Ainsi, il existe un adage : « si ça plait à un mangaversien, ça ne va pas se vendre ! ». Mais trêve de pessimisme, laissez-moi vous présenter ces quatre « coups de cœurs » 2019 :

BL Métamorphose

Présentation de l’éditeur : À 75 ans, Yuki vit le quotidien bien réglé d’une grand-mère japonaise, entre mots croisés et cours de calligraphie. En flânant un jour dans une librairie pour fuir la chaleur, elle craque pour un manga, intriguée par sa couverture chatoyante… Ce n’est qu’en rentrant chez elle que Yuki se rend compte qu’elle a fait l’acquisition d’une bande dessinée d’un genre bien particulier : un boy’s love, une romance entre garçons ! L’histoire pourrait s’arrêter là, mais, contre toute attente, notre mamie tombe littéralement sous le charme de ce récit et n’a plus qu’une idée en tête… lire la suite ! C’est la jeune Urara, apprentie libraire et accro au genre, qui va devenir la conseillère de la vieille dame en la matière ! Pour l’adolescente timide et complexée, qui vit sa passion dans le secret, la rencontre avec Yuki va être un véritable déclic. Par-delà les générations, les deux fangirls vont s’ouvrir l’une à l’autre et découvrir les joies d’une amitié hors du commun !

Voilà un excellent premier tome, quoiqu’il se lise très vite (140 pages à 5-6 cases par planche, prépublication Internet oblige, cela fait court à l’arrivée). Les réactions de Yuki et d’Urara sont dépeintes avec bienveillance par Kaori Tsurutani, l’auteure, qui puise dans sa propre expérience pour développer son récit. C’est ainsi que l’asociabilité (relative) d’Urara est dépeinte avec pas mal de subtilité, ainsi que de son désir de nouer des relations avec des personnes partageant sa passion pour le BL. L’intérêt soudain de Yuki pour l’homo-érotisme masculin est totalement vraisemblable et n’est pas un simple artifice de scénario. Une telle maîtrise narrative est remarquable même si la mangaka n’est pas totalement une débutante ayant emporté un prix en 2007, même s’il lui a fallu ensuite une dizaine d’année avant de connaître le succès et une première série longue.

From End

Présentation de l’éditeur : Enseignante au lycée depuis peu, Rui Shinomiya tombe un jour sur une photo précieusement gardée par Rui Hayase, l’un de ses étudiants. Choquée, elle se reconnaît sur le cliché, adolescente, à l’époque où elle était victime d’agressions sexuelles. Le passé qu’elle avait tout fait pour oublier ressurgit brutalement. C’est un nouvel enfer, pavé de chantage et de manipulation, qui commence…

Il s’agit d’un thriller en trois tomes réalisé par Mitsuo Shimokitazawa, une auteure qui a une dizaine d’année de carrière qu’elle a exercée dans plusieurs déclinaisons du magazine Margaret (Shueisha). Cela se voit à son dessin, très typique des mangashi pour filles du célèbre éditeur. Par contre, en ce qui concerne le contenu, il ne va pas falloir s’attendre à de la romance lycéenne (d’où le changement de magazine, je pense). On a du sombre, du sordide, du chantage, du suspense, de la mort qui rôde (et plus). Bref, c’est un sacré thriller (pas seulement) psychologique qui nous est proposé par Kana. Et en trois tomes, je pense qu’on ne va pas s’ennuyer un seul instant et que l’on va trembler pour Rui Shinomiya jusqu’au bout. Surtout que personne ne semble vraiment honnête et on sent que la mort peut survenir à n’importe quel moment, de n’importe qui.

Hi Score Girl

Présentation de l’éditeur : 1991. Haruo est un élève de primaire qui n’a qu’une passion : les jeux vidéo. Il passe la quasi-totalité de son temps libre dans les salles d’arcade à aiguiser sa maîtrise des jeux de combat. Alors qu’il pense être le meilleur dans son domaine, ses certitudes vont voler en éclats le jour où une redoutable adversaire va se dresser contre lui : Akira, la plus brillante et la plus jolie des filles de son école. Déclaration d’amour au rétrogaming, ce récit touchant se joue des idées préconçues pour nous offrir une virée à la fois nostalgique, drôle et référencée dans la scène compétitive vidéoludique des années 1990.

Ce premier tome s’est révélé être excellent alors que le sujet choisi ne promettait rien de bon pour une personne ne s’intéressant pas (ou plus) aux jeux vidéo. D’ailleurs, la plupart des jeux ne me disent rien car j’ai surtout été un joueur sur micro-ordinateurs (C64, Amiga puis PC) et non de jeux vidéo d’arcade (peut-être aussi sont-ils trop « récents » pour moi). Donc, le côté « geek sur le retour » et la nostalgie ne fonctionnent absolument pas pour moi. Néanmoins, nous avons là une histoire à la fois très amusante et attendrissante à de nombreux moments. Certes, il faut savoir dépasser le dessin assez particulier (mais tout à fait réussi). Une fois cette étape franchie, ce n’est que du plaisir de lecture. De plus, vu la façon dont de termine le présent volume, nous ne pouvons que nous demander comment la série va évoluer, ce qui amplifie notre intérêt pour l’histoire.

La voie du tablier

Présentation de l’éditeur : Notre homme est un ancien yakuza devenu homme au foyer… Il se faisait appeler « Tatsu, l’immortel » ! Aujourd’hui, il est l’homme idéal : il prépare des bentos à tomber, il repère les meilleures promotions et il aide même d’anciens collègues (?) dans leur quotidien…Mais malgré son adorable tablier, il ne peut totalement gommer son air patibulaire et son regard de tueur… Pour notre plus grand plaisir !

Encore une série étonnante par ses prémisses improbables. Yakuza et homme au foyer, il fallait oser l’idée ! Le résultat est extrêmement hilarant, notamment le chapitre dédié au robot ménager. Certes, il faut s’habituer aux têtes des personnages, parfois bizarrement dessinées, ainsi qu’au trait un peu particulier de la série (et le détourage des silhouettes), mais une fois ce possible écueil passé, ce n’est que du plaisir à lire les « aventures » de Tatsu. S’il semble sur le forum de Mangaverse que ça ne soit pas le cas pour tout le monde, pour ma part, j’accroche totalement à l’humour et aux chutes décalées de fins de chapitres. Le rythme est soutenu car chaque histoire fait peu de pages et du coup, on ne s’ennuie jamais. Néanmoins, il faudra voir comment l’auteur va réussir à se renouveler dans la durée.

Dorohedoro, c’est clos !

Après seize années de parution (pour la version française), la formidable série Dorohedoro s’est achevée en ce mois de juin 2019 avec son tome 23. Héritage de la reprise des éditions Végétal Manga par l’éditeur toulonnais Soleil Prod, le titre a continué à paraitre malgré quelques vicissitudes, à commencer par de mauvaises ventes qui ont été à l’origine d’un hiatus de deux années entre les tomes 2 et 3 puis entre les tomes 3 et 4. Heureusement, Iker Bilbao (que je remercie une fois de plus), le responsable d’édition du label Soleil Manga, s’est battu pour relancer (notamment en rendant la série à nouveau disponible pour une poignée de nouveaux fans) puis pour continuer sur un rythme plus en adéquation avec les habitudes des lecteurs de bandes dessinées japonaises. C’est ainsi que le public francophone a pu en voir la fin. N’oublions pas qu’au Japon, Dorohedoro a connu deux arrêts de magazines (Ikki puis HiBaNa), ce qui n’a pas non plus aidé la commercialisation de la version francophone.

Dorohedoro 23
Samedi 22 juin : a-yin, Shermane (hors cadre) et moi sommes allés acheter notre tome 23 à la librairie Komikku !
La voici, la fin tant attendue !

Au fait, ça parle de quoi ?

L’univers de Dorohedoro est divisé en deux : tout d’abord, il y a Hole, là où (sur)vivent les humains, dans une société délabrée. En effet, ils sont victimes des mages qui vivent dans une autre dimension et qui viennent s’exercer ou s’amuser à transformer les hommes en diverses choses, selon leur talent magique. Leur pouvoir résulte de leur personnalité et le résultat est souvent imprévisible. Certains peuvent vous transformer en champignons, d’autre vous découper en rondelles sans vous tuer, d’autre encore peuvent vous faire fondre, ou se téléporter, ou vous muter en saurien, en insecte, etc. Des mages, aux pouvoirs très recherchés, peuvent vous soigner et vous restaurer physiquement quelque soit l’importance de vos blessures. Il se dit même que certains mages maitrisent le temps…

Le premier tome de la série commence à Hole où Caïman, un humain (?) dont la tête est celle d’un lézard et qui est amnésique, cherche à tuer tous les mages qu’il rencontre mais seulement après avoir vérifié qu’il ne s’agissait pas de celui qui l’avait transformé. Il est assisté dans sa quête par Nikaido, la tenancière d’un restaurant de gyozas et redoutable combattante. Cependant, à force de tuer des mages alors que ceux-ci ont plus l’habitude d’être des chasseurs que des proies, notre duo attire sur lui l’attention de En, le dirigeant (de fait) du monde des mages. En est un mage surpuissant qui bénéficie de l’aide de Chidamura, le premier et le plus puissant des diables. Ceux-ci sont des anciens mages qui ont réussi à passer un examen après un entrainement très sélectif et réservé aux meilleurs.

En décide alors de mettre deux de ses plus puissants acolytes à la recherche de ces tueurs de mages : Shin (un demi-humain) et Noï. Ce sont deux puissants combattants, aux pouvoirs magiques redoutables. L’affaire devrait être ainsi rondement menée… sauf que Caïman est insensible à la magie. Celle-ci s’exprime sous forme de fumée, une fumée de poudre noire, que peuvent produire tous les mages, la quantité dépendant de leur puissance magique. Il se révèle assez rapidement que Caïman semble lié à une secte, celle des « yeux en croix » qui regroupe des mages minables, ceux incapables de lancer de la fumée. Pour compliquer le tout, En a déjà eu affaire aux étranges pouvoirs du chef des « yeux en croix » et ne s’en est sorti que de justesse il y a de nombreuses années. Il pensait pourtant avoir réussi à s’en débarrasser. Il faut dire que dans un monde où la mort est rarement définitive, aucune victoire ne peut l’être… définitive !

Un univers baroque et très sombre

Q-Hayashida, l’auteure, a un graphisme immédiatement reconnaissable. Il est à la fois lâché et très sombre. Pour Dorohedoro, elle semble aussi avoir été influencée à certains moments par l’artiste suisse H.R. Giger et ses peintures biomécaniques, mais aussi par l’artiste japonais Kenji Yanobe célèbre pour ses sculptures issues d’un univers dystopique. On apprend dans l’entretien (malheureusement assez décevant) paru dans le numéro 5 du magazine ATOM que l’auteure a été marquée par le film Alien et par une exposition dédiée à Giger. En effet, ce sont plus les films, les clips vidéo et les séries TV qui sont ses sources d’inspiration que ses lectures manga (pourtant nombreuses). Cela explique peut-être le dessin personnel (elle n’utilise pas d’assistant) de Q-Hayashida, que l’on ne peut rattacher à tel ou tel courant ou déceler facilement telle ou telle influence (elle n’a jamais été assistante de quiconque). Il s’agit là d’une des trois qualités principales du titre, incontestablement.

Au niveau de la narration et de la mise en page, l’originalité n’est pas de mise, par contre. C’est l’efficacité qui prime. Il est stupéfiant de voir à quel point il est facile de rentrer dans l’histoire, que ce soit avec le premier tome ou avec les volumes suivants, même lorsqu’un certain temps s’est écoulé entre deux sorties. Pourtant, le récit repose sur une double trame narrative. Cette facilité est d’autant surprenante que la mangaka n’a eu que très peu de temps pour livrer les premiers chapitres de Dorohedoro et qu’elle était encore relativement débutante à l’époque avec juste comme expérience une nouvelle (celle de ses débuts professionnels suite à un concours de débutants) intitulée Sofa-chan, et une courte série (Maken X Another), les deux étant paru chez Kodansha. De plus, le scénario n’est pas réellement élaboré à l’avance, Q-Hayashida avoue le concevoir au fur et à mesure de la composition des chapitres.

D’après un entretien disponible en anglais (à l’origine paru au Japon), cette facilité de lecture est surtout due au travail, notamment suite à de nombreux échanges avec son responsable éditorial chez IKKI. Le talent joue aussi, sans le moindre doute, et nous avons là le deuxième point fort de la série. Le troisième est lié aux personnages. Que ce soit les principaux (Caïman, Nikaïdo et Prof Kasukabe d’un côté, En, Shin et Noï de l’autre), ou les secondaires (trop nombreux pour être cités), ils sont tous attachants à leur manière. Il est à noter qu’il n’y a pas réellement de romance, que ça soit entre Caïman et Nikaïdo ou entre Shin et Noï. Q-Hayashida a voulu retrouver la relation qu’avaient les agents Mulder et Scully dans la série X-Files. C’est un peu dommage pour les fans d’histoires de cœur mais c’est tant mieux pour la qualité du récit.

Ce tome 23, il vaut quoi ?

Dans la postface du dernier volume, nous apprenons qu’à un moment, Q-Hayashida avait des difficultés avec la création de sa série et elle avait annoncé qu’elle allait l’achever, ce qui aurait donné un total de 19 volumes. Puis après avoir relu l’ensemble des tomes parus, elle avait retrouvé l’énergie et l’envie de la continuer afin de la conclure de façon satisfaisante. Les lectrices et lecteurs peuvent ressentir cette lassitude puis cette volonté de prolonger l’aventure. Il faut reconnaître que Dorohedoro a perdu petit à petit certaines qualités de ses débuts, notamment la vivacité du récit, et que l’auteure s’est un peu fourvoyée en empruntant certaines voies peu satisfaisantes dans les méandres d’une narration jusqu’ici plutôt fluide.

Il est difficile de situer exactement cette baisse de qualité, surtout que tout le monde ne la placerait pas au même endroit. En ce qui me concerne, le milieu du tome 16 est un marqueur avec l’évolution de Nikaïdo. Il y a un changement de ton qui devient plus grand-guignolesque. De plus, toute la partie dans le grand magasin central est bien trop longue. Un autre changement est assez déplaisant, même si cela n’était pas réellement nouveau (il y avait une courte scène de bain dans le tome 6), Q-Hayashida se met à déshabiller un peu trop souvent son héroïne, de façon assez gratuite. En matière de lenteur, le tome 21 est le pire de la série, tant le délayage y est présent, avec une narration très laborieuse et donc sans rythme. L’avant-dernier volume est toutefois moins mauvais, la mangaka mettant en place les éléments nécessaires à la fin de son histoire.

Heureusement, le dernier opus retrouve en grande partie la facilité de lecture des débuts, un rythme plus soutenu et sa double trame narrative, celle-là même qui était un des points forts de l’histoire. Néanmoins, je trouve qu’il y a deux facilités scénaristiques, des deus ex-machina qui ne sont pas très satisfaisants. Impossible d’en parler ici sans dévoiler la fin, ou plutôt comment l’auteure arrive à sa conclusion, tant celle-ci est prévisible depuis de très nombreux chapitres (depuis le cliffhanger à la fin du tome 18). Néanmoins, la lecture de ces 350 pages est un réel plaisir, et c’est bien là le principal. Une fois Dorohedoro 23 refermé, il ne reste plus qu’à rouvrir le premier tome et relire l’ensemble de la série (ce que je suis en train de faire, pardi) !